P r e z y d e n t M i a s t a K r a k o w a z a p r a s z a

3. MIĘDZYNARODOWY FESTIWAL TEATRU FORMY21–28.02.2015, Kraków

Biegunykultury

w w w.gr o t eska .p lw w w.mat er iapr ima .p l

1

Szanowni Państwo,zapraszamy do udziału w MATERIA PRIMA. 3. MIĘDZYNARODOWYM FESTIWALU TEATRU FORMY. BIEGUNY KULTURY – wydarzeniu unikalnym na skalę światową. Proponujemy starannie wyselekcjonowane spektakle w wykonaniu dwunastu wybitnych teatrów z: Francji, Izraela, Niemiec, Norwegii, Rosji, Włoch i Polski – przed-stawienia atrakcyjne, malownicze, widowiskowe. W ramach Festiwalu wystąpią światowej sławy teatry, obecne na najbardziej prestiżowych festiwalach, laureaci znaczących nagród. Większość z nich zagości w Polsce po raz pierwszy.

Twórcy przedstawień TEATRU FORMY posługują się wyjątkowym językiem pozawerbalnej komunikacji – za-praszają do spotkania z pierwotną esencją teatru: bogatą warstwą plastyczną, muzyczną i ruchową spektakli. TEATR FORMY to bowiem teatr totalny, łączący szeroki wachlarz sztuk: teatr maski, lalek, przedmiotów, cieni, nowy cyrk, teatr ruchu, tańca, teatr plastyczny, performans, a MATERIA PRIMA oferuje „wybuchową mieszankę” wszystkich tych gatunków i form.

Mamy nadzieję, że prezentowane podczas Festiwalu spektakle uruchomią najgłębsze pokłady emocji, wzruszeń i niczym nie skrępowanej wyobraźni, a ich otwarta struktura oraz wielość metafor i symboli pozwoli na wolność interpretacji.

Jak zwykle nie stronimy od eksperymentu i twórczych poszukiwań – teatr Anny Peschke i twórczy tandem Antje Töpfer & Florian Feisel odkryją wielopłaszczyznowy, surrealistyczny, a przy tym wyrafinowany estetycznie świat teatru formy. Zaprezentujemy też twórczość wybitnych choreografów. Emiliano Pellisari i jego NoGravity Dance Company przedstawią własną interpretację Boskiej Komedii, prezentując zjawiskowy i z pozoru niemożliwy po-wietrzny taniec – będzie to niewątpliwie wydarzenie festiwalu. Po raz pierwszy w Polsce wystąpi znany na całym świecie teatr Carte Blanche. Norweski Narodowy Zespół Tańca Współczesnego w choreografii hiszpańskiego twórcy Marcos’a Morau. Zobaczą też Państwo autorskie przedstawienie ekspresyjnej choreografki Caroline Finn oraz jak w produkcji Teatru Groteska teatr plastyczny łączy się z teatrem tańca. Z siłami grawitacji walczyć będą dwa francuskie teatry, przedstawiciele teatru wizualnego, fizycznego: Compagnie 111 – Aurélien Bory i nowego cyrku: Compagnie L’Immédiat. Do wiecznie żywej tradycji teatru lalek i cieni nawiążą spektakle: Compagnie La Pendue, Teatru “Teremok” oraz izraelskich artystów Yaniv’a Shentser’a i Meirav Ben David. I wreszcie Compagnie Philippe Genty – gwiazda Materii Primy 2010 triumfalnie powróci do Krakowa, by zaprezentować plastyczne wizje z pogranicza snów.

Zapraszamy też Państwa do udziału w licznych wydarzeniach towarzyszących Festiwalowi, które przybliżą szerzej zagadnienia Teatru Formy: spotkaniach z artystami, konferencjach, dyskusjach, pokazach filmów, wystawie.

MATERIA PRIMA to w kategoriach alchemicznych surowiec, z którego powstaje CZYSTE ZŁOTO, a w kategoriach teatralnych substancja, z której powstaje CZYSTE PIĘKNO. Obie są metaforą, poszukiwaniem – synonimem wiecznego dążenia człowieka ku doskonałości. POSZUKAJMY RAZEM PIĘKNA W TEATRZE!

Zapraszamy serdecznie!

Adolf Weltschek / Dyrektor FestiwaluZuzanna Głowacka / Kierownik Programowy Festiwalu

w w w.mat er iapr ima .p l

MATERIA PRIMA: PLASTYKA – MAGIA – METAFIZYKAZAWSZE W DOBREJ FORMIE!

32

Teatr Groteska znany jest dziś powszechnie nie tyko ze znakomitych spektakli, wspaniałych lalek i niezwy-kłych eksperymentów scenicznych, ale też z wyjąt-kowych przedsięwzięć artystycznych, wśród których na pierwszym miejscu wymienić trzeba Festiwal Materia Prima.

Organizowany w dwuletnim cyklu Międzynarodowy Festiwal Teatru Formy przyciąga do Krakowa najcie-kawszych twórców z różnych stron świata i utrwala dobre tradycje miasta jako centrum niezależnej, po-szukującej sztuki, obszaru wolnego ducha.

Cieszę się, że w jubileuszowym roku 100-lecia urodzin Tadeusza Kantora będziemy gościć w Krakowie czoło-wych przedstawicieli teatru formy.

Serdecznie zapraszam Państwa do udziału w  tym niezwykłym wydarzeniu oraz towarzyszących mu przeglądach, dyskusjach i konferencjach naukowych. Zapraszam na poruszające wyobraźnię spotkanie z najwybitniejszymi twórcami współczesnej sceny plastycznej.

Today the Groteska Theatre is generally known not only from its excellent performances, fine puppets and unusual stage experiments, but also from its unique artistic projects, among which the Materia Prima Fe-stival should be mentioned on the first place.

The bi-annual International Festival of the Form Theatre attracts the most interesting artists from all over the world to Kraków, contributing to the city’s good tradition as a centre for independent, experimental art and of the free spirit.

I am pleased that on the year of the 100th anniversary of Tadeusz Kantor’s birth we will host the leading re-presentatives of the theatre of form in Kraków.

I cordially invite you to take part in this unique event and the accompanying reviews, discussions and con-ferences. I invite you to the meeting with the most out-standing artists of contemporary visual stage, which will stimulate your imagination.

Jacek MajchrowskiPrezydent Miasta Krakowa

/ Mayor of the City of Kraków

Ladies and Gentlemen,We invite you to the next edition of the MATERIA PRIMA. 3RD INTERNATIONAL FESTIVAL OF THE FORM THEATRE.CULTURAL POLES – a unique event worldwide. We offer carefully selected shows presented by twelve eminent theatres from: France, Israel, Germany, Norway, Russia, Italy and Poland. The shows are attractive, picturesque and spectacular. The theatres attending the Festival are world-famous, they mark their presence at the most prestigious festivals, and are winners of important awards. Most of them will appear in Poland for the first time.

The authors of the FORM THEATRE make use of the exceptional language of extraverbal communication and issue an invitation to a meeting with the very essence of theatre: the rich artwork, musical and movement layers of the shows. The FORM THEATRE is a total theatre, combining a wide spectrum of arts, such as mask theatre, puppet theatre, theatre of objects, shadow theatre, new circus, movement theatre, dance theatre, visual theatre, and performance, while the MATERIA PRIMA offers an “explosive mix” of all these genres and forms.

We hope that the shows presented during the Festival stir the deepest layers of your emotions and of the unimpeded imagination, and that their open structure and multitude of metaphors and symbols enhances the freedom of interpretation.

As usual, we do not avoid experiments and a creative search. Anna Peschke’s theatre and the creative Antje Töpfer & Florian Feisel duo will reveal to you a multi-plane, surreal, and at the same time aesthetically refined world of the form theatre. We will also present the work of eminent choreographers. Emiliano Pellisari and his NoGravity Dance Company will present their own interpretation of The Divine Comedy, showing a phenomenal and apparently impossible aerial dance, which is bound to be quite an event at the festival. The world-famous Carte Blanche. The Norwegian National Company of Contemporary Dance will perform in Poland for the first time, presenting the choreography of a Spanish artist, Marcos Morau. You will also see author’s own show of an expressive choreographer, Caroline Finn, and you will be able to notice how in the Teatr Groteska’s production the visual theatre is combined with the dance theatre. The forces of gravity will be challenged by two French theatres, the representatives of visual and physical theatre: Compagnie 111 – Aurélien Bory and the new circus, Compagnie L’Immédiat. The eternal puppet theatre and shadow theatre tradition will be referred to in the shows of: Compagnie La Pendue, the “Teremok” Theatre and the show of two Israeli artists, Yaniv Shentser and Meirav Ben David. Eventually, Compagnie Philippe Genty – the star of Materia Prima 2010 – shall make a triumphal return to Kraków, in order to present the visions from the borderland of dreams.

We also invite you to take part in the numerous accompanying events of the Festival, which will more extensively present the Form Theatre issues: meetings with artists, conferences, discussions, film shows, and an exhibition.

MATERIA PRIMA, according to alchemical terms, is a starting material from which PURE GOLD is generated, while according to theatrical terms it is a substance from which PURE BEAUTY emerges. Both of them constitute a metaphor and a search – a synonym of man’s eternal aspiring for perfection. LET US TOGETHER LOOK FOR BEAUTY IN THE THEATRE!

Please accept our kind invitation!

Adolf Weltschek / Festival DirectorZuzanna Głowacka / Festival Programme Director

MATERIA PRIMA: VISUAL ART – MAGIC – METAPHYSICSALWAYS IN A GOOD FORM!

54

2102SO/SAT

18:00 Anna Peschke(Niemcy/Germany)OGRÓD ELZY / ILSA’S GARDEN  TEATRGROTESKA–SALAKOPUŁOWA

20:30 OtwarcieFestiwalu/FestivalOpening Carte Blanche. The Norwegian National Company of Contemporary

Dance (Norwegia/Norway)EDVARD  MAŁOPOLSKIOGRÓDSZTUKI20:30 NoGravity Dance Company(Włochy/Italy)BOSKA KOMEDIA:

Z PIEKŁA DO NIEBA / DIVINE COMEDY: FROM HELL TO PARADISE  NOWOHUCKIECENTRUMKULTURY

+ Spotkaniez artystami–poprzedstawieniu/A meetingwiththeartistsaftertheshow

2202N/SUN

18:00 Anna Peschke(Niemcy/Germany)OGRÓD ELZY / ILSA’S GARDEN TEATRGROTESKA–SALAKOPUŁOWA

20:30 Carte Blanche. The Norwegian National Company of Contemporary Dance (Norwegia/Norway)EDVARD MAŁOPOLSKIOGRÓDSZTUKI

+ Spotkaniez artystami–poprzedstawieniu/A meetingwiththeartistsaftertheshow

20:30 NoGravity Dance Company(Włochy/Italy)BOSKA KOMEDIA: Z PIEKŁA DO NIEBA / DIVINE COMEDY: FROM HELL TO PARADISE  NOWOHUCKIECENTRUMKULTURY

2302PN/MON

9.00–17:30 Sesjanaukowa/Academicsession:Teatr formy w twórczości Tadeusza Kantora, Józefa Szajny i Jerzego Grotowskiego / Form Theatre in the Work of Tadeusz Kantor, Józef Szajna and Jerzy Grotowski  TEATRGROTESKA–KAWIARNIA

18:00 Antje Töpfer & Florian Feisel (Niemcy/Germany)PANDORA FREQUENZ (CZĘSTOTLIWOŚĆ PANDORY) / PANDORA FREQUENZ (PANDORA FREQUENCY)  TEATRGROTESKA–SALAKOPUŁOWA

20:30 Teatr Groteska(Polska/Poland)PRZEMIANY / METAMORPHOSES  TEATRGROTESKA–SALATEATRALNA

2402WT/TUE

18:00 Antje Töpfer & Florian Feisel(Niemcy/Germany)PANDORA FREQUENZ (CZĘSTOTLIWOŚĆ PANDORY) / PANDORA FREQUENZ (PANDORA FREQUENCY)  TEATRGROTESKA–SALAKOPUŁOWA

20:30 Teatr Groteska(Polska/Poland)PRZEMIANY / METAMORPHOSES  TEATRGROTESKA–SALATEATRALNA

2502

ŚR/WE

18:00 Compagnie La Pendue (Francja/France)POLI DÉGAINE (POLISZYNEL) / POLI DÉGAINE (POLICHINELLE)  TEATRGROTESKA–SALAKOPUŁOWA

20:30 Compagnie L’Immédiat(Francja/France)L’IMMÉDIAT (TU I TERAZ) / L’IMMÉDIAT (HERE AND NOW)  MAŁOPOLSKIOGRÓDSZTUKI

+ Spotkaniez artystami–poprzedstawieniu/A meetingwiththeartistsaftertheshow

20:30 Caroline Finn(Niemcy/Germany)ONI / THEM  TEATRGROTESKA–SALATEATRALNA

2602CZ/THU

10:00–12:00Konferencjai dyskusja/Conferenceanddiscussion:Teatr formy. Paradygmat – próba definicji / Form Theatre. Paradigm – Attempt at Definition TEATRGROTESKA–KAWIARNIA

18:00 Compagnie La Pendue (Francja/France)POLI DÉGAINE (POLISZYNEL) / POLI DÉGAINE (POLICHINELLE)  TEATRGROTESKA–SALAKOPUŁOWA

20:30 Compagnie L’Immédiat (Francja/France)L’IMMÉDIAT (TU I TERAZ) / L’IMMÉDIAT (HERE AND NOW)  MAŁOPOLSKIOGRÓDSZTUKI

20:30 Caroline Finn(Niemcy/Germany)ONI / THEM  TEATRGROTESKA–SALATEATRALNA

2702

PT/FRI

18:00 Yaniv Shentser & Meirav Ben David(Izrael/Israel)MEMBRANA / MEMBRANE  TEATRGROTESKA–SALAKOPUŁOWA

18:00 Compagnie 111 – Aurélien Bory (Francja/France) PLAN B. AURÉLIEN BORY / PHIL SOLTANOFF  STUDIOTELEWIZYJNES3W ŁĘGU,OŚRODEKTELEWIZJIKRAKÓW

20:30 Vologda Regional Puppet Theatre “Teremok” (Rosja/Russia)CARMEN  TEATRGROTESKA–SALATEATRALNA

20:30 Compagnie Philippe Genty (Francja/France)NIE ZAPOMNIJ MNIE / FORGET ME NOTWewspółpracyz/Inco-operationwith:HINT Acting & Theatre Department at Nord-Trøndelag University College(Norwegia/Norway)  TEATRLUDOWY

+ Spotkaniez artystami–poprzedstawieniu/A meetingwiththeartistsaftertheshow

2802SO/SAT

18:00 Yaniv Shentser & Meirav Ben David(Izrael/Israel)MEMBRANA / MEMBRANE  TEATRGROTESKA–SALAKOPUŁOWA

18:00 Compagnie 111 – Aurélien Bory (Francja/France) PLAN B. AURÉLIEN BORY / PHIL SOLTANOFF  STUDIOTELEWIZYJNES3W ŁĘGU,OŚRODEKTELEWIZJIKRAKÓW

20:30 Vologda Regional Puppet Theatre “Teremok” (Rosja/Russia)CARMEN  TEATRGROTESKA–SALATEATRALNA

20:30 Compagnie Philippe Genty (Francja/France)NIE ZAPOMNIJ MNIE / FORGET ME NOTWewspółpracyz/Inco-operationwith:HINT Acting & Theatre Department at Nord-Trøndelag University College(Norwegia/Norway)  TEATRLUDOWY

PROGRAM FESTIWALU / FESTIVAL PROGRAMME

76

ILSA’S GARDEN The unscrupulous female doctor at the concentration camp or the woman SS officer has long haunted the shallow areas of pop culture. Somewhere in between a sex symbol and a monster, between sadomasochistic fantasies and the personification of unimaginable cruelty, a phe-nomenon present in gutter fiction, B-movies, as well as in avant-garde art. Its eponymous character Ilsa – the protagonist of films directed by Don Edmonds (e.g. Ilsa – She Wolf of the SS from 1975) – is an iconic character of Nazi-exploitation movies, i.e. low-budget produc-tions dealing with base human instincts: violence, vulgarity and cruelty. Ilsa also symbolizes the brutal reality of the Second World War, the role of women in the world of violence, the aesthetisation of cruelty and relations between Nazism and erotica.

Anna Peschke – a German performer and visual artist – impersonates the title character Ilsa, showing the entire complexity of her character. She manages to recreate collective images of the icon of the Nazi era and of the pop culture era and to render the psychological complexity of the female doctor at the concentration camp. The performance is in the convention of cabaret, the visual theatre and the theatre of objects (Ilsa’s “patients” are represented as women’s mannequins and wigs). Anna Peschke creates a deeply moving and challenging performance, which is at the same time artistically mature. Its sophisticated aesthetic expression and lyrical, live songs are in contrast with the blood curdling cruelty of the story.

Aesthetisation of cruelty – unanswered questions about the dark side of human nature. Performance for adult audience only!

Anna Peschke (Niemcy/Germany)

OGRÓD ELZY REŻYSERIA/STAGE DIRECTION: ANNA PESCHKE; MUZYKA/MUSIC: CHRISTOPH WIRTH; DRAMATURGIA/DRAMATURGY: JAN DECK; ASYSTENT REŻYSERA/STAGE DIRECTOR ASSISTANT: ASTRID DOBRUNZ; REŻYSERIA ŚWIATŁA/LIGHT DESIGN: UWE LEHR; KOSTIUMY/COSTUMES: RUDI SCHARFF; WYSTĘPUJE/CAST: ANNA PESCHKE

WSPARCIE/SUPPORT: KULTURAMT DER STADT MANNHEIM; LANDESVERBAND FREIER THEATER BADEN-WÜRTTEMBERG; MINISTERIUM FÜR WISSENSCHAFT, FORSCHUNG UND KUNST DES LANDES BADEN-WÜRTTEMBERG, KULTURAMT DER STADT FRANKFURT; HESSISCHES MINISTERIUM FÜR WISSENSCHAFT UND KUNST

Postać pozbawionej skrupułów kobiety-lekarza w obozie koncentracyjnym czy też kobiety-oficera SS od dawna nawiedza płytkie obszary popkultury. Pomiędzy symbolem seksu a potworem, pomiędzy sadomasochistycznymi fantazjami a ucieleśnieniem niewyobrażalnej przemocy jest ona swoistym fenomenem, który funkcjonuje zarówno w powieściach brukowych, filmach kina klasy B, jak i w sztuce awangardowej. Tytułowa Elza – protagonistka filmów w reżyserii Don Edmondsa (m.in. Elza - Wilczyca z SS z 1975 roku) – to ikona filmów gatunku nazi-eksploatacja czyli niskobudżetowych produkcji bazujących na najniższych ludzkich instynktach: przemocy, wulgarności, okrucieństwie. Elza jest także symbolem brutalnej rze-czywistości czasów II wojny światowej, roli kobiet w świecie przemocy, estetyzacji okrucieństwa oraz związków pomiędzy faszyzmem i erotyką.

Anna Peschke – niemiecka artystka działająca w obszarze sztuk perfor-matywnych i wizualnych – wciela się w tytułową Elzę, pokazując całą złożoność kreowanej przez siebie postaci. Udaje się jej jednocześnie przywołać zbiorowe wyobrażenia na temat ikony czasów nazizmu i cza-sów popkultury oraz pokazać psychologicznie skomplikowane oblicze kobiety-doktora w obozie koncentracyjnym. Przedstawienie zrealizowane zostało w konwencji kabaretu, a także w stylistyce teatru plastycznego i teatru przedmiotu („pacjentki” Elzy odgrywają m.in. kobiece manekiny i peruki). Anna Peschke stworzyła spektakl przejmujący i odważny, a zarazem dojrzały artystycznie. Wyszukana estetyka oraz liryczne, wykonywane na żywo songi kontrastują tu z mrożącym krew w żyłach okrucieństwem.

Estetyzacja okrucieństwa – pytania o mroczną naturę człowieka, na które próżno szukać odpowiedzi. Spektakl tylko dla widzów dorosłych!

„Tenspektakl(…)w żadnymmomencienieześlizgujesięw tanieefekciarstwo.Słówtuniewiele.Jeślisiępojawiają,to w tekstachbanalnychstarychkabaretowychpioseneko miłości(…).Przezresztęczasunasceniepanujemilczenie.AnnaPeschkeniemusiobjaśniać,kimakuratjestjejprzechodzącaciągłetransformacjekobieta-nazistka.Wystarczy,żegra.Jestsadystką,wampem,zwykłądziewczyną.Ktoniebył,niechżałuje.”

Iwona Sobczyk, Tak smakuje swastyka,

„Gazeta Wyborcza Katowice”

60min KaiKrem

ser

KaiKrem

ser

M

arcusStiglegger

98

EDVARDThe performance is inspired by the life and work of Edvard Munch. The Spanish choreographer Marcos Morau investigates into the mind of the Norwegian painter. In his early childhood, Munch experienced his mother’s and sister’s deaths from tuberculosis. Later, for many years, he was grappling with a nervous breakdown and alcoholism. Marcos Morau wonders how those experiences shaped Munch as a man and as an artist. He is par-ticularly interested in the relationship between discipline in creation and illness. Morau builds various worlds on the stage, showing the everyday reality from a surrealistic perspective. Between the concrete and the abstract; playing with contrasts strengthens this effect even more.

Marcos Morau’s choreographies are created at the intersection of various forms of stage expression, drawing much from classical dance as well as film, theatre and literature as an important sources of inspiration. The artist creates in close cooperation with dancers, which gives rise to an extraordinarily expressive and dynamic dance. Together with the La Veronal dance company, Morau worked out a characteristic movement language, which makes his style recognisable worldwide.

Carte Blanche.The Norwegian National Company of Contemporary Dance has been active for more than 25 years and is unquestionably one of the best dance theatres in the world. The company has an international crew of 12-14 dancers, known for their distinguished stage presence and strong physical movement technique. Carte Blanche cooperates with eminent choreographers from Norway and abroad, particularly with artists who take a critical view of society and express this through dance.

Carte Blanche – one of the most eminent dance theatres – for the first time in Poland!

Carte Blanche. The Norwegian National Company of Contemporary Dance (Norwegia/Norway)

EDVARDREŻYSERIA/STAGE DIRECTION: MARCOS MORAU; ASYSTENT/ASSISTANT: LORENA NOGAL, INMA ASENSIO; DRAMATURG/DRAMATIST: PABLO GISBERT; DORADCA ARTYSTYCZNY/ARTISTIC ADVISOR: ROBERTO FRATINI; PROJEKT KOSTIUMÓW/COSTUME DESIGN: DAVID DELFÍN; MUZYKA/MUSIC: LUIS MIGUEL COBO; REŻYSERIA ŚWIATŁA/LIGHTING DESIGN: ALBERT FAURA; SCENOGRAFIA/SET DESIGN: ENRIC PLANAS; TANCERZE CARTE BLANCHE/DANCERS FROM CARTE BLANCHE: CAROLINE ECKLY, CHRISTINE KJELLBERG, JENNIFER DUBREUIL HOUTHEMANN, NÚRIA NAVARRA VILASALÓ, SARA ENRICH BERTRAN, OLE MARTIN MELAND, TIMOTHY BARTLETT, MATHIAS STOLTENBERG, HUGO MARMELADA; STAŻYŚCI/APPRENTICES: IDA HAUGEN, JACK LORENTZEN

KOPRODUKCJA/CO-PRODUCTION: LA VERONAL & TANZ BREMEN

Inspiracją do powstania tego przedstawienia były życie i twórczość Edvarda Muncha. Hiszpański choreograf Marcos Morau bada umysł norweskiego malarza. We wczesnym dzieciństwie Muncha na gruźlicę umierają jego matka i siostra, a on sam przez wiele lat zmaga się z załamaniem ner-wowym i alkoholizmem. Marcos Morau zastanawia się, w jaki sposób te doświadczenia ukształtowały Muncha jako człowieka i artystę. Interesuje go szczególnie relacja pomiędzy dyscypliną twórczą a chorobą. Morau buduje na scenie odmienne światy, pokazując codzienną rzeczywistość z sur-realistycznej perspektywy. Pomiędzy konkretem a abstrakcją – gra kontrastów dodatkowo wzmacnia ten efekt.

Choreografie Marcosa Morau powstają na skrzyżowaniu różnych form ekspresji scenicznej, przy czym artysta wiele czerpie z tańca klasycznego. Film, teatr i literatura stanowią tu ważne źródło inspiracji. Artysta tworzy w ścisłej współpracy z tancerzami, w wyniku czego rodzi się taniec niesłychanie wyrazisty i dynamiczny. Wraz z zespołem La Veronal, Morau wypracował charakterystyczny język ruchu, który czyni jego styl rozpoznawalnym na całym świecie. W 2013 roku Morau otrzymał Hiszpańską Narodową Nagrodę Taneczną, a ze swym zespołem La Veronal, w krótkim czasie zdobył sławę na tak znamienitych scenach jak m.in.: Théâtre National de Chaillot w Paryżu, Weneckie Biennale, Dansens Hus w Sztokholmie oraz Sadler’s Wells w Londynie.

Carte Blanche. Norweski Narodowy Zespół Tańca Współczesnego istnieje już ponad 25 lat i jest bez wątpienia jednym z najlepszych teatrów tańca na świecie. W skład zespołu wchodzi 12–14 tancerzy różnych narodowości, których wyróżnia wyrazista sceniczna osobowość i opanowana do perfekcji technika ruchu. Carte Blanche współpracuje z wybitnymi choreografami z Norwegii i świata, a szczególnie z artystami, którzy wnikliwie przyglądają się zagadnieniom społecznym i potrafią wyrazić je poprzez taniec.

Carte Blanche – jeden z najwybitniejszych teatrów tańca – po raz pierwszy w Polsce! Polska prapremiera tuż po światowej premierze w Studio Bergen w Norwegii 15 stycznia 2015 roku.

„CarteBlanche…totancerzetryskającyenergią”

"New York Times" (USA)

60min

CARTEBLAN

CHE|HelgeHansen

1110

DIVINE COMEDY: FROM HELL TO PARADISEWomen and men, mundane and divine, mortal and immortal – described by Dante in The Divine Comedy – they are not bodies, but minds, memories, visions, desires, and ideas – they are souls. And souls are weightless. This physical and poetic glance at the creatures from of The Divine Comedy constitutes a starting point for Emiliano Pellisari. The perfect control of the stage and the use of intricate mechanisms seemingly originating the Baroque theatre, make the dancers participating in the show float in the air. In a credible, almost realistic way they reconstruct Dante’s journey to the afterlife. The path leading from the Inferno (Hell) to Paradiso (Paradise) undergoes constant dematerialization. What seems obvious at first, soon appears to be less and less so. We are delighted with this feast for the eyes, for the heart and for the soul.

THE FESTIVAL'S TOP EVENT! An aerial dance performed by NoGravity Dance Company. When the impossible is becoming possible. For the first time in Poland!

NoGravity Dance Company (Włochy/Italy)

BOSKA KOMEDIA: Z PIEKŁA DO NIEBA KREACJA PRZEDSTAWIENIA/PERFORMANCE CREATED BY: EMILIANO PELLISARI; CHOREOGRAFIA/ CHOREOGRAPHY: EMILIANO PELLISARI, MARIANA PORCEDDU; SCENOGRAFIA, ŚWIATŁO/ SET, LIGHT DESIGN: EMILIANO PELLISARI; MUZYKA/MUSIC: JAN SEBASTIAN BACH, GIOACCHINO ROSSINI, JEAN SIBELIUS, IGOR STRAWIŃSKI, MEREDITH MONK, STEVE REICH; OPRACOWANIE MUZYCZNE/MUSICAL ARRANGMENT: EMILIANO PELLISARI STUDIO; GŁOSY Z OFF-U/VOICES FROM THE OFF: GIANNI BONAGURA, LAURA AMADEI, CARLA ORTENZI, MARION CHIRIS; TANCERZE/DANCERS: MARIANA PORCEDDU, ANTONELLA PERRAZZO, LUCIA ORRU, EVA CAMPANARO, ROCCO ASCIA, MIRKO MARIA SIMEONEW

Kobiety i mężczyźni, ziemscy i boscy, śmiertelni i nieśmiertelni – opi-sani przez Dantego w Boskiej Komedii – nie są ciałami, lecz umysłami, wspomnieniami, wizjami, pragnieniami, ideami – są duszami. A dusze są nieważkie. To fizyczne i poetyckie spojrzenie na istoty Boskiej Komedii stanowi punkt wyjścia dla Emiliano Pellisari’ego. Perfekcyjne opanowanie sceny i zastosowanie skomplikowanych mechanizmów rodem z teatru barokowego sprawia, że występujący w przedstawieniu tancerze unoszą się w powietrzu i potrafią w sposób wiarygodny, niemal realistyczny, odtworzyć na scenie podróż Dantego w zaświaty. Droga prowadząca z Inferno (Piekła) w kierunku Paradiso (Raju) ulega ciągłej dematerializacji. To, co wydaje się oczywistym z początku, coraz mniej takim się zdaje. Rozkoszujemy się tą ucztą dla oczu, serca i ducha.

Wydarzenie Festiwalu! Powietrzny taniec w wykonaniu NoGravity Dance Company. Gdy niemożliwe staje się możliwe. Po raz pierwszy w Polsce!

„Widowiskopodbijasercapublicznościniezwykłymi,pełnymimagiiefektami.Fantasmagorycznakaruzelaprzewracadogórynogamiładprzestrzennyi zapełniascenęwibrującymikształtami.”

„Corriere della Sera”

„Możetotylkosen,a możetopoprostujakieśtajemne,magiczne,uskrzydlonezaklęciesprawia,żeludzielatająnascenie.I tosamiz siebie.Poprostupozwalająstopomoderwaćsięodpodłogii zająćnowe,własnemiejscew powietrzu.”

„Il Giornale”

„Zadziwiającyspektakl-happening,dlawszystkichtych,którzyniecierpiąnazawrotygłowy.”

„Panorama”

75min

“Theshowwinstheheartsoftheaudiencewiththeunusualeffectsfullofthemagic.Thephantasmagoricalmerry-go-roundturnsthespatialorderupsidedownandfillsthestagewithvibrantshapes.”

“Corriere della Sera”

“Itmayjustbea dreamandmaybeitissomesecret,magic,inspiredspellthatmakespeopleflyonstage.Andtheydoitontheirown.Theysimplyallowtheirfeettoleavethefloorandtaketheirnew,ownplaceintheair.”

“Il Giornale”

“Anastonishingperformance-happening,foreverybodywhodoesnotsufferfromvertigo.”

“Panorama”

Em

ilianoPellisari

1312

PANDORA FREQUENZ (PANDORA FREQUENCY)A SCENIC COLLAGE OF THE HUMAN BODYPandora frequenz is an experimental show involving two bodies suspended in the space. The starting point for the artistic search was provided by the works of a German surrealist, Hans Bellmer, especially by his life-size puppet representing a girl. The puppet was composed of a number of segments. Bellemer repeatedly took the puppet into pieces and put it together, each time creating a new body. He documented his work with photographs. “The body is like a sentence which seems to invite us to divide it into letters in order to recreate anew, in endless sequences of anagrams, what it really contains.” – wrote Hans Bellmer, obsessed with the puppet ideal, in 1934, in “Die Puppe.”

Antje Töpfer and Florian Feisel, in the Pandora frequenz project continue the creation of Bellmer’s jigsaws, ad-ditionally joining the puppet parts with the human body. The puppet from Bellmer’s photographs, full of feminine charms, refers to the Pandora myth. The first woman – beautiful but artificially constructed – was exiled by the angered gods to the earth as punishment for the humans. Questions are bound to be asked. Was it the very opening of Pandora’s box that caused the spreading of evil in the world, the evil which we still cope with today? Who opened the box? And maybe that woman herself is that box? Is the woman, therefore, an embodiment of evil? In the performance of the couple of German artists, the live woman-actress confronted with her artificial substitute begins to ask her own body these questions. For Antje Töpfer the meeting with a puppet double and with the subject of Pandora has become a pretext for deeper exploration of the subject of femininity.

Playing with two bodies in a surrealistic experiment. For the first time in Poland!

Antje Töpfer & Florian Feisel (Niemcy/ Germany)

PANDORA FREQUENZ (CZĘSTOTLIWOŚĆ PANDORY) SCENICZNY KOLAŻ LUDZKIEGO CIAŁAREŻYSERIA, ŚWIATŁO/STAGE DIRECTION, LIGHT: FLORIAN FEISEL; SCENOGRAFIA/SET DESIGN: ANTJE TÖPFER; DŹWIĘK/SOUND: CHRISTOPH HAMANN; KONSTRUKCJA SCENY/STAGE CONSTRUCTION: JAN REINBOLD; WYSTĘPUJE/CAST: ANTJE TÖPFER

KOPRODUKCJA/CO-PRODUCTION: SCHAUBUDE BERLIN; WSPARCIE/SUPPORT: KULTURAMT DER LANDESHAUPTSTADT STUTTGART; FONDS DARSTELLENDE KÜNSTE E.V.

Pandora frequenz to przedstawienie-eksperyment na dwa ciała zawieszone w przestrzeni. Punkt wyjścia do arty-stycznych poszukiwań stanowiły tu prace niemieckiego surrealisty Hansa Bellmera, a zwłaszcza jego naturalnych wymiarów lalka przedstawiająca dziewczynkę. Lalka ta była złożona z poszczególnych segmentów. Bellemer wie-lokrotnie rozkładał i składał elementy tej samej lalki, two-rząc za każdym razem nowe ciało. Pracę tę dokumentował fotografiami. „Ciało jest jak zdanie, które wydaje się nas zapraszać, by podzielić je na litery, aby w nieskończonym szeregu anagramów na nowo składać to, co ono w rzeczy-wistości zawiera.” – pisał owładnięty obsesją swojej lalki Hans Bellmer w „Die Puppe” w 1934 roku.

Antje Töpfer i Florian Feisel w projekcie Pandora frequenz kontynuują tworzenie bellmerowskich układanek, łącząc dodatkowo części lalki z ludzkim ciałem. Pełna kobiecego powabu lalka z fotografii Bellmera odwołuje nas do mitu Pandory. Pierwsza kobieta – piękna, ale sztucznie skon-struowana – została zesłana na ziemię przez rozgniewanych bogów w celu ukarania ludzkości. Nasuwają się pytania. Czy to właśnie otwarcie puszki Pandory spowodowało roz-przestrzenienie się zła na świecie – zła, z którym borykamy się po dzień dzisiejszy? Kto otworzył tę puszkę? A może to kobieta sama w sobie jest ową puszką? Czy zatem właśnie kobieta jest ucieleśnieniem zła? W przedstawieniu pary niemieckich artystów żywa kobieta-aktorka skonfronto-wana ze swym sztucznym substytutem zaczyna zadawać swemu ciału pytania. Spotkanie z lalkowym sobowtórem oraz tematem Pandory stało się dla Antje Töpfer pretekstem do głębszej eksploracji tematu kobiecości.

Surrealistyczny eksperyment z wykorzystaniem dwóch ciał. Po raz pierwszy w Polsce!

„Czytorozkład,konstrukcjaczydestrukcja?Fascynującezjawiskopodbudowanemuzyką,któratodrażni,toznówuspokaja.Gra,którapodejmujei rozwijaideeswojegosurrealistycznegowzorca(...)Zdajesięwszystkozatapiaćw harmonii,bypochwiliznowubudzićniszczycielskiei wyprowadzającez równowagiskojarzenia.”

A. Bauer, Chaos i struktura, „LKZ”

„AntjeTöpferwciągawidzóww swąwirtuozerskągręform,dźwiękówi metaforz geometrycznychbrył.Każdanowasekwencjawyglądajakdoświadczenielaboratoryjne.Mimoto,przedstawienieszybkoprzeistaczasięw przeżyciezmysłowe.Poszukiwanietożsamościorazbeznadziejnąwalkęz samąsobą,byodpowiadaćidealnemuwizerunkowiwystylizowanegoludzkiegociała,obrazujączynnościskładania,rozkładaniai rozrywaniaciała.Protezyprzeistaczająsięw ludzkieczłonki,granicapomiędzyświatemrealnymi nadrealnymginiew zainscenizowanychz matematycznąprecyzjąstopklatkach.”

M. Möller, Kolorowe strzępy na wielkim festiwalu, „Recklinghäuser Zeitung”

70min Helm

utPogerth

1514

METAMORPHOSES A lively show produced within the frame of visual and dance theatre. Describing the never-ending circle of life, it tells the story of people who never cease to struggle for happiness against their cruel fate. The essence of life is to be found in the simplest actions and gestures, in daily rituals that triumph over the powers of destruction. Life continues and is reborn again and again, never giving in to chaos and destruction. The narrative is based on the archetypal figures of Man and Woman. The masculine and the feminine element, day and night, yin and yang tell the story of the opposites that complement each other. The main characters and their individual struggles against the processes of destruction and decay relate their stories to our own experience.

Adolf Weltschek and Małgorzata Zwolińska are known, among other achievements, for their acclaimed show Hommage à Chagall, which won numerous awards and toured many European cities. Now they decided to enrich the formula of the visual theatre with a whole range of new possibilities offered by modern dance. They entered into artistic collaboration with the outstanding British choreographer Caroline Finn and nine extraordinarily talented dancers.

The ultimate result of this collaboration is a remarkable show of the form theatre, in which a variety of theatri-cal means of expression – stage design, costumes, light, multimedia, music and expressive movement of the marvellous dancers – come together to create a stunning effect. Seventeen images, seventeen scenes, in which attractive formal solutions are linked to corresponding meanings. In the show, the story unfolds without words and its progress is to be traced through images.

An unusual mix of the visual theatre and the dance theatre – a feast for your senses, the feast for imagination!

Teatr Groteska (Polska/Poland)

PRZEMIANY SPEKTAKL/PERFORMANCE CREATED BY: ADOLF WELTSCHEK, MAŁGORZATA ZWOLIŃSKA; REŻYSERIA/STAGE DIRECTION: ADOLF WELTSCHEK; SCENARIUSZ/SCRIPT: ADOLF WELTSCHEK, MAŁGORZATA ZWOLIŃSKA; SCENOGRAFIA, KOSTIUMY/SET DESIGN, COSTUMES: MAŁGORZATA ZWOLIŃSKA; CHOREOGRAFIA/CHOREOGRAPHY: CAROLINE FINN; KONCEPCJA I PROJEKTY MULTIMEDIÓW/MULTIMEDIA IDEA AND DESIGN: ADOLF WELTSCHEK, MAŁGORZATA ZWOLIŃSKA; ANIMACJE MULTIMEDIALNE /MULTIMEDIA ANIMATION: MAŁGORZATA ZWOLIŃSKA, WSPÓŁPRACA/COOPERATION: EMILIA METZEL; OPRACOWANIE MUZYCZNE/MUSICAL ARRANGMENT: JERZY KLUZOWICZ; ASYSTENT CHOREOGRAFA/CHOREOGRAPHER ASSISTANT: MAGDALENA FEJDASZ; TANCERZE/DANCERS: LIWIA BARGIEŁ, MAGDALENA FEJDASZ, KATARZYNA SIKORA, SANDRA SZATAN, MASZA TRYPUTSEN, SEBASTIAN LENART, KAROL MIĘKINA, DOMINIK OLECHOWSKI, PIOTR SKALSKI ORAZ/AND: JULIA TOMKOWICZ

Niezwykle barwny i dynamiczny spektakl zrealizowany w stylistyce teatru plastycznego i teatru tańca. Opowiada on o procesie nieustannego odradzania się życia i o człowieku bezustannie poszukującym harmonii i szczęścia na przekór nieubłaganemu losowi. Esencja życia sprowadza się tu do najprostszych działań i gestów, codziennych rytuałów, które zwyciężają nad siłami destrukcji. Życie wciąż trwa i rodzi się na nowo, nie poddając się chaoso-wi i zniszczeniu. Narracja przedstawienia oparta została na archetypicznych postaciach Kobiety i Mężczyzny. Obecność pierwiastka żeńskiego i męskiego, nocy i dnia, jin i  jang służy opowieści o sile dopełniających się przeciwieństw. Postaci głównych bohaterów oraz ich indywidualne zmagania z procesami rozpadu i rozkładu czynią tę opowieść bliską doświadczeniu każdego z nas.

Adolf Weltschek i Małgorzata Zwolińska – twórczy tandem znany m.in. z realizacji przedstawienia Hommage à Chagall, wielokrotnie nagradzanego i wystawianego w wielu krajach Europy spektaklu, zdecydowali się wzbogacić środki wyrazu typowe dla teatru plastycznego o wachlarz możliwości, jakie niesie ze sobą taniec współczesny. Do współpracy zaprosili wybitną brytyjską choreografkę Caroline Finn oraz dziewięciu niezwykle uzdolnionych tancerzy. W rezultacie tego spotkania powstał spektakl teatru formy o wyjątkowej urodzie i niespo-tykanej sile wyrazu. Wzajemnie dopełniają się tu różnorodne środki ekspresji: scenografia, kostiumy, światło, projekcje multimedialne, muzyka i w końcu ekspresyjny ruch znakomitych tancerzy. Siedemnaście obrazów, siedemnaście sytuacji scenicznych – atrakcyjne rozwiązania formalne łączą się z konkretnymi znaczeniami. W tym przedstawieniu historia opowiadana jest bez słów, a jej przebieg wyłania się z obrazów.

Niespotykane połączenie teatru plastycznego i teatru tańca – uczta dla zmysłów, uczta dla wyobraźni!

75min KlaudynaSchubert

1716

POLI DÉGAINE (POLICHINELLE) She and him, two runaway, rambling puppeteers; at their disposal, they have weapons of mass destruction: contagious laugh. They take Polichinelle, the world’s most famous puppet, and with great enthusiasm prepare themselves to stage a performance whose unusual characteristics had been praised by them before. However, according to the plan, nothing goes according to the plan.

You are invited to take part in an incorrigibly funny new version of Polichinelle. The hero appears here, full of indomitable energy, in explosive rhythm, triggering hurricanes of laughter, which cause devastation, also in the audience. It is so because Polichinelle laughs at everything, even at death.

Derived from commedia dell’arte, the character of Polichinelle – the French version of the Italian Pulcinella – has been functioning in the puppet theatre since the 17th century. Being diabolic and angelic at the same time, Polichinelle has got a complex character combining: naivety and slyness, obscenity and romanticism, timidity and courage, simplicity and reflectiveness. Polichinelle is an immortal character, whose domain is to fight with the absurdities of reality, to struggle against social and life limits, and above all against his own alter ego. And probably this is why the hero of the popular puppet theatre has got many cousins in Europe and the world, inclu-ding Punch in England, Petrushka in Russia, Kasperle in Germany, Don Cristobal in Spain, and even Mamulengo in Brasil or Karagöza in Turkey.

Tradition that is still alive – perfect mastering of rhythm and animation – abundance of artistry and humour! For the first time in Poland!

Compagnie La Pendue (Francja/France)

POLI DÉGAINE (POLISZYNEL) REŻYSERIA/ STAGE DIRECTION: ESTELLE CHARLIER, ROMUALD COLLINET; KONCEPCJA I SCENOGRAFIA/CONCEPT AND SET DESIGN: ROMUALD COLLINET; LALKI/PUPPETS: ESTELLE CHARLIER; DORADCA ARTYSTYCZNY/ARTISTIC ADVISOR: ROMARIC SANGARS; WYSTĘPUJĄ/CAST: ESTELLE CHARLIER, ROMUALD COLLINET

Ona i on, dwoje zbiegłych, wędrownych lalkarzy, dysponują bronią masowego rażenia – zaraźli-wym śmiechem. Wyciągają Poliszynela, najsłyn-niejszą lalkę świata i z ogromnym entuzjazmem przygotowują się do przedstawienia, którego nie-zwykłe zalety wcześniej wychwalają. Jednakże, zgodnie z planem, nic nie idzie zgodnie z planem.

Zapraszamy do udziału w niepoprawnie zabawnej nowej wersji Poliszynela. Główny bohater poja-wia się tu pełen niedającej się ujarzmić energii, w wybuchowym rytmie, wywołując huragany śmiechu, które sieją spustoszenie, nie oszczędza-jąc nawet widowni. Ponieważ Poliszynel śmieje się ze wszystkiego, nawet ze śmierci.

Wywiedziona z commedii dell’arte postać Poli-szynela czyli francuska wersja włoskiej Pulcinelli funkcjonuje w teatrze lalkowym już od XVII wieku. Diabolicznego i anielskiego zarazem Poliszynela cechuje złożoność charakteru: naiwność i prze-biegłość, obsceniczność i romantyzm, bojaźli-wość i odwaga, prostota i refleksyjność. Poliszy-nel to nieśmiertelny bohater, którego domeną jest walka z absurdami rzeczywistości, społecznymi i życiowymi ograniczeniami, a przede wszystkim z własnym alter ego. I pewnie dlatego nasz bo-hater lalkowego teatru popularnego ma wielu

swoich kuzynów w Europie i na świecie m.in.: Puncha w Anglii, Petrushkę w Rosji, Kasperle w Niemczech, Don Cristobala w Hiszpanii, a nawet Mamulengo w Brazylii czy Karagöza w Turcji i, jak można się domyślić, każdy z nich posiada nieco inny, zależny od swej narodowości temperament.

Compagnie La Pendue odwiedziła ze swoim wyśmienitym przedstawieniem festiwale na całym świecie, gościli m.in. w Austrii, Belgii, Słowenii, Danii, Czechach, Hiszpanii, Holandii, Niemczech, Portugalii, Kanadzie, Egipcie, Stanach Zjednoczonych.

Tradycja wciąż żywa – mistrzowskie opanowanie rytmu i animacji – nadmiar kunsztu i humoru! Po raz pierwszy w Polsce!

60min DenisetChristelleGregoire

1918

L’IMMÉDIAT (HERE AND NOW) It seems that despite everything and in spite of ourselves, somehow nobody likes stability. One could think that if we want to avoid various disasters, we should get accustomed to a certain order, to the rational flow of events, one after another, with a logical sequence and perfect regularity. It is not so, however. Man appears to be woven of imperfection, coincidences and lack of balance. It also appears that routine kills us. Actually, from the moment we get up in the morning adventure is unavoidable. Falls await us round every corner. At all times we must face the world and we keep falling, step by step or suddenly, all at once.

The stage is filled up with machines, objects, rubbish and knick-knacks of all kinds – L’Immédiat is a restless, visual comment on the uncertainty and chaos of the contemporary world. Seven young, adventure-loving acrobats, oppose a tsunami of unstable powers, which threatens them all the time. They do it with optimism, black humor and remarkable physical skills. It is a show of constant movement – it shivers and creaks with irregularity, like a ruined world inhabited by the shipwrecked.

Sixty minutes of a beautifully directed circus and theatrical chaos. The body and the movement are the main vectors here. For the first time in Poland!

Compagnie L’Immédiat (Francja/France)

L’IMMÉDIAT (TU I TERAZ) REŻYSERIA/STAGE DIRECTION: CAMILLE BOITEL; WSPÓŁPRACA/COOPERATION: JÉRÉMIE GARRY, THOMAS DE BROISSIA, MARTIN GAUTRON, MARTINE STAERK, NICOLE GAUTIER; REŻYSERIA ŚWIATŁA/LIGHT DESIGN: BENOÎT FINKER; WYSTĘPUJĄ/CAST: CAMILLE BOITEL, MARINE BROISE, ALDO THOMAS, PASCAL LE CORRE, THOMAS DE BROISSIA, MARION LEFÈBVRE, JACQUES BENOIT DARDANT

PRODUKCJA/PRODUCTION: L’IMMÉDIAT, SI PAR HASARD; KOPRODUKCJA/CO-PRODUCTION: LE MERLAN – SCÈNE NATIONALE À MARSEILLE’ THÉÂTRE DE LA CITÉ INTERNATIONALE, LE MANÈGE – SCÈNE NATIONALE DE REIMS; WSPARCIE/SUPPORT: MINISTÈRE DE LA CULTURE ET DE LA COMMUNICATION: DRAC ILE DE FRANCE ET DMDTS, VILLE DE PARIS

Wydaje się, że pomimo wszystko i pomimo nas samych, stabilizacja w końcu nikomu nie pasuje. Można by pomyśleć, że chcąc uniknąć róż-nego rodzaju katastrof, moglibyśmy przywyknąć do pewnego porządku, do racjonalnego przepływu wydarzeń, jednego po drugim, w logicznej, następującej po sobie, idealnej regularności. Ale jednak tak nie jest. Zdaje się, że człowiek jest utkany z niedoskonałości, przypadków i braku rów-nowagi. Zdaje się również, że rutyna nas zabija. Właściwie od momentu, w którym wstajemy rano przygoda jest nie do uniknięcia. Upadki czekają za każdym rogiem. Ciągle musimy stawiać czoła światu i ciągle upadamy, krok po kroku lub nagle, od razu.

Scena wypełniona po brzegi maszynami, przedmiotami, śmieciami i bibelo-tami wszelkiego rodzaju – L’Immédiat to niespokojny, wizualny komentarz na temat niepewności i zamętu współczesnego świata. Siedmiu młodych, kochających przygodę akrobatów, stawia czoła tsunami niestabilnych mocy, które im co chwilę zagrażają, z optymizmem, czarnym humorem i niesamowitymi fizycznymi umiejętnościami. To przedstawienie w ciągłym ruchu – drży, trzeszczy nieregularnością, jak świat w ruinach zamieszkały przez rozbitków.

Sześćdziesiąt minut pięknie wyreżyserowanego chaosu cyrkowo-teatralnego. Ciało i ruch są tutaj głównymi wektorami. Po raz pierwszy w Polsce!

60min

Nagroda Mimos Prize 2010 – Festival International du Mime de Périgueux!

„Niesamowiteprzedstawieniefrancuskichakrobatów,filozofiawyrażonaruchemi cyrkowewidowisko.”

„The Gurdian”

„Przeżywająchaosżyciaz życzliwościąi dowcipem.Zdumiewające.”

„Le Point”

„Nieprawdopodobne,niezwyklemistrzowskieprzedstawienie.”

„L’Express”Awarded Mimos Prize 2010

– Festival International du Mime de Périgueux!

“AnamazingperformanceofFrenchacrobats;philosophyexpressedwithmovementanda circusshow”.

“The Guardian”

“Theylivethechaosoflifewithkindnessandwit.Justamazing.”

“Le Point”

“Anincredible,unusualandmasterlyshow.”

“L’Express”

VincentBeaum

e

2120

THEM In the beginning was Bernard. Then came Bernadette. In this piece, we witness what happens when their paths cross. The most mundane of activities become a struggle against the odds; order dissolves into chaos and even turkeys cannot be trusted.

Caroline Finn is a world-famous choreographer and dancer of British origin, currently based in Munich. At the prestigious Juilliard School in New York she studied contemporary dance techniques. She has performed, among others, with the famous Ballet Theater München (Germany), Ballet Preljocaj (France) and Compagnie Carolyn Carlson (France). She has cooperated with such celebrities as Ohad Naharin, Carolyn Carlson and Bartabas. Alongside her dancing career, Caroline has been incessantly working on her own choreographic projects. She has created works for Tanz Luzerner Theater, Compagnie Diem, Cross Connection Ballet and Groteska Theatre. In 2013, she was one of the three laureates of the prestigious New Adventures Choreographer Award. Caroline is also a member of Tanztendenz München.

She and Him – meeting in a dance, in masterly choreography by Caroline Finn. For the first time in Poland!

Caroline Finn (Niemcy/Germany)

ONICHOREOGRAFIA/CHOREOGRAPHY: CAROLINE FINN; TANCERZE/DANCERS: CAROLINE FINN, ALAN BROOKS

Na początku był Bernard. Potem pojawiła się Bernadette. Będziemy świadkami tego, co się wydarzy, kiedy ich drogi się przetną. Najbardziej prozaiczne czynności stają się walką by pokonać siłę destrukcji, porządek przeradza się w chaos i nawet najzwyklejsze kawałki indyka wymkną się spod kontroli.

Caroline Finn jest światowej sławy choreografką i tancerką brytyjskiego pochodzenia, obecnie zamieszkałą w Mona-chium. W prestiżowej Juilliard School w Nowym Jorku uczyła się tańca współczesnego – technik Marthy Graham, Paula Taylora, José Limóna. Studiowała także technikę Alexandra, kompozycję, aktorstwo i sztukę performance’u. Występowała m.in. w słynnych: Ballet Theater München (Niemcy), Ballet Preljocaj (Francja) i Compagnie Carolyn Carlson (Francja). Współpracowała z takimi sławami jak Ohad Naharin i Carolyn Carlson, Bartabas. Równocze-śnie z rozwijaniem kariery tanecznej Caroline pracuje nad własnymi projektami choreograficznymi, z sukcesem prezentując je na deskach teatralnych i festiwalach m.in.: w Nowym Jorku, Berlinie, Monachium, Aix en Provence, Kopenhadze, Zurychu i japońskim Himeji. Stworzyła choreografie dla: Tanz Luzerner Theater, Compagnie Diem, Cross Connection Ballet i Teatru Groteska. W 2013 znalazła się w trójce laureatów prestiżowej nagrody New Adventures Choreographer Award i w efekcie tego wyróżnienia w 2015 roku stworzy nowy projekt dla znanego Phoenix Dance Theater w Anglii. Caroline jest także członkiem Tanztendenz München.

Ona i On – spotkanie w tańcu, w mistrzowskiej choreografii Caroline Finn. Po raz pierwszy w Polsce!

45min

„Przedstawienierozpoczynasiępełnymabsurduradiowymprogramemkulinarnym,skierowanymdopochodzącychz klasyśredniejgospodyńdomowych.CarolineFinn–perfekcyjna,aleujawniającaswechorobliwenatręctwapanidomu–starasięupiecszarlotkę,cokończysiętotalnymfiaskiem.Jejtaniecstajesięcorazbardziejdynamicznyi niekontrolowany,byw końcupogrążyćsięw całkowitymchaosie.Precyzjaruchui jegozłożonośćorazinteligentnanarracja,połączonaz perfekcyjnymwyczuciemrytmuczyniąz tegoprzedstawieniachoreograficznyklejnot.”

Lucky Trimmer, Festiwalowy nastrój i zanurzenie w artystycznej głębi, „Berliner Kulturredaktion”

“Theperformancestartswithanabsurdcookingradioprogrammetargetedatmiddle-classhousewives.CarolineFinn(...)attemptstobakeanappletartduringthisprogramme,whichendsupspirallingintototalfailure.As hermovementsbecomemoreandmoredynamicanduncontrollableshefinallylosesherselfincompletechaos.Theprecisionandcomplexityofthemovementscombinedwitha clevernarrationandaccurateandintelligenttimingturnthisperformanceintoa choreographictreasure.”

Lucky Trimmer, Festival Mood and Immersion in Artistic Depth

“Berliner Kulturredaktion”

JensCorvin

VreniArbes

DaniloM

oroni

2322

MEMBRANEGenesis – a creation myth, originating from the ancient cultures of the world, is a source of inspiration for this exceptional dialogue. A meeting of the past and the present, of the musical traditions, the vocal expression and musical instruments is combined here with the richness of the images generated before the eyes of the audience – a playful interaction of light, shadow and video projections. Two artists have created a musical and theatrical performance whose contents and form stem from the cultures of the East: Japan, Indonesia, India, China and the Jewish tradition, as well as from the cultures of the West: the medieval liturgical songs and the folk songs from Spain, Croatia and Russia, sung in Latin, in Ladino and in Croatian. The musical layer of the show is enriched with the shadow theatre projections full of magic and concealed meanings. The drum, one of the most primal musical instruments of the world, is used here in a double way – as a source of sound and also as a micro-stage. Light and transparence, as well as ever appearing or disappearing shapes and colors are meant to show the diversity of the world within us and of the world in which we are stuck.

Meirav Ben David and Yaniv Shentser are Israeli musicians and multidisciplinary artists. Meirav is a singer performing medieval and Renaissance music. Among others, she studied Gregorian chant, and Sephardic and classical Arab singing. Yaniv is a musician, stage director and a stage designer, specialized in western percussion and in Persian classic music. He created numerous theater performances, musical events and participated in music ensambles, representing different styles.

In the magic shadow theatre – a vocal and multiinstrumental performance. For the first time in Poland!

Yaniv Shentser & Meirav Ben David (Izrael/Israel)

MEMBRANA POMYSŁ I REŻYSERIA/IDEA AND STAGE DIRECTION: MEIRAV BEN DAVID, YANIV SHENTSER; SCENOGRAFIA/SET DESIGN: MIA JANKOVIĆ,YANIV SHENTSER MUZYKA/MUSIC: MEIRAV BEN DAVID, YANIV SHENTSER; WIDEO/VIDEO: YANIV SHENTSER; WYSTĘPUJĄ/CAST: MEIRAV BEN DAVID ,YANIV SHENTSER

WSPARCIE/SUPPORT: RABINOVICH FOUNDATION FOR ARTS

Genesis – mit o stworzeniu z dawnych kultur świata rodem, stanowi źródło inspiracji dla tego wyjątkowego dialogu. Spotkanie przeszłości i współczesności, muzycznych tradycji, ekspresji wokalnej i instrumentów muzycznych łączy się tu z bogactwem powstających na oczach widzów obrazów: gry świateł i cieni oraz projekcji wideo. Dwoje artystów tworzy spektakl muzyczno-teatralny, którego treść i forma wywodzą się z kultur Wschodu: Japonii, Indonezji, Indii, Chin oraz tradycji żydowskiej, jak również z kultur Zachodu: średniowiecznych pieśni liturgicznych oraz pieśni ludowych Hiszpanii, Chorwacji i Rosji, śpiewanych po łacinie, w ladino i po chorwacku. Warstwa muzyczna przedstawienia została wzbogacona projekcjami pełnego magii i ukrytych znaczeń teatru cieni. Bęben, jeden z najbardziej pierwotnych instrumentów muzycznych świata, jest tu wykorzystywany w dwojaki sposób – jako źródło dźwięku, a także mikro-scena. Światło i transparentność oraz to pojawiające się, to znikające kształty i barwy – wszystko służy temu, by ukazać bogactwo świata w nas i świata, w którym tkwimy my sami.

Meirav Ben David i Yaniv Shentser to pochodzący z Izraela muzycy i artyści multidyscyplinarni. Meirav jest śpiewaczką, interpretatorką muzyki średniowiecznej i renesansowej, studiowała m.in. śpiew gregoriański, sefardyjski i klasyczny śpiew arabski. Jako członkini zespołów muzycznych: Trio May, Misteria, Duo Virga występowała w Europie i na świecie. Z Harel Trio nagrała płytę „Yedid Nefesh – Amant do Mon Ame”. Yaniv jest muzykiem, reżyserem teatralnym, scenografem specjalizującym się we wschodniej perkusji i klasycznej muzyce perskiej. Stworzył wiele przedstawień teatralnych, wydarzeń muzycznych, występował z zespołami i grupami muzycznymi, reprezentującymi różne brzmieniowe style, od klasycznej muzyki wschodniej, poprzez Gamelan i Dhrupad, aż po muzykę elektroniczną i współczesną.

W magicznym teatrze cieni – spektakl wokalny i multiinstrumentalny. Po raz pierwszy w Polsce!

45min RogerIchai

2524

PLAN B AURÉLIEN BORY / PHIL SOLTANOFFPlan B is the creation of two eminent artists, who are both experimenting and visionary. Aurélien Bory wanted to quit the circus, Phil Soltanoff desired to run away from the theatre. They met in the middle, outside the frames of each of those arts. They based their performance on an inclined plane, with which they confronted four men: acrobats, dancers, jugglers. A solid-like stage in constant movement and contemporary Sisyphuses who are incessantly climbing it. Astonishing. Theatre is an art depending on gravity, an art unable to escape the laws of physics. Really? The performance is intelligent and unbelievably amusing! A true mastery of acrobatics!

„Plan Bisa milestoneinthehistoryofcontemporarycircusart.(…)Lookingasiftheywereliterallyflyinginspace,theartistscreateanoddchoreographywhichconstitutesa tributetoAsianactionmoviesandatthesametimetheirpastiche.Somewherebetweenthe“nonsense”anda dream-likereality.Anambiguousmoraloccurstous:wearenobodyifwearewithoutoneanother,evenifwesometimeshavetotreadonourneighbourinordertosurvive...”

Gilles Renault, Hats off to Plan B , “Libération”

„ThefounderofCompagnie111,AurélienBory,inventsconceptualperformances,jugglingdance,acrobaticsandcinema.Theintellectualandatthesametimehumoristictricksproposedbyhimsharpentheeyeandthemind. Plan B(…)isthemetaphorofa worldwhichdoesnotwanttostandina deadspotandinwhichwestruggletobeabletoholdourheadsuphigh.(…)Truegymnasticswithoutstrainingmuscles.Andfullofgrace.”

E.L., A Strange Intellectual, “L’Express”

An improbable performance – A world-famous visual and physical theatre – For the first time in Poland!

Compagnie 111 – Aurélien Bory (Francja/France)

PLAN B AURÉLIEN BORY / PHIL SOLTANOFFKONCEPCJA, SCENOGRAFIA/CONCEPTION, SET DESIGN: AURÉLIEN BORY; REŻYSERIA/STAGE DIRECTION: PHIL SOLTANOFF; ORYGINALNA KREACJA RÓL/ORIGINAL ROLES CREATION: OLIVIER ALENDA, AURÉLIEN BORY, LOÏC PRAUD, ALEXANDRE RODOREDA REŻYSERIA ŚWIATŁA/LIGHT DESIGN: ARNO VEYRAT; MUZYKA/MUSIC: PHIL SOLTANOFF, OLIVIER ALENDA, AURÉLIEN BORY; KOSTIUMY/COSTUMES: SYLVIE MARCUCCI, REKWIZYTY/PROPS: CHRISTIAN MEURISSE, HAROLD GUIDOLIN, PIERRE DEQUIVRE; ASYSTENT REŻYSERA/STAGE DIRECTOR ASSISTANT: HUGUES COHEN; WYSTĘPUJĄ/PERFORMERS: MATHIEU BLETON, ITAMAR GLICKSMANN, JONATHAN GUICHARD, NICOLAS LOURDELLE

PRODUKCJA/PRODUCTION: COMPAGNIE 111 – AURÉLIEN BORY; KOPRODUKCJA W 2003/CO-PRODUCTION IN 2003: THÉÂTRE GARONNE, SCÈNE EUROPÉENNE – TOULOUSE, THÉÂTRE DE LA DIGUE – TOULOUSE, LE TRAIN THÉÂTRE-SCÈNE CONVENTIONNÉE – PORTES LÈS VALENCE; KOPRODUKCJA W 2012/CO-PRODUCTION IN 2012: LE GRAND T, THÉÂTRE DE LOIRE ATLANTIQUE – NANTES, THÉÂTRE DU ROND-POINT – PARIS; WSPARCIE/SUPPORT: MINISTÈRE DE LA CULTURE ET DE LA COMMUNICATION, DIRECTION RÉGIONALE MIDI-PYRÉNÉES, RÉGION MIDI-PYRÉNÉES, VILLE DE TOULOUSE; CONSEIL GÉNÉRAL DE LA HAUTE-GARONNE

Plan B to dzieło dwóch wybitnych artystów: eksperymentatorów i wizjonerów. Aurélien Bory chciał uciec od cyrku, a Phil Soltanoff od teatru. Spotkali się w połowie drogi, poza ramami każdej z tych sztuk. Swój spektakl „oparli” na równi pochyłej, z którą skonfrontowali czterech mężczyzn: akrobatów, tancerzy, żonglerów. Scena--bryła w ciągłym ruchu i współcześni Syzyfowie, którzy wciąż pną się po niej w górę. Zdumiewające. Teatr jest sztuką zależną od grawitacji, która nie może uciec od praw fizyki. Czyżby? Inteligentny i niesamowicie zabawny spektakl! Prawdziwa maestria akrobacji!

„Plan Bbawisiępercepcjąwidza,oferującmunowąperspektywępostrzeganiatego,cojestpionemi tego,cojestzjawiskiemgrawitacji.Widzącówłagodnienachylonyświatprzezcałyczasstaramysięgowyprostować.Oscylowaniepomiędzytym,cowidzimy,a tym,couznajemyzaprawdę,stajesięćwiczeniemz geometriiwizualnej.”

Rosita Boisseau, Plan B: dziesięć lat braku równowagi, „Le Monde”

„Plan B stanowikamieńmilowyw historiiwspółczesnejsztukicyrkowej.(…)Wydajesię,żeartyścidosłownielatająw przestrzeni.Tworząonidziwnąchoreografię,będącązarównohołdemdlaazjatyckichfilmówakcji,jaki ichpastiszem.Gdzieśpomiędzynonsensem,a rzeczywistościązesnu.Nasuwasięniejednoznacznymorał:jesteśmynikimbezsiebienawzajem,nawetjeśliczasem,żebyprzetrwać,musimynadepnąćnaszegosąsiada...”

Gilles Renault, Czapki z głów dla Planu B, „Libération”

„TwórcaCompagnie111,AurélienBory,wymyślawidowiskakonceptualne,żonglująctańcem,akrobacjamii kinem.Proponowaneprzezniegointelektualne,a zarazemhumorystycznetrikiwyostrzająokoi umysł. Plan B(…)tometaforaświata,któryniechcestaćw miejscui w którymwalczymyo to,bymócwysokonosićgłowę.(…)Prawdziwagimnastykabeznaciąganiamięśni.I tonawetpełnagracji.”

E.L., Dziwny intelektualista, „L’Express”

Nieprawdopodobny spektakl – Światowej sławy teatr wizualny i fizyczny – Po raz pierwszy w Polsce!

70min AglaeBory

2726

CARMEN Carmen, the protagonist of the well-known short story by Prospero Mérimée, has been a source of inspiration for many artists. The performance of the Teremok theatre from Vologda – a theatre with long traditions, yet not shunning experiments – is a new, puppet interpretation of this familiar story. Boris Konstantinov (director) and Victor Antonov (stage designer) decided to translate the verbal layer of the story into the language of the visual theatre. Therefore, not a single sentence is said in the performance. There are puppets instead, a little bit coarse and rustic, but animated with real mastery. There are also actors impersonating a travelling troupe of gypsy artists. All this is accompanied by the fiery Spanish dance and music. The artists have succeeded in conjuring up, on the stage, a world full of metaphors, poetry, and beauty. The resulting structure is a bit shaman-like –the magic of animating the puppets made of sticks engrosses us entirely. And all this is meant to tell a story of the power of human emotions stronger than death!

Spain. The sunshine, the moonlight, the sky full of stars. A road. Him and Her. An eternal love story which cannot be expressed in words. The Spanish guitar and the sound of castanets complement this drama…

A brilliant puppet interpretation of Carmen! A truly poetic performance. For the first time in Poland!

Vologda Regional Puppet Theatre “Teremok” (Rosja/Russia)

CARMENREŻYSERIA/STAGE DIRECTION: BORIS KONSTANTINOV; SCENOGRAFIA/SET DESIGN: WIKTOR ANTONOV; CHOREOGRAFIA/CHOREOGRAPHY: NATALYA PETROVA-RUDAYA; MUZYKA/MUSIC: RODION SZCZEDRIN, GEORGES BIZET, VLADIMIR PLISS; WYSTĘPUJĄ/CAST: ANDREI VASILEV, MARINA EFREMOVA, VALENTIN OVSIANNIKOV, ALEKSANDR SHISHKIN, NATALIA VASILEVA, NATALIA SAVENKOVA, MARINA MIZINA, IWAN ZAKHAROV

Postać Carmen, bohaterki znanej noweli Prospera Mérimée, stanowiła i nadal stanowi inspirację dla wielu artystów. Przedstawienie teatru Teremok z Wołogdy – teatru z dużymi tradycjami, a jednak nie stroniącego od eksperymentów – to nowa lalkowa interpretacja tej znanej opowieści. Boris Konstantinow (reżyser) i Wik-tor Antonow (scenograf) zdecydowali się przełożyć warstwę słowną opowieści na język teatru plastyczne-go. Dlatego w spektaklu nie pada ani jedno zdanie. Są za to rustykalne lalki, animowane z prawdziwą maestrią. Są także aktorzy, wcielający się w trupę wędrownych, cygańskich artystów. A wszystkiemu towarzyszy ogni-sty hiszpański taniec i muzyka. Artystom udało się wyczarować na scenie świat pełen metafor, poezji i piękna. Powstała struktura nieco szamańska – magia ożywiania wykonanych z patyków lalek wciąga nas bez reszty. A wszystko po to, by opowiedzieć o potędze ludzkich emocji silniejszych niż śmierć!

Hiszpania. Słońce, światło księżyca, niebo pełne gwiazd. Droga. On i Ona. Odwieczna historia miło-sna, której nie da wyrazić się słowami. Hiszpańska gitara i  dźwięk kastanietów stanowią dopełnienie tego dramatu…

Genialna lalkowa interpretacja Carmen! Prawdziwie poetycki spektakl. Po raz pierwszy w Polsce!

„Oszustwojestwyższej,teatralnejrangi.Gęstekędzioryczarnookichślicznotekokazująsięfrędzlamimisterniezwiązanychchustek,a brwijakskrzydła–grubymzawijasemfarby.(…)Obrazdusznejhiszpańskiejnocyjestzręczniezmontowanyz groteskowychszczegółów.Umiejętniepomyślanai wyrazistakonstrukcjasprawia,żewidzimyto,czegoniema,czegobyćniemoże,a copowinnobyć.Teatralneoszustwotoistotategoprzedstawienia.Genialnieprostai dziękitemuwywołującaszczeryzachwytzwykłejpublicznościi protekcjonalno-zazdrosnyuśmiechprofesjonalistów.”

[Arina Szepielowa, Podróż z Petersburga, „Petersbuski magazyn teatralny”

Nagrody:

• ZłotaMaska–NarodowaNagrodaTeatralna,Rosja,2014r.

• Nagrodazacałośćartystyczną–Festiwal„PetrushkaWielki”,Jekaterynburg,Rosja,2014r.

• GrandPrix–FestiwalTeatralny– Subotica,Serbia,2013r.

• Najlepszascenografiai choreografia–FestiwalTeatrówLalekPIF–Zagrzeb,Chorwacja,2013r.

• NagrodaSpecjalnaJury–WołżańskieSpotkania,Rosja,2012r.

• Najlepszyspektakl–FestiwalTeatralny„SłomianySłowik”,Czelabińsk,Rosja,2012r.

55min Vadim

Shekun

2928

FORGET ME NOT An odyssey of a group of people. Ten characters, women and men coming from nowhere, are going through the world and traversing the inner landscapes of large arctic spaces, entering, unnoticed, the reality of dreams. The human beings are accompanied by their look-alikes – the dummies. Called to the stage, the characters appear like ghosts from the past, which might be either collective or individual. Together with them, we will trace the adventures of Clarisse, a female chimpanzee of human size, whose presence underlines the absurdity of pompous human behaviours. This is a truly surrealistic story.

Performances by Philippe Genty – one of the most eminent creators of visual theatre in the world – are a fusion of theatre, dance, mime, singing and puppets. Forget Me Not reaches for all those art forms in order to lead us into the world of dreams and to reveal to us the spaces of which we have been unaware so far. The artist is fascinated by the border between the living and the inanimate. The performance makes us think of: the world of dreams, the return of buried memories, crazy love-affairs, challenging death. In one tale, the artist combines the most solemn with the unreal. The mood is accentuated here with emotional, enchanting music by René Aubry, leading us into a trance atmosphere.

Philippe Genty has re-staged Forget Me Not, this time with young Norwegians, this has let him enrich the performance with a new Nordic element.

After the great success of Still Travellers – Materia Prima 2010 – the Compagnie Philippe Genty is visiting Kraków again! Total enchantment is guaranteed!

Compagnie Philippe Genty (Francja/France) We współpracy z/In cooperation with: HINT Acting & Theatre Department at Nord-Trøndelag University College (Norwegia/Norway)

NIE ZAPOMNIJ MNIE PRODUKCJA/PRODUCTION: COMPAGNIE PHILIPPE GENTY; KOPRODUKCJA/CO-PRODUCTION: NORD- TRØNDELAG UNIVERSITY COLLEGE; MAISON DE LA CULTURE DE NEVERS ETDE LA NIÈVRE; COMPAGNIE PHILIPPE GENTY; WSPARCIE/SUPPORT: MINISTÈRE DE LA CULTURE ET DE LA COMMUNICATION; DRAC BOURGOGNE; VILLE DE NEVERS

REŻYSERIA/STAGE DIRECTION: PHILIPPE GENTY; CHOREOGRAFIA/CHOREOGRAPHY: MARY UNDERWOOD; ASYSTENT/ASSISTANT: ERIC DE SARRIA; ASYSTENT STAŻYSTA/INTERN ASSISTANT: YNGVILD ASPELI; MUZYKA/MUSIC: RENÉ AUBRY; REŻYSERIA ŚWIATŁA/LIGHT DESIGN: PHILIPPE GENTY, VINCENT RENAUDINEAU ,THIERRY CAPERAN ; REŻYSERIA DŹWIĘKU/SOUND DESIGN: ANTONY AUBERT; MASKA/MASK: MARTIN REZARD, SEBASTIEN PUECH, SCENOGRAFIA/SET DESIGN: SÉBASTIEN PUECH, CAROLE ALLEMAND, SOPHIE COEFFIC, CORALIE MANIEZ, VALÉRIE LESORT, YNGVILD ASPELI, DORIANE AYXANDRE, CLAIRE BRABANT, LAURENT HUET, ALEXANDRA LESEUR, KARIN WEHNER, STAŻYSTA/INTERN: PRISCILLE DUMANOIR; WYSTĘPUJĄ/CAST: ÁNNE MÁGGÁ WIGELIUS, ANNIE DAHR NYGAARD, MORTEN ANDA BERG, LENA KVITVIK, HENRIK HOFF VAAGEN, BENEDIKTE KARINE SANDBERG, SJUR MARQVARDSEN, MAJA BEKKEN, MADELEINE FREDSTAD ROSETH

Odyseja grupy ludzi. Dziesięć pochodzących znikąd postaci, kobiet i mężczyzn, idzie przez świat i przemierza wewnętrzne krajobrazy w krainie wielkich przestrzeni arktycznych, niepostrzeżenie wkraczając w rzeczywistość rodem ze snów. Ludzkim istotom towarzyszą ich sobowtóry-manekiny. Wywołane na scenę postaci pojawiają się niczym duchy z przeszłości, o której nie wiadomo czy jest zbiorowa, czy indywidualna. Razem z nimi śledzi-my przygody Clarisse, szympansicy wielkości człowieka, a jej obecność podkreśla absurdalność patetycznych zachowań ludzkich. To prawdziwie surrealistyczna opowieść.

W spektaklach Philippa Genty’ego – jednego z najwybitniejszych twór-ców teatru plastycznego na świecie, spotykają się i stapiają ze sobą teatr, taniec, sztuka mimu, śpiew i lalki. Nie zapomnij mnie, sięga po te wszystkie dziedziny sztuki, by wprowadzić nas w świat marzeń i odkryć przed nami nieuświadomione dotąd przestrzenie. Artystę fascynuje granica między tym, co żywe, a tym, co nieożywione. Przedstawienie przywodzi na myśl świat snów, powrót pogrzebanych wspomnień, miłosny zawrót głowy, rzucanie wyzwania śmierci. W jednej opowieści łączy to, co najbardziej podniosłe, z tym, co nierzeczywiste. Nastrój podkreśla tu pełna emocji, zachwycająca muzyka René Aubry’ego, która wprowadza nas w transową atmosferę.

Philippe Genty wystawił na nowo Nie zapomnij mnie, tym razem z młodymi Norwegami, pozwoliło mu to wzbogacić spektakl o nowy nordycki element.

Po wielkim sukcesie spektaklu Nieruchomi podróżnicy – Materia Prima 2010 – Compagnie Philippe Genty znowu gości w Krakowie! Totalne zauroczenie gwarantowane!

90min AndersHede

3130

FESTIVAL’S ACCOMPANYING EVENTS

A C A D E M I C S E S S I O N

Form Theatre in the Work of Tadeusz Kantor, Józef Szajna and Jerzy Grotowski February 23rd, 2015 (Monday) TEATR GROTESKA – CAFÉ

9:00 a.m. – 9:30 a.m. Opening of the exhibition: Form Theatre in the Work of Tadeusz Kantor, Józef Szajna and Jerzy Grotowski. Materia Mundi

Exhibition concept: Tadeusz Kornaś PhD (dr hab.) (Jagiellonian University) Project and graphic design of the exhibition: Rafał Leśniak

9:30 a.m. – 2.00 p.m. Academic session Chairman: Tadeusz Kornaś PhD (dr hab.) (Jagiellonian University)

PAPERS:• Katarzyna Fazan PhD (dr hab.) (Jagiellonian University) Kantor’s Inventions: Between a Magic

Object and a Machine• Joanna Puzyna-Chojka PhD (University of Gdańsk) The Games with the Real in Józef Szajna’s Theatre• Professor Dariusz Kosiński PhD (dr hab.) (Jagiellonian University) Object-ivity of Akropolis

Discussion with participation of the audience

3:00 p.m. – 5.30 p.m. Film shows – recorded performances

• Tadeusz Kantor Where are the Snows of Yesteryear, film director: Andrzej Sapija • Józef Szajna A Replica, TV director: Krzysztof Buchowicz• Jerzy Grotowski Akropolis, TV director: James McTaggart

C O N F E R E N C E

Form Theatre. Paradigm – Attempt at DefinitionFebruary 26th, 2015 (Thursday) TEATR GROTESKA – CAFÉ

10:00 a.m. – 12:00 p.m. The round table discussion with participation of theatre theoreticians and practitioners concluded with a dialogue with the public.

Both events will be simultaneously translated into Polish and English.

WYDARZENIA TOWARZYSZĄCE FESTIWALOWI

S E S J A N A U K O W A

Teatr formy w twórczości Tadeusza Kantora, Józefa Szajny i Jerzego Grotowskiego 23.02.2015 (poniedziałek) TEATR GROTESKA – KAWIARNIA

9:00–9:30 Otwarcie wystawy: Teatr formy w twórczości Tadeusza Kantora, Józefa Szajny i Jerzego Grotowskiego. Materia Mundi

Koncepcja wystawy: dr hab. Tadeusz Kornaś (Uniwersytet Jagielloński) Projekt i opracowanie graficzne wystawy: Rafał Leśniak

9:30–14.00 Sesja naukowa Prowadzenie sesji: dr hab. Tadeusz Kornaś (Uniwersytet Jagielloński)

REFERATY:• dr hab. Katarzyna Fazan (Uniwersytet Jagielloński) Kantorowskie wynalazki: między przedmiotem ma-

gicznym a maszyną• dr Joanna Puzyna-Chojka (Uniwersytet Gdański) Gry z realnością w teatrze Józefa Szajny • prof. dr hab. Dariusz Kosiński (Uniwersytet Jagielloński) Rzeczy-wistość Akropolis

Dyskusja z udziałem publiczności

15:00–17.30 Pokaz filmów – rejestracji spektakli

• Tadeusz Kantor Gdzie są niegdysiejsze śniegi, reż. film: Andrzej Sapija • Józef Szajna Replika, reż. tv: Krzysztof Buchowicz• Jerzy Grotowski Akropolis, reż. tv: James McTaggart

K O N F E R E N C J A

Teatr formy. Paradygmat – próba definicji26.02.2015 (czwartek) TEATR GROTESKA – KAWIARNIA

10:00–12:00 Dyskusja okrągłego stołu z udziałem teoretyków i praktyków teatru zakończona dialogiem z publicznością.

Oba wydarzenia będą symultanicznie tłumaczone na język polski i angielski.

Organizator sesji i wystawy:

Organizer of the session and exhibition:

Współorganizatorzy sesji i wystawy:

Co-organizers of the session and exhibition:

3332

S P E K T A K L E :

Balladyna reżyseria: Bogdan Ciosek

Hommage à Chagall reżyseria: Adolf Weltschek

Kandyd czyli Optymizm reżyseria: Paweł Aigner

Kobiety Kontratakują koncepcja i reżyseria: Adolf Weltschek

Lataj z Krystyną reżyseria: Andrzej Sadowski

Mistrz i Małgorzata reżyseria i adaptacja: Waldemar Wolański

Przemiany scenariusz i reżyseria: Adolf Weltschek, Małgorzata Zwolińska

Zagraj to jeszcze raz… – sam reżyseria, adaptacja, scenografia: Lech Walicki

SCENA DLA DOROSŁYCH REPERTUAR MARZEC 2015 07.03 so MISTRZ I MAŁGORZATA 19.00 t08.03 n MISTRZ I MAŁGORZATA 19.00 t09.03 pn MISTRZ I MAŁGORZATA 13.30 t11.03 śr BALLADYNA 9.00, 11.30 k12.03 cz BALLADYNA 9.00, 11.30 k13.03 pt KANDYD CZYLI OPTYMIZM 19.00 t14.03 so KANDYD CZYLI OPTYMIZM 19.00 t15.03 n KANDYD CZYLI OPTYMIZM 19.00 t21.03 so LATAJ Z KRYSTYNĄ 19.00 k22.03 n LATAJ Z KRYSTYNĄ 19.00 k27.03 pt PRZEMIANY 19.00 t28.03 so PRZEMIANY 19.00 t29.03 n PRZEMIANY 19.00 t

nie wyrzucaj biletu! Każdy pojedynczy bilet na Scenę dla Dzieci upoważnia do zakupu2 biletów w cenie biletów grupowychna repertuarowe spektakle Sceny dla Dorosłych(z wyłączeniem spektakli gościnnych.)

Odkryjscenę dla Dorosłych

Teatru Groteska!

t–salateatralna • k–salakopułowa

3534

ADRESY FESTIWALOWE / FESTIVAL ADDRESSES

Sale teatralne/Theatre halls

Teatr Groteska, ul. Skarbowa 2Teatr Ludowy, Os. Teatralne 34Nowohuckie Centrum Kultury, Al. Jana Pawła II 232Studio TVP w Łęgu – Ośrodek Telewizji Kraków, ul. Nowohucka 44Małopolski Ogród Sztuki, ul. Rajska 12

Klub festiwalowy/Festival clubPauza in Garden Małopolski Ogród Sztuki, ul.Rajska 12 (wejście od/entrance from:ul. Szujskiego)

blemagazine for puppetry and object theatre: focus topics, essays, reviews, inter­views, reports. infor ma tions on german and in terna tional per for mances, fes­tivals, pro jects, work shops, exhibitions, books. inter national festivalagenda.

double is published two times a year. double subscription: 16 € (+ 6 € pos tage for international despatch) a year. you get 2 issues of double + each with a free copy of the magazine “the ater der zeit” ::: subscription: abo-vertrieb@theaterderzeit.de (subscribers of “theater der zeit” re-ceive double as a supplement) ::: information, sample copies: mail@double-theatermagazin.de w w w . t h e a t e r d e r z e i t . d e

MAGAZINE FOR PUPPETRY & OBJECT THEATRE

dou

SPRZEDAŻ I REZERWACJA BILETÓW I KARNETÓW

Cana karnetu – 12 spektakli: 240/300 zł (przedsprzedaż/sprzedaż)Cena mini-karnetu – 7 spektakli: 140/175 zł (przedsprzedaż/sprzedaż)

Sprzedaż i rezerwacja biletów Teatr Groteska, ul. Skarbowa 2, Kraków

Rezerwacja biletów  od poniedziałku do piątku w godz. 8.00 – 16.00

tel. 12 633 37 62, tel.,fax 12 632 92 00 centrala: 12 633 48 22, 12 631 81 80 wew. 238, 244, 258 rezerwacja@groteska.pl

Kasa biletowaczynna od poniedziałku do piątku w godz. 8.00–14.00 oraz 16.00–19.00; w soboty 14.00–19.00 (w niedzielę 22.02.2015 kasa czynna jak w soboty) tel. 12 623 79 59; 12 633 48 22 wew. 252 kasa@groteska.pl Nr konta: Bank PEKAO S.A III O/Kraków 40 1240 2294 1111 0010 2727 8517

UWAGA: na godzinę przed spektaklem zakup biletów w miejscu prezentacji (płatność tylko gotówkę)

SALE AND BOOKING OF TICKETS AND PASSES

Pass price – 12 shows: 240/300 pln (advance booking/regular sale)Mini-pass price – 7 shows: 140/175 pln (advance booking/regular sale)

Tickets sale and booking  Teatr Groteska, ul. Skarbowa 2, Kraków

Tickets booking  Monday to Friday, from 8.00 a.m. to 4.00 p.m. ph. + 48 12 633 37 62, ph.,fax + 48 12 632 92 00 telephone exchange: +48 12 633 48 22, +48 12 631 81 80 ext. 238, 244, 258 rezerwacja@groteska.pl

Ticket officeopen from Monday to Friday, from 8.00 a.m to 2.00 p.m. and from 4.00 p.m. to 7.00 p.m.; on Saturdays, from 2.00 p.m. to 7.00 p.m. (on Sun-day, 22.02.2015 the ticket office is opened like on Saturdays) ph. +48 12 623 79 59; +48 12 633 48 22 ext. 252 kasa@groteska.pl Bank account no.: Bank PEKAO S.A III O/Kraków 40 1240 2294 1111 0010 2727 8517

NOTE: tickets may be purchased one hour prior to the show at its venue (payment by cash only)

PRZEDSPRZEDAŻ/ADVANCE BOOKING (15.12.2014 – 31.01.2015)

SPRZEDAŻ/REGULAR SALE (1.02.2015 – 28.02.2015)

GRUPA I/ GROUP I* GRUPA II/GROUP II** GRUPA I /GROUP I* GRUPA II/ GROUP II**

NORMALNY / NORMAL 25 zł/25 pln 35 zł/35 pln 30 zł/30 pln 45 zł/45 pln

ULGOWY / CONCESSION 20 zł/20 pln 30 zł/30 pln 25 zł/25 pln 35 zł/ 35 pln

GRUPOWY/ GROUP(min. 10 osób / min. 10 people)

20 zł/20 pln 25 zł/25 pln 25 zł/25 pln 30 zł/30 pln

pojedynczy bilet w karnecie / single ticket in a pass

20 zł/20 pln 20 zł/20 pln 25 zł/25 pln 25 zł/25 pln

* Grupa I / Group I: Anna Peschke Ogród Elzy/Ilsa’s Garden; Antje Töpfer & Florian Feisel Pandora frequenz (Częstotliwość Pandory)/Pandora frequenz (Pandora Frequency); Compagnie La Pendue Poli dégaine (Poliszynel)/Poli dégaine (Polichinelle); Caroline Finn Oni/Them; Yaniv Shentser & Meirav Ben David Membrana/Membrane

** Grupa II / Group II: Carte Blanche. The Norwegian National Company of Contemporary Dance Edvard; NoGravity Dance Company Boska Komedia: z Piekła do Nieba/Divine Comedy: from Hell to Paradise; Teatr Groteska Przemiany/Metamorphoses; Compagnie L’Immédiat L’Immédiat (Tu i teraz)/L’Immédiat (Here and Now); Compagnie 111 – Aurélien Bory Plan B. Aurélien Bory/Phil Soltanoff; Vologda Regional Puppet Theatre “Teremok” Carmen; Compagnie Philippe Genty Nie zapomnij mnie/Forget Me Not

Organizator/Organiser:Teatr Groteska, ul. Skarbowa 2, 31-121 Krakówtel./ph. + 48 12 633 48 22, + 48 12 631 81 80 groteska@groteska.pl

Dyrektor Festiwalu/Festival Director: Adolf WeltschekKierownik Programowy Festiwalu/Festival Programme Director: Zuzanna GłowackaKoordynator Festiwalu/Festival Coordinator:Katarzyna KuźmiczProdukcja/Production: Edward Fic, Adam Godlewski,Sabina Guzik,Joanna Jakubowska,Krzysztof Mielcarek, Teresa Pieprzyk, Łukasz Rutkowski,Jacek Stankiewicz Obsługa finansowa/Financial service:Iwona Jaroszek, Anna Jaworska-Kluza

Redakcja/Editing: Zuzanna Głowacka Opracowanie graficzne/Graphic design: Maciej Szymanowicz

PARTNERZY PROJEKTU PARTNER

DOFINANSOWANIEProjekt Materia Prima. 3. Międzynarodowy Festiwal Teatru Formy. Bieguny Kultury finansowany z funduszy EOG, pochodzących z Islandii, Liechtensteinu i Norwegii, oraz środków krajowych.

The Project Materia Prima. 3rd International Festival of the Form Theatre. Cultural Poles is supported by a grant from Iceland, Liechtenstein and Norway through the EEA Grants and co-financed by the Polish funds.

PATRONAT HONOROWYORGANIZATOR

Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego

Ambasada Królestwa Norwegii w Warszawie

PATRONI MEDIALNI

BEZPŁATNE PRZEWODNIKI w w w.mat er iapr ima .p l