Fotografia en Blanco y Negro Digital
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Fotografía DIGITAL EN BLANCO Y NEGRO Eduardo Cavero - Egúsquiza
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Manual para fotografía
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Fotografía DIGITAL EN BLANCO Y NEGRO
Eduardo Cavero - Egúsquiza
Razones para Fotografiar en Blanco y Negro
La fotografía en blanco y negro es un auténtico mundo por explorar. Las capacidades artísticas y expresivas del duotono son infinitas. Aun así, muchas veces no tomamos el blanco y negro como nuestra primera opción. Este artículo te ofrece 10 razones para que te plantees usarlo en tu día a día fotográfico, tanto si prefieres disparar en blanco y negro o si optas por crearlo después. Hay vida más allá del color, vamos a ver por qué !
No estamos acostumbrados a elloSí, todos hemos visto muchísimas fotografías en blanco y negro pero seamos sinceros: todos nosotros, dejando de lado las personas afectadas de daltonismo monocromático, vemos el mundo en color, así que mostrar algo en blanco y negro nos obliga a verlo de una forma nueva. Una fotografía en blanco y negro probablemente llame más la atención que una en color, pues el color nos parece más cotidiano, más normal, mientras que el duotono nos acerca más al cine, a la escenificación, al arte en general.
Es una caja de sorpresasAl tomar la foto podemos imaginarnos más o menos cómo será el resultado final pero tendremos que esperarnos a ver la imagen en escala de grises para poder apreciar el resultado final. Un buen ejercicio fotográfico es el de intentar imaginarnos nuestro escenario en blanco y negro, con la intención de identificar posibles fotografías interesantes en blanco y negro. Y es que no todas las fotografías son adecuadas para el procesado al blanco y negro, las hay más predispuestas a convertirse en buenas fotografías monocromáticas (imágenes abstractas, con texturas, líneas...) y las hay menos adecuadas.
El color esconde secretos¿Te ha pasado nunca el haber tomado una fotografía que, a tus ojos, pasaba sin pena ni gloria pero al convertirla al blanco y negro, ha ganado en fuerza? Eso es porque, como dice el título, el color esconde secretos. Hay elementos que quedan enmascarados, en cierta manera, por el color. Podríamos decir que el color nos llama la atención visualmente, así que distrae a los ojos para que estos no vean ciertas cosas con tanta facilidad. Es por esta razón que se dice que, en las fotografías en blanco y negro, la composición es más importante, pues con la ausencia de color las líneas, las texturas, los contrastes lumínicos saltan a la luz y se hacen más evidentes.
Es más difícil conseguir una buena fotoPrecisamente por las razones que hemos explicado en el punto anterior, conseguir una foto espectacular en blanco y negro es mucho más difícil que hacerlo en color. La ausencia de color nos ayuda a fijarnos en cosas que, en presencia de colores, quizás hubieran pasado desapercibidas. Es cierto que, como ya hemos visto, el hecho de que no estemos acostumbrados a ver en blanco y negro nos puede ayudar a conseguir una imagen atractiva visualmente, pero esto no te librará de tener que prestar más atención a los aspectos técnicos de la imagen que, en blanco y negro, quedan más al descubierto.
La excusa perfecta para usar un alto contrasteSi queremos usar un contraste alto para una fotografía en color, seguramente las tonalidades varíen y tengas que dedicarte, también, a modificar saturación e intensidad para conseguir el efecto deseado. En una fotografía en blanco y negro no tendrás que pasar por esto. Además, por norma general, las fotografías monocromáticas con un alto contraste suelen tener muchísima fuerza visual, incluso más que en color. Con todo, no debes olvidar que es muy importante que tu fotografía tenga toda la gama tonal: desde el blanco más puro al negro más intenso, pasando por todos los grises!
¿Que no ofrece tantas opciones de revelado?Puede parecer que convertir una fotografía al blanco y negro es una cosa fácil, sin más misterio. Y que, con un solo click, el revelado de la foto queda solucionado. Nada más lejos de la realidad: existen una enorme cantidad de posibilidades: puedes escoger desaturar la imagen, o bien convertir tu fotografía a escala de grises, entre muchas otras opciones. Además, no olvides los filtros que, de la misma manera que existen para editar las imágenes en color, también los hay para interpretar de manera diferente las fotografías en blanco y negro. Para muestra, un botón: la misma imagen en blanco y negro procesada de dos maneras distintas. La única diferencia entre ellas es la interpretación de los colores; la exposición o la luminosidad no ha sido modificada.
A veces es la única manera de transmitir aquello que buscamos expresarA veces el color no puede expresar aquello que nosotros deseamos. En estos casos, el blanco y negro puede convertirse en tu mejor aliado. Un blanco y negro procesado en clave baja puede dar pie a una imagen muy profunda, expresando agresividad, dureza o también melancolía y tristeza. En cambio, un blanco y negro en clave alta, en cambio, puede ayudarte mucho para expresar sentimientos de pureza y tranquilidad. Todo depende de la fotografía que queramos conseguir y de cómo la trabajemos antes y después del procesado.
También puede ser tu última opciónSi eres como yo, que pese a todo lo dicho, eres un amante del color; el blanco y negro puede ser tu última opción. Aquella alternativa que te salve en un momento de crisis. En mis fotos siempre ando buscando el color perfecto para cada imagen pero hay veces que no lo encuentro. En ocasiones como esa, antes de dejar la fotografía como "misión imposible", siempre la pruebo en blanco y negro. Más de una vez he quedado sorprendida y me he dado cuenta de que el color que aquella fotografía me estaba pidiendo era, ni más ni menos, el blanco y negro.
El blanco y negro es más simpleAsí que, como consecuencia, aquellas imágenes que se conviertan al blanco y negro serán más simples. Por supuesto que hay excepciones, no es difícil encontrar imágenes verdaderamente complejas en blanco y negro, pero si crees que los colores no aportan mucho a tu fotografía, prueba de ponerla en blanco y negro, seguramente te guste ¡mucho más así!
Lo retro está de modaPuede parecer superfluo, pero es cierto. No hay más que fijarse en Instagram (y aplicaciones parecidas), tutoriales para conseguir efectos vintage en las fotos, acciones de photoshop, presets de Lightroom... Sea como sea, el blanco y negro nos remonta a los inicios de la fotografía: cuando no se podía fotografiar en color o, más adelante, cuando sí se podía pero no estaba al alcance (económico) de la mayoría de población. Así que fotografiar en blanco y negro es como volver a la esencia de la fotografía. Si, además, se le añaden efectos como grano grueso o tonalidades sepia a las fotos, se pueden conseguir imágenes que parezcan verdaderamente muy antiguas. Eso no se puede conseguir de la misma manera con el color!
Rueda De Escala De Grises El blanco, el negro y el gris son matices acromáticos, es decir, colores
sin color. Psicológicamente son colores que neutralizan y que originan en el observador determinadas sensaciones y reacciones. Desde el punto de vista físico, la luz blanca no es un color, sino la suma de todos los colores en cuanto a pigmento, el blanco sería considerado un color primario, ya que no puede obtenerse a partir de ninguna mezcla. El color negro, por el contrario, es la ausencia absoluta de la luz. Y en cuanto color sería considerado un secundario, ya que es posible obtenerlo a partir de la mezcla de otros.
Sistema de zonasEl Sistema de Zonas es una técnica de exposición y revelado fotográfico inventado por Ansel Adams y F. Archer a final de los años 30. El Sistema de Zonas proporciona al fotógrafo un método sistemático para definir con precisión la relación entre la manera en la que ve el sujeto fotográfico y el resultado que alcanzará el trabajo. En cierta forma, el Sistema de Zonas juega el mismo papel que la gestión del color para los fotógrafos digitales. Permite una correlación directa entre el mundo visual y la copia fotográfica final.
Rango DinámicoLo que hace necesarias las bases conceptuales del Sistema de Zonas es el hecho de que tanto el papel fotográfico actual como los sensores digitales son capaces de captar un rango de valores tonales muy limitado, mientras que el Rango Dinámico, que así se llama, del ojo humano se mueve entre valores de 1 a 1.000.000 desde la máxima oscuridad en la que puede ver hasta la luminosidad mayor capaz de tolerar. Los papeles fotográficos actuales se quedan en un intervalo de 1 a 512. Es interesante señalar que en los inicios de la fotografía los papeles ofrecían escalas mayores. En contrapartida, presentaban una respuesta mucho menos rápida a la luz.Esto significa que los fotógrafos deben salvar esta limitación a través de un método que permita aproximar al máximo posible la copia final a la realidad capturada vista con nuestros ojos. El Sistema de Zonas busca este objetivo proporcionando al fotógrafo una manera sencilla de controlar el contraste de la película en su cámara.
Imagine todos los valores tonales que pueden verse o que pueden aparecer en una Copia fotográfica representados en una gradación continua desde el negro hasta el blanco:
Gradación tonal completa.
Desde aquí, se forman las Zonas: Dividiendo el espectro en diez secciones iguales:
Tomando para cada sección el tono medio:
Diez tonos simbólicos.Numerando cada sección en cifras romanas desde 0 para el negro hasta IX para el blanco:
La escala de Zonas
Zonas, Textura y DetalleEn términos de la textura y el detalle que podemos ver en la realidad, encontramos tres tipos de zonas: • Zonas que bien son blanco puro (Zona IX) o negro absoluto (Zonas 0 y I) y que carecen por completo de textura y detalle. Estas zonas se utilizan para visualizar y representar los puntos extremos en una fotografía. • Zonas que presentan una cantidad limitada de textura y detalle y que se utilizan para representar objetos muy oscuros o muy iluminados con ligera textura (Zonas II y VIII). • Zonas con textura y detalle total (Zonas III, IV, V, VI y VII). La escala de zonas según textura se ha representado tradicionalmente de la siguiente manera:
Midiendo ZonasLas Zonas representan cantidades de luz que se duplican en cada paso hacia el IX y se dividen hacia el 0. En este sentido, las Zonas equivalen a los demás controles de la cámara. Una variación de una Zona en un sentido o en otro equivale a un punto de diafragma (f/stop) más (hacia el 0) o menos (hacia el IX), un paso en velocidad de obturación (+ hacia el 0 y – hacia el IX) o a la variación del número ISO (+ hacia el IX y menos hacia el 0). Para el propósito del Sistema de Zonas es todo lo mismo y podremos combinar estos conceptos técnicos de la cámara para “colocar” nuestro sujeto en la zona deseada como veremos a continuación.
El Sistema de Zonas en la exposiciónUna superficie oscura bajo una iluminación intensa puede reflejar la misma cantidad de luz que una superficie clara bajo una luz débil. El ojo humano puede percibir la diferencia entre las dos pero un fotómetro las medirá como iguales. Por esta razón, los fotómetros están diseñados para situar el valor tonal medido en la Zona V. Como se comentó antes, cada zona es equivalente a un paso de apertura de diafragma o de velocidad de obturación así que, combinando estos dos factores, el Sistema de Zonas ofrece al fotógrafo una manera muy fiable de exponer correctamente una fotografía:Previsualizar el área de la composición que quiere que sea una zona oscura con textura y detalle (típicamente, zona III) en la copia. La correcta exposición de la zona III es importante porque si esta área queda por debajo de esta zona, el detalle y la textura se perderá con la subexposición.Tras esto, medir cuidadosamente la zona previsualizada como III y anotar la exposición recomendada por el fotómetro.Recordar que la exposición dada por el fotómetro se sitúa en la zona V en lugar de la zona III que buscamos. Para corregirlo, compensaremos la exposición en dos puntos sobre la recomendación del fotómetro.
Un Poco de Teoría
Seguro que tu cámara dispone de menús creativos que te permiten hacer directamente las fotos en blanco y negro. Pero, ¿sabías que utilizar estos parámetros de la cámara no es la mejor opción para hacer fotos en blanco y negro? Descubre por qué:
Blanco y Negro con PhotoshopSi te estás iniciando en el Blanco y Negro, te sorprenderá descubrir que hay bastantes maneras diferentes de pasar una foto a blanco y negro. La diferencia entre los distintos métodos radica fundamentalmente en el control que permite cada uno de ellos sobre el resultado final.No se puede decir que unos sean mejores que otros; simplemente el control que tendremos sobre nuestras imágenes será mayor o menor, y eso sí que nos permitirá determinar qué resultado nos gusta más: esa será la mejor foto, y por tanto, el mejor método de conversión a blanco y negro.Blanco y Negro con la Herramienta DesaturarBlanco y Negro con el Modo Escala de GrisesConversión a Blanco y Negro Color LabMétodo Rob Carr para la Conversión a Blanco y NegroEmulando la Fotografía Blanco y Negro Clásica
Haciéndote la Vida Más Fácil: Acciones PhotoshopAquí un fichero de acciones Photoshop para que puedas aplicar los distintos métodos de blanco y negro de forma automática:
Acciones Photoshop. Qué Son y Cómo se UsanDescarga Acciones Photoshop para B/N
Conversión a Blanco y Negro
Aunque muchas cámaras digitales permiten la obtención directa de fotografías en byn, es algo desaconsejable y debemos evitarlo siempre. La imagen debe ser capturada en color y posteriormente convertida en el ordenador. Ni que decir tiene que debemos partir de una imagen lo mejor expuesta posible (repasar los tutos de Csarm al respecto!) y desde luego en formato RAW, después, una vez en PS, en 16 bits/canal si queremos la máxima calidad.
Aunque por supuesto cualquier imagen es susceptible de convertirse a byn, no con todas las fotografías vamos a obtener unos buenos resultados. Para que la foto “funcione” visualmente deben tenerse en cuenta aspectos básicos de composición e iluminación, perfiles, volúmenes y texturas.
PREPARACIÓN DE LA FOTOGRAFÍA. REVELADO EN ACR
Con archivos RAW tenemos dos posibilidades:1º.- Pasar a byn en el propio Adobe Camera Raw (ACR).2º.- Hacer el revelado normal en ACR y después hacer la conversión en Photoshop
En ACR (adobe camera raw), la conversión a escala de grises se realiza en la pestaña “HSL/Escala de grises”, haciendo clic en el icono se despliega el menú que nos permitirá ajustar los cursores de los diferentes tonos según nuestras preferencias.
Una opción adicional sería: con la pestaña que se encuentra situada inmediatamente a la derecha “dividir tonos”, podremos aplicar virados y duotonos (virados para luces y para sombras).
Finalmente aplicaríamos el contraste en la pestaña de “curva de tonos” para ganar fuerza en la imagen y ajustar el histograma.
Los ajustes finales como el enfoque pueden aplicarse posteriormente en PS
Una vez revelado el raw en color de la imagen en ACR (y en nuestra opinión, mejor sin contrastar), abrimos la foto en PS para su conversión a bynMétodos habituales de conversión:1. Modo “Desaturación” y Modo “Escala de grises”2. Método “Color Lab”3. Método de las dos capas4. Mezclador de canales5. Método Blanco y negro (nueva paleta específica de versión CS4)
CONVERSIÓN EN PHOTOSHOP
Los ajustes como el contraste y de enfoque los aplicaremos después de la conversión.
1º.- Desaturación y Escala de grises: En el primer caso simplemente abrimos una capa de tono/saturación y desplazamos el cursor saturación a la izquierda (hasta -100). Para escala de grises elegir en el menú IMAGEN -> MODO -> ESCALA DE GRISES, así de simpleEl método 1º que agrupa los anteriormente descritos son modos automáticos de PS, la acción la ejecuta el programa con ajustes por defecto aunque los resultados no son ni mucho menos iguales y pueden variar en mayor o menor medida según los colores predominantes de la imagen.De cualquier forma son procedimientos únicamente válidos cuando el resultado que quieras obtener te importe muy poco.
2º.- Color LAB: Es un método algo más elaborado. Después de abrir la foto, en el menú IMAGEN -> MODO -> COLOR LAB. En la paleta de capas y canales, seleccionando ésta, vemos que los canales RGB han sido sustituidos por otros (Lab, Luminosidad, A y B). Seleccionamos el canal luminosidad y la imagen se convierte en byn.
3º.- Método de las dos capas: Consiste en crear dos capas de ajuste de de tono/saturación. En la superior (última creada), bajamos la saturación a -100. Después en la capa de tono/saturación inferior la ponemos en modo color de fusión de capas (imprescindible) y variamos los ajustes del cuadro de diálogo hasta que consigamos lo que queremos (primero el tono y después la saturación).
4º.- Mezclador de canales: Es una herramienta muy versátil y se basa en la mezcla de los tres canales básicos rojo, azul y verde. Lo haremos así:
Creamos una capa de ajuste y abrimos el diálogo de mezclador de canales CAPA -> NUEVA CAPA DE AJUSTE -> MEZCLADOR DE CANALES. En la paleta marcaremos el cuadrito de la opción “monocromo”, a partir de ahí jugaremos con los deslizadores hasta conseguir el resultado que mas nos guste, eso si, la suma de los porcentajes de los tres canales debe ser finalmente 100.En el cuadro de diálogo de la parte superior, por defecto, está seleccionada la opción “a medida”. Si lo desplegamos nos encontramos con varias posibilidades adicionales aplicando filtros (rojo, naranja, amarillo, azul…)Además, podemos aumentar aún más las posibilidades si creamos una capa de tono/saturación entre la capa de fondo y el mezclador de canales.
La variación y combinación de tono y saturación amplía el espectro. Este método está indicado cuando las tonalidades de la foto o componentes de color sean muy vivos y de alguno (o varios) de los colores básicos (R,V,A)
5º.- Blanco y negro en CS3 / CS4: las versiones CS3 y CS4 se ha visto potenciada con una paleta específica para byn que trabaja directamente con cada color de la imagen de forma independiente. Jugando con los deslizadores de cada color conseguiremos dar más blanco o negro a cada uno de ellos. Esto mismo se puede hacer con el icono de la mano arriba a la izquierda), lo seleccionamos, lo colocamos sobre cada zona de la fotografía y después lo deslizamos hacia izquierda y derecha con el botón izquierdo del ratón accionado.
Los métodos mencionados son los más habituales pero hay que saber que existen otros muchos métodos de conversión, e incluso variaciones más o menos complejas de éstos.
AJUSTES POSTERIORES A LA CONVERSIÓN
En general no puede decirse que haya un método mejor que otro pero si el resultado que queremos obtener tiene un mínimo de interés para hay que prescindir de los métodos automáticos como los del punto 1 (es decir, Desaturación y escala de grises) ; las otras cuatro tienen sus aplicaciones sobre todo dependiendo de la gama de color de la foto. En nuestra opinión el método Lab y el específico de Ps CS4 son los que mejores resultados ofrecen en la mayor parte de las ocasiones.
Una vez realizada la conversión de la foto a byn continuaremos con los ajustes de contraste y enfoque. En el primer caso, el método más recomendable son las curvas de ajuste. En la parte superior izquierda de la paleta de CS4 hay un icono de una mano con una flechita, si pinchamos sobre el y luego lo colocamos sobre los distintos tonos de la fotografía lograremos marcar y ajustar puntos concretos de la curva. Tened en cuenta que en cada foto prevalecerá algo sobre el resto. En las fotos de paisaje el cielo es fundamental, en los retratos la luminosidad y tono de la piel…. Por tanto la conversión a byn debemos hacerla priorizando el aspecto esencial de la foto y utilizando posteriormente las máscaras de capa y haciendo retoques selectivos o por zonas.
RETOQUES POSTERIORES :
A.- Una herramienta muy útil en el byn es “sombras e iluminaciones”. La calidad de un trabajo en byn (entre otros aspectos) se aprecia en el nivel de detalle en las sombras. La herramienta “sombras e iluminaciones” nos permite obtener detalle en las zonas más oscuras , pero hay que manejarla con moderación porque si levantamos con exceso la luz el efecto que produce puede ser muy irreal y poco (o nada) estético.
Actuando sobre las sombras conseguimos una iluminación natural sin variar las iluminaciones. Si en algún caso éstas se vieran implicadas negativamente recurriremos nuevamente a las máscaras de capa.
B.- Cuando el efecto de sobreexposición o subexposición quiera aplicarse a zonas mas o menos extensas de una foto puede utilizarse el modo máscara rápida para hacer las selecciones y después pintar con pinceles suaves (herramientas de sobre y subexponer especificas) y exposiciones bajas (en torno al 7 al 12 % debería ser suficiente)
C.- Un método que a menudo se utiliza para enfatizar sombras e iluminaciones y para añadir dramatismo a la escena es la llamada Capa de Grises. Consiste en crear una capa nueva con color gris neutro y pintar con blanco o negro sobre dicha capa. Lo haremos del siguiente modo: CAPA -> NUEVA -> CAPA… . Se abrirá un cuadro de diálogo que configuraremos tal y como muestra la imagen.
Seleccionando Modo Superponer y la casilla “Rellenar de un color…”. Hacemos OK y con un pincel suave, seleccionando como color frontal el negro y exposiciones bajas (del 15% o menor) podemos dramatizar zonas oscuras de la imagen o por el contrario, con un color frontal blanco, iluminar zonas claras para remarcar contrastes. Esta técnica es tremendamente efectiva pero también hay que saber que es una técnica “destructiva” .
D.- VIRADOS, “colorear” suavemente las imágenes en color es un procedimiento utilizado desde prácticamente el principio de la fotografía. Los virados al selenio, cianotipo, paladio o el conocido sepia son prácticas habituales en fotografía y procedimientos muy sencillos de realizar en PS. Tan fácil como mover los cursores en capas de “equilibrio de color” o “mezclador de canales”. Hay publicaciones en las que ya se establecen los valores exactos para cada tipo de virado.
Dentro de los virados también existe la posibilidad de la aplicación de “duotonos” , “tritonos” o “cuadritonos” (una vez con la imagen en escala de grises elegimos IMAGEN -> MODO -> DUOTONOS. En el cuadro de diálogo pinchamos sobre el color negro y se despliega la paleta de color en la que elegiremos los diversos tonos para cada punto de la curva.
1º En la paleta de canales pinchamos sobre el más contrastado apretando al mismo tiempo la tecla Ctrl. Por sistema puede utilizarse el azul pues da buen resultado.2º Volvemos a la imagen y vemos que sale una selección de las zonas mas claras. Ahora tendremos que invertir la selección (selección à invertir). Esto se hace así porque los virados siempre son mas intensos en las zonas mas oscuras.3º Vamos a capas y hacemos CAPA -> NUEVA CAPA DE RELLENO -> COLOR UNIFORME y elegimos el tono deseado (uno de los favoritos de SAURI es R 166 G 74 B 0). Pues bien al crear la capa verás que la selección que tienes hecha se convierte en una selección en la máscara de la capa de ajuste.4º Pones el modo de fusión de la capa de ajuste de color uniforme en multiplicar. MUY IMPORTANTE. Entonces verás que queda un virado muy intenso.5º Para graduar el virado pinchas encima de la máscara de capa de la capa de ajuste y vas al menú imagen-ajuste-niveles y con el tirador del centro hacia la izquierda verás que disminuye la intensidad del virado y lo dejas al gusto.
LA UTILIZACIÓN DE LAS MÁSCARAS DE CAPA
Las máscaras de capa constituyen un recurso muy potente a la hora de realizar un determinado tratamiento. Básicamente la máscara de capa podemos definir la como la zona de exclusión de una determinada capa, por eso siempre van acompañando a éstas. Photoshop almacena estas máscaras a través de canales. Cuando creamos una máscara de capa y la tenemos seleccionada podemos verla en la paleta de canales.Las máscaras al comportarse como canales son perfectamente editables y su profundidad de bits será equivalente a la profundidad de bits del archivo con el cual trabajamos ( si nuestro archivo tiene una profundidad de 16 bits/canal nuestra máscara tendrá 16 bits de profundidad para ser editado) . Aquí precisamente reside la potencia de la máscara, podemos hacer que una capa se aplique en las zonas que no excluye la máscara .
La creación de una máscara de capa puede hacerse de varias formas. Una forma rápida y sencilla de crear una es a través de una selección. Para ello podemos valernos de cualquiera de las herramientas de selección con las que cuenta Photoshop, podemos usar el lazo, la varita, el comando gama de colores etc… y seleccionar la zona que queremos tratar.
Una vez realizada la selección podemos crear la máscara a través de la herramienta “máscara rápida”
localizada en la barra de herramientas del programa, de esta manera entramos en modo máscara y veremos que la imagen se oculta tras un velo de color (por defecto rojo) definida por la selección que hicimos anteriormente.
Es en este momento cuando la máscara rápida se vuelve “editable” todas los ajustes que hagamos en este momento se los haremos a la máscara y no a la imagen que está detrás.
Un recurso muy utilizado es usar un suavizado de esa máscara con un desenfoque gaussiano. Con esto evitamos que la capa que controla esa máscara se aplique de un modo suave y sin cortes o perfiles pronunciados. Una vez definida la máscara salimos de modo “máscara rápida” y volvemos al modo selección. A partir de aquí podemos crear una capa de ajuste, o copiar parte de una capa a través de esta selección.
Otra manera de crear una máscara de capa es a través del botón “crear máscara de capa” ubicado en la paleta de capas. Con ello creamos una máscara vacía que se adosa a la capa que hayamos seleccionado previamente. A partir de aquí podemos definir el área de mascara pintando o editándo sobre ella. Recordemos que podemos editarla en escala de grises siendo el blanco la zona de máscara nula y el negro puro la zona de máscara total.
El recurso de máscara de capa al igual que para otros tratamientos y efectos es también interesante para la conversión a blanco y negro o virados digitales. Pudiendo de esta manera definir en qué áreas de la imagen nos interesa aplicar un determinado tratamiento.
PROCEDIMIENTOS O EFECTOS ESPECIALESUna vez realizada la conversión o virado con el método o técnica que hayamos utilizado, es posible rizar un poco más el rizo añadiendo algún efecto creativo a nuestra imagen. A veces algunos fotógrafos emulan películas o emulsiones antiguas añadiendo “errores” o “defectos” tales como arañazos, texturas de papel, desvanecimiento, viñeteos, grano de película etc. Este recurso utilizado en algunas imágenes ayudan a embellecer la obra final, dando un toque especial o emotivo a nuestra composición. No es complicado realizarlos en Photoshop, vemos algunos ejemplos.
AÑADIENDO UNA TEXTURA
Para el siguiente ejemplo, existen varias formas de hacerlo, pero lo mejor y más sencillo es contar con la imagen de una textura. Puede servir una textura de papel rugoso, de alguna superficie irregular o arañada etc. Cuanto más grande sea esta imagen, mejor calidad nos dará el efecto que vamos a realizar. Abrimos la textura en photoshop y nos vamos a la paleta de capas, veremos que por defecto nos aparece una única capa llamada “Fondo”, simplemente pinchamos y arrastramos dicha capa y la llevamos al documento de destino (los dos documentos deben estar en modo ventana). Automáticamente, se posicionará la nueva capa (la textura) sobre la capa fondo de nuestra foto. Veremos que la textura tapa por completo la capa inferior ya que el modo de fusión de capa esta por defecto en modo “normal”, pues bien, debemos cambiar este modo de fusión por “luz suave” o “superponer”. Igualmente se pueden obtener interesantes resultados jugando con el modo de fusión de capas.
Hay que tener en cuenta que si nuestra imagen es monocromática y la textura tiene información de color, ésta dominancia de tonos influirá en la imagen de fondo, por lo que lo más aconsejable es desaturar la texturas desde el menú “imagen -> ajustes -> desaturar o bien imagen -> ajustes ->tono saturación”, también es posible variar el aspecto o influencia de la textura ajustando los “niveles” o “curvas” de esta capa desde el menú “imagen -> ajustes -> niveles o curvas”.
Igualmente y aplicando las explicaciones sobre la edición de máscaras de capa, podremos aislar ciertas zonas de influencia de la capa textura editando la máscara de ésta capa con un simple pincel de color negro a una opacidad de un 60% aproximadamente.
AÑADIENDO GRANO DE PELÍCULA
Algo que hoy consideramos un defecto, y nos obstinamos en reducir a toda costa, puede constituir un elemento realmente bello en una imagen, me refiero al grano o llamado ahora en el mundo digital “el ruido”. En ocasiones este grano puede ofrecer un cierto sabor nostálgico a nuestras fotos si se hace con gusto y sobre todo en imágenes en blanco y negro. Aunque existen multitud de plugins de terceros que emulan este grano digitalmente, es relativamente sencillo crear una capa de grano digital con photoshop. Para ello lo más sencillo es duplicar la capa de fondo (CTRL+J) y después ir al menú “filtro ->ruido -> añadir ruido”. Activamos la casilla “monocromático” y elegimos como generador de ruido el método de distribución “gaussiano”. Una cantidad de 5-9 % (según los casos) puede ser suficiente para emular un grano normal de una película de 400 ASA.Al haber hecho este filtro en una capa duplicada podemos jugar con la potencia de este efecto en el aspecto final subiendo o bajando la opacidad de capa, una opacidad de 85% aproximadamente puede bien.
VIÑETEOS
Un efecto de viñeteo o “viñeta” consiste en un oscurecimiento o aclaramiento gradual desde los bordes del cuadro de la foto hacia el interior. Normalmente este “defecto” sobre todo el del oscurecimiento es común encontrarlo en algunos objetivos que no “llenan” con toda la intensidad y de forma homogénea la totalidad de la película o el sensor. Pero como en el caso anterior, lo que en principio nació como un defecto puede convertirse en una mejora. Muy frecuentemente se añaden viñeteos a las fotos para intensificar un determinado motivo, la viñeta nos lleva directamente hacia él, o quizá simplemente para darle un toque más dramático. Un viñeteo también pueden conseguirse con plugins de terceros y en mi opinión de una manera más conseguida. Pero si no disponemos de ellos también pueden crearse con photoshop.Podemos partir de una selección hecha a mano alzada con la herramienta lazo, o más fácil aún… utilizando la herramienta de selección “marco elíptico”.De esta manera seleccionaremos la zona que quedará más iluminada en nuestra foto.
Una vez creada la selección entraremos en modo de “máscara rápida" a la que aplicaremos un desenfoque gaussiano para suavizar la viñeta (normalmente unos valores altos dependiendo del tamaño de nuestra foto). Una vez suavizada la máscara salimos de modo “máscara rápida” y seguidamente invertimos la selección, menú selección -> invertir”.
Ya tenemos todo listo para aplicar el efecto. Lo mejor es crear una capa de ajuste de exposición, (aunque se puede igualmente conseguir con un ajuste de niveles si no tenernos el ajuste de exposición) y bajamos el control de exposición hasta encontrar el nivel de viñeteo que nos guste.
PLUG-INS
Solo mencionar que entre los plugins mas conocidos de conversión automática, hemos destacado tres:
Silver Efect Pro de NIK software: muy sencillo de utilizar, con ajustes básicos de brillo, contraste y estructura, filtros de diversos colores y otras opciones ya preestablecidas.
Alien Skin Exposure, capaz de convertir con modos predeterminados a byn según efectos de diferentes películas de foto química.
One1 PhotoTools2, una interesante herramienta repleta de efectos para mejorar cualquier tipo de fotografía, y cómo no con una gran variedad de recursos para la conversión a blanco y negro, dispone de visualización en tiempo real, multitud de efectos de grano, viñeteo etc… emula una amplia variedad de películas y mucho más
Elementos para Añadir Interés a tus Fotos en Blanco y Negro
La fotografía en blanco y negro es una disciplina fascinante, que no obstante entraña una dificultad a la hora de trabajarla, y es visualizar en nuestra mente el resultado final de nuestras fotos en blanco y negro cuando a través de nuestros ojos vemos un mundo en color. En ese ejercicio de abstracción podemos identificar elementos que sin duda nos ayudarán a dar más interés a nuestras fotos en blanco y negro. ¿Quieres saber cuáles son? En este artículo te hablo de 6 de ellos.
TexturasLas texturas son uno de esos motivos que siempre nos parece que funcionan mejor en blanco y negro.Probablemente el motivo sea que una textura en si misma transmite sensaciones relacionadas con el tacto, no con la vista, y el tacto no entiende de colores.Podemos encontrar muchas más texturas a nuestro alrededor de las que podamos pensar en un principio. Motivos como la arena, la tierra, el asfalto, la corteza de un árbol, una pared… y todas son un buen elemento para fotografiar en blanco y negro.
LíneasLas líneas son un recurso compositivo formidable en fotografía.Transmiten muchas sensaciones diferentes en función de si son horizontales, verticales o diagonales, y resultan de mucha ayuda a la hora de dirigir el ojo de quién contempla nuestra fotografía, convirtiéndose en un aliado impagable a la hora de hacer fotos.Y en blanco y negro, con la ausencia del color, podemos quedarnos con la esencia de esas líneas, potenciando aún más si cabe el efecto que producen
FormasDe forma parecida a como ocurre con las líneas o con las texturas, el uso de las formas y la repetición de éstas en forma de patrones simplifica la composición de las fotografías con la ausencia de color.El uso de curvas, la aparición de bordes, el contraste de luces y sombras en las formas, el posible encuadre que podamos realizar, aportan a la hora de componer en aquellas fotos en blanco y negro en el que la mera representación de determinadas formas se convierte en el centro de atención de nuestra foto
ContrasteEn ausencia de color, el contraste tonal se limita a un contraste entre luces y sombras, entre zonas más claras y más oscuras en las fotos.Al igual que las líneas, los elementos más claros y más oscuros en una fotografía cuentan a la hora de dirigir la atención.Y las fotografías con más contraste tonal entre sus elementos suelen tender a llamar más la atención en su conjunto global.Por ello, si quieres conseguir mejores resultados en tus fotos en blanco y negro, prueba a utilizar el contraste tonal como reclamo.
SombrasProbablemente porque las sombras son elementos que carecen de color en sí mismas es el motivo por lo que funcionan tan bien en la fotografía en blanco y negro.La esencia de la sombra no tiene color, y su presencia en las fotografías en blanco y negro ayuda a enfatizar el dramatismo que por sí mismas trasladan a la fotografía.Así que ya sabes: la proyección de una sombra puede ser un elemento fantástico para fotografiar en blanco y negro.
SiluetasUna silueta es un ejemplo perfecto de simplicidad plástica en el que convertimos un objeto en una simple figura a la que privamos de color y volumen, entendiendo por volumen la sensación tridimensional que transmite esa misma figura en otras condiciones de luz.Y tras ese proceso de simplicidad en el que se pierde el color, las siluetas transmiten toda su fuerza en las fotografías en blanco y negro.Sin duda otro elemento de lo más interesante a tener en cuenta a la hora de componer.Si estás interesado en la fotografía de siluetas, en este otro artículo una serie de consejos para fotografiar siluetas.
