Improvisación y trash-metal

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E N T R E V I S T A S

La SantaCecilia

PlayaMagenta

ElizabethShepherd

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La Santa Cecilia.La lucha migrante suena

en “spanglish”. Por Natalia Cano

ProducciónInstrumentos, gadgets y apps

Playa Magenta.Rosa mexicano contemporáneo.

Por Alejandro González Castillo

Home Studio.Pijama Records

Elizabeth Shepherd.Jazz desde Montreal.Por Víctor Baldovinos

Reporte Especialsound:check Xpo 2014

Reporte Especial sound:check xpo 2014Skolnick es fi gura central de Testament, la legendaria banda estadounidense de thrash-metal, pero también líder de su trío de jazz. Su misión es desafi ar cualquier clasifi cación musical a través de proyectos alternos. Y de eso habló en master class en sound:check xpo 2014. Por Octavio Echávarri

Improvisación y trash-metal30.

AlexSkolnick

[ Año 9,Num. 108

| junio 2014 ]

4. Noticias: Javier Camarena, voz en crescendo / Real World, celebración de Plata / Michael Jackson Xscape. / La Tónica del jazz en GDL 8. Eventos: Día Internacional del Jazz 10. Res eñas: Damon Albarn, Discos Pararrayos, Washed Out, Lori Meyers, Los Esquizitos 20. Distor: Diamante Eléctrico + Sabo Romo Por Alejandro González 44. Escenario: Festival de Jazz de Polanco Por Efraín Alavéz 48. Más allá del pentagrama: ¿Qué es un buen músico? Por Mario Santos 50. En Armonía: Síndrome de túnel del carpo Por Sandra Romo 52. Escenario: Los siete pecados del músico en gira Por Ari Herstand 54. Del Bit a la Orquesta: Hagamos jugar a la academia Por Anwar Sánchez

Fotografía de portada Marco A. Lara

D icen que en cinco años uno se convierte en una mezcla de las personas con quienes se convive cotidianamente. Ese es más o menos el tiempo que quien escribe estas líneas

ha pasado en esta editorial en la que se me ha dejado claro que siempre hay que tener disposición para dar ese extra que permite que las cosas sucedan. Siempre.

Una exigencia de esa naturaleza sólo se puede aprehender con el ejemplo diario. Y esa dinámica me fue transmitida por Eliseo Vega e Ivonne Moreno, director editorial y directora de mercadotecnia de Musitech Ediciones y Eventos, quienes hoy toman otros senderos para seguir trascendiendo como personas y profesionistas.

Ellos junto con Jorge Urbano, pusieron los cimientos de esta empresa, desarrollaron los métodos que han hecho posible su crecimiento y evolución, los ejecutaron y procuraron transformarlos conforme el contexto de la industria que documentamos a través de nuestras revistas, así lo fue pidiendo. Coincidieron pues, en tiempo y lugar para hacer esto posible.

Dejan un legado y, sobre todo, el reto de mantener en crescendo los alcances, visión y objetivos de nuestra empresa. Y, además de las revistas, esa sound:check Xpo esa otra invención en la que está depositada ese “extra” que dieron mis compañeros. La crónica de lo acontecido en su edición 2014 me recuerda que quienes nos quedamos, recibimos una estafeta cuya consigna no sólo es mantener el prestigio de lo heredado, sino ingeniárnosla para idear prácticas y métodos nuevos que sumen a lo que talento, trabajo y lealtad como la de ellos lograron construir.

Así haremos. Conociéndolos sabemos vigilarán que así sea.

Gracias y éxito.

Partidas y d esafíos

Editorial

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Directorio

@MarySolPacheco

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MusiclifeMx

music:life. Revista mensual. Año 9, No. 108Editor responsable: Jorge Raúl Urbano CalvaNúmero de Reserva al Título de Derechode Autor: 04-2004-112916553100-102ISSN: 2007-0020Certifi cado de Licitud de Título: 13167Certifi cado de Licitud de Contenido: 10740Distribuido por COMERCIALIZADORA GBN, S.A. DE C.V. Calzada de Tlalpan 572 Despacho C-302, Col. Moderna, Delegación Benito Juárez, C.P. 03510 México D.F.; SEPOMEX, Circuito Parque 3, Col. Ciudad Satélite, Naucalpan, Edo. de México, C.P. 53100 Registro Sepomex PP09-1361 y distribuido por propios medios.Domicilio de la Publicación: Cofre de Perote 132, Fraccionamiento Los Pirules,C.P. 54040, Tlalnepantla, Estado de MéxicoImpreso en: Preprensa Digital, Caravaggio No.30, Colonia Mixcoac, C.P. 03910. México, D.F.

DIRECCIÓNJorge Urbano

DIRECTOR EDITORIALEliseo Vega

COORDINADORA EDITORIALMarisol Pacheco

DISEÑO Jhonatan González

STAFF EDITORIALNizarindani Sopeña MERCADOTECNIAIvonne Moreno

COMERCIALIZACIÓNClaudia Pérez

CIRCULACIÓNEdith García

OPERACIONESHoracio UrbanoJavier González Vázquez

ADMINISTRACIÓNMaría PinedaSilvina BustosBeatriz CamachoAngélica Martínez

(55) 5240 1202 y 52401203info@musitech.com.mx www.musiclife.com.mx

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noticias

Javier Camarena,voz en crescendo

“Él es la clase de artista real, serio y puro, tanto en su desempeño actoral como en la entrega de una gran la calidad vocal, en los papeles que in-terpreta”, sirva la cita de Peter Gelb, gerente del Metropolitan Opera para referir los alcances que la voz del tenor mexicano Javier Camarena está escalando en la marquesina del bel canto internacional.

Identifi cado ya como un “rockstar” para los amantes de la ópera en la Gran Manzana, Javier está convertido en “titular” para interpretar los progra-mas que llenan la cartelera de la tem-porada del MET, yendo de su interpre-tación como Elvino en La Sonámbula de Bellini, como el Conde Almaviva en Il Barbiere di Siviglia de Rossini y, recientemente, como el príncipe Ramiro en La Cenerentola, actuacio-nes en las que la fi rmeza plasmada en sus notas altas y frases largas, dotaron de ritmo y emotividad el soliloquio que

los distintos guiones le han pedido, sin perder equilibrio entre emotividad y técnica.

La colecta copiosa de aplausos se suma al lanzamiento de su primer disco Recitales (Urtext, 2013), donde se compila una puntual selección de temas del repertorio mexicano e italiano, capturadas en vivo en aquel inolvidable recital que le incluyó como parte del programa de la XL edición del Festival Cervantino en el Palacio de Bellas Artes hace un par de años.

Le tenemos en la mira y, de momento, les pedimos añadirse a incrementar la ovación para este veracruzano que quiso ser pianista y guitarrista, y debe al canto de covers de Queen su entrada a la conquista de la emoción por el desenvolvimiento de su voz. Sírvanos de ejemplo sobre cómo conquistar la excelencia.

Desde que Peter Gabriel dejase Genesis para desarrollar sus inquie-tudes musicales en plan solitario, se avivó en él un espíritu curioso respecto a la producción y promoción de los di-versos géneros musicales que pueblan la Tierra, siendo la realización del hoy reconocido festival WOMAD un pilar en ese propósito.

Junto a ese festín del world music se sumó en 1989 la creación del sello Real World, que este 2014 cumple sus 25 años como una de las primeras disqueras en avocarse a la grabación y difusión de la música del mundo –con su propio estudio de grabación- y el desarrollo de estrate-gias como alianzas para ampliar la presencia de los artistas que actúan en el WOMAD, proveyéndoles de asesoría para girar en diversos países.

Un ejemplo claro de esto es la Real World Recording Week que desde su lanzamiento en 1991, recibe a los músicos en el estudio y dota de toda la producción para la grabación de su música. El resultado: Más de 75 ar-tistas internacionales provenientes de 20 distintas naciones; una comunidad creativa que constantemente intercam-bia ideas y amplia los alcances del discurso musical del que son nativos.

Para celebrar la efeméride, se solicitó al público emitir su opinión para elegir los artistas y temas que conformaron el set de tres discos compactos que el se-llo editó, seleccionando el material de su exquisito acervo. Participar le dio oportunidad al melómano de ganar premios exclusivos como audífonos high end de la marca Bowers & Wilkins y CD Box Sets de colección.

Real World,celebración de plata

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noticias

Michael Jackson, Xscape. Music business del estudio

a la promociónDesde el 13 de mayo Sony Music en alianza con Sony Mobile lanzó el disco póstumo Xscape con temas inéditos que, a partir de grabaciones de la voz de Michael Jackson realiza-das entre 1983 y 1999, la fi rma puso bajo la producción ejecutiva de L.A. Reid, director de Epic Records, también productor y acaso una de las fi guras que mantuvo estrecha relación en los últimos años de vida del extinto “Rey del Pop”.

En exclusiva sesión de escucha en México en el Hotel W, con la presencia de los directores de ambas compañías se presentó el disco que, además, es punta de lanza para dichas empresas que en aras de incrustarse con mayor agresividad en la industria del entretenimiento, re-únen su maquinaria para promover el álbum mediante la distribución digital, atendiendo los canales ya conocidos por los internautas como iTunes, Amazon y GooglePlay, con el extra de oír el resultado del tratamiento digital hecho a los archivos de audio para su escucha en el smartphone insingia de la casa de electrónica de consumo, el Xperia Z2.

Así, de 24 tracks que se rescataron y procesaron, se eligieron ocho canciones que dan forma al disco, mismos que recibieron un tratamiento

singular, al ser convocados diversos productores cuya misión fue mante-ner la esencia vocal del cantante e imprimir, al mismo tiempo, un signo contemporáneo en el sonido.

De esta forma el trabajo colectivo de productores como Timbaland, Rodney Jerkins, Stargate, Jerome “Jroc” Harmon y John McClain musicalizaron y supervisaron el proceso de edición y mezcla de las canciones que cubren en líneas melódicas y bases rítmicas fi ncadas en el uso de instrumentos virtuales, sintetizadores, percusión electrónica y procesador de efectos para voz y coros, donde lucen los estilos que el Jackson abordó en su carrera discográfi ca: desde el R&B y el soul al techno y synth pop, el funk y el hip hop, al dub step y el trash dance.

Y, acorde a los tiempos y plantea-mientos del music business actual, habrá varias versiones del disco, una con los duetos realizados con fi guras como Justin Timbarlake, y otra con la edición Deluxe que incluye 14 canciones y un disco extra con las grabaciones originales. El primer sencillo es “Love Never Felt So Good” que fuera grabada y producida por Michael y Paul Anka en 1983.

noticias

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La Tónica del jazz en GuadalajaraEl jazz es mucho más que personas ataviadas elegantemente, tocando diversos instrumentos que van de los metales a las percusiones, con mucha maestría y pasión. Ésa es la faceta del jazz que se ha popularizado, la que vemos comúnmente en libros y películas. Mas no, el jazz es también una síncopa, un sintetizador, un sentimiento, una guitarra eléctrica, un DJ. El jazz es profesionalismo, disciplina, libertad, conocimiento, inteligencia y rebeldía. El jazz es, ante todo, creatividad y por ello desde hace años Fundación Tónica lo tomó como estandarte para realizar toda su labor.

El Festival es el proyecto más importante de la Fundación y, a diferencia de otros festivales, este espacio anual actúa en tres direcciones indisociables para el crecimiento y fortalecimiento de la música: la educación, los espacios escénicos y la profesionalización del sector. Y, cada año, se rinde homenaje a un músico mexicano que haya infl uido de manera importante esta escena musical.

La edición 2014 del Encuentro de Jazz en Jalisco / Tónica Festival se llevará a cabo del 3 al 13 de julio en distintas sedes de la Zona Metropolitana de Guadalajara. Contará con 180 artistas en escenario y más de 600 actividades a lo largo y ancho de la metrópolis que serán disfrutadas aproximadamente por 25,000 personas de todo México.

Así, este edición presentará el Tónica Festival, que enmarcado en el Encuentro de Jazz en Jalisco, dará homenaje al gran Rodolfo “Popo” Sánchez. En lo educa-tivo, se ofrecerá el Seminario Internacional de Jazz con la tutoría de Miguel Zenón, Hans Glawischnig, Alex Sipiagin, Henry Cole, Dave Fiuczynski, Peter Rodríguez, Brian Lynch, Emmet Cohen, así como el propio “Popo” Sánchez a quien se sumarán otros referentes del jazz nacional e internacional.

Plataforma educativaComo novedad en la realización del Seminario de este año, los grupos serán reducidos y con instrumentos únicos con lo

que se busca asegurar la mejor experiencia pedagógica posible. Para los adolescentes y jóvenes que recién se dará el Jazz Camp, un espacio donde tendrán la oportunidad, durante una semana, de vivir la experiencia de ser un músico profesional recibiendo clases de su instrumento, armonía, ensamble y clases magistrales complementarias orien-tadas a la profesionalización.

Para los músicos jóvenes del interior del estado de Jalisco, la Fundación Tónica junto con la Secretaría de Cultura de Jalisco han creado el concepto Orquesta Juvenil de Jazz que este año albergará a más jóvenes en un ambiente educativo con fi guras de talla internacional como Boris Kozlov, director de la Mingus Big Band (NYC) y los maestros Ernesto y Martín Ramos de la Big Band Jazz de México, que llevarán su talento al máximo.

Festín musicalLa plataforma escénica del Festival presentará una nutrida y diversa selección de artistas nacionales, extranjeros y locales que se darán cita en tres distintos eventos: los Conciertos Estelares, que tendrán lugar en el Teatro Degollado; la Fiesta del Jazz que con-sistirá en dos días de presentaciones gratuitas y los distintos conciertos en espacios públicos que bajo el formato de Palomazos, Presentaciones y Conciertos Didácticos se realizarán en diversos puntos de la Zona Metropolitana de Guadalajara.

Por último, la mayor atracción del Festival será su plataforma profesional que bajo el nombre Foro de Música Creativa, apoyará el fortalecimiento de la industria creativa en nuestro país. En éste se atenderán tres rubros cuyo diálogo busca abrir un espacio para la exposición de ideas sobre temas que afectan la práctica musical en el contexto contemporáneo: el taller “La eco-nomía naranja”, diseñado con el propósito de presentar las ideas y conceptos clave de un debate en gran parte desconocido sobre una importante oportunidad

de desarrollo que Latinoamérica y el Caribe no puede darse el lujo de perder: la econo-mía creativa; el coloquio “Emprendurismo Cultural”, compuesto por mesas de diálogo enfocadas al crecimiento económico y desarrollo de las empresas culturales, su sostenibilidad y desarrollo, la profesionaliza-ción de los sectores artísticos y cómo estos contribuyen a la industria de la creatividad; y la feria “Jazz mexicano de exportación”, en la cual trece grupos seleccionados en con-vocatoria nacional abierta podrán presentar su trabajo escénico ante programadores de festivales nacionales e internacionales y tener la oportunidad de una sesión de mentoría con profesionales de renombre en México y el resto del mundo para fortalecer su labor escénica y dentro de la industria musical.

Para más información visita www.jaliscoja-zzfestival.com, donde encontrarás el progra-ma completo, los nombres de los talentos y profesionales invitados.

El mundo del jazz conocerá a Jalisco y Jalisco, una vez más, se inundará de jazz.

noticias

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Reconocida como una de las prin-cipales casas de venta de pianos y academia para la enseñanza de di-cho instrumento, Sala Beethoven que dirige Jorge Gallegos celebra desde el mes pasado la vigésimo segunda edición de su Festival Internacional de Piano en el Auditorio San Pedro con la intervención de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León.

De esta manera, serán Ana María Vera (Bolivia), José Feghalí (Brasil), Jorge Federico Osorio (México), Bárbara Nissman (EU), Walter Poncer (Bolivia), Sofya Gulyak (Rusia) y Jean

Louis Steuerman (Brasil) los pianistas convocados de junio a diciembre del año en curso (un recital al mes) para exponer un espectro variado en técnica, reper-torio y emotividad que mantenga vivo el objetivo de inspirar a los regios a iniciarse en la apreciación y aprendizaje musical a través del piano, como lo ha expresado entusiasta Jorge: “El fomento a la cultura y el arte permite, no sólo un cambio en el pensamiento de la gente que acude , sino también en la valoración y retribución del ofi cio del músico”.

Felicidades por la constancia y metas cumplidas.

Sala Beethoven MTY: 20 años de

fi esta al piano

gonherdistribuidora @gonhermexico www.gonher.com

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Eventos

Se celebró elDesde el 2011, la UNESCO proclamó a través de su Conferencia General, el 30 de abril como el Día Internacional del Jazz, toda vez que observa en este género musical atributos que alientan y construyen una interacción sin barreras, fincada en la comprensión y la tolerancia.

Así, cada fin del cuarto mes del año se desarrollan una serie de eventos especiales y actividades en todo el globo terráqueo que reúnen a los músicos de este estilo en clubes de jazz, festivales, instituciones y estaciones de radio, a partir del banderazo que se da en la ciudad de Osaka (Japón)

Día Internacional del Jazzcon conciertos y actividades educativas y de divulgación sobre el género sincopado y de manera gratuita. Este 2014 desde la Osaka School of Music, correspondió a Herbie Hancock arrancar las actividades a nivel global de esta celebración.

En México las festividades arrancaron tres días antes con el concierto en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes del combo Trilogy, formado por Eddie Gómez, Alberto Medina y Pablo Prieto. Para el día 30 los clubes de jazz armaron conciertos y eventos especiales, como fue el caso de The Jazz Base, El Convite, el

Wayne Shorter

Herbie Hancock y Marcus Miller

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Eventos

Zinco Jazz Club, el Centro Cultural de España, el Film Club Café (20 hrs) y el Lunario del Auditorio Nacional, ello en la capital del país. A lo que se sumó la iniciativa del músico Abraham Barrera para donar material de jazz mexicano a la Sala de Música de la biblioteca Vasconcelos.

En el interior del país se sumaron Jazzatlan (Puebla), el Festival de la Riviera Maya (Cancún), JazzUV (Veracruz), Dada Club (Chiapas), el Jazztival (Michoacán), Guanatos Jazz Fest (Guadalajara) y el Festival de Jazz de Polanco (Ciudad de México); además de las transmisiones especiales de las estaciones radiofó-nica Horizonte Jazz 107.9 FM, Radio UNAM y Sólo Jazz de la Universidad de Guadalajara.

Síncopa que hermana, esa es el eterno legado de un estilo popular, libre te categorías y en constante evolución y experimentación creativa.

¿Por qué un Día Internacional del Jazz?• El jazz rompe barreras y crea

oportunidades para la comprensión mutua y la tolerancia.

• El jazz es una forma de libertad de expresión.

• El jazz reduce las tensiones entre los individuos, los grupos y las comunidades;

• El jazz fomenta la igualdad de género.

• El jazz simboliza la unidad y la paz.• El jazz refuerza el papel que juega

la juventud en el cambio social.• El jazz promueve la innovación

artística, la improvisación y la integración de músicas tradicionales en las formas musicales modernas.

• El jazz estimula el diálogo inter-cultural y facilita la integración de jóvenes marginados.

John Scofield

10

reseñas [ Libros, discos, vinilos, dvd... ]

Por Alejandro González Castillo @soypopesponja

Siempre fue una especie de genio, sin embargo pare-cía controlado bajo las leyes del britpop con Blur, su grupo seminal; después, al mando de Gorillaz y una consistente cantidad de colaboraciones y experimen-tos grupales, su mira musical alcanzó puntos deliran-tes. Hoy debuta como solista, y lo hace meditabundo. Acaso hay dos guiños solares entre esta especie de oscuridad melódica y armónica acompañada de una sobriedad rítmica que, acierto éste, bien podría ser ejecutada por un niño de cinco años de edad acom-pañado de sus juguetes. Desolación digital, anarquía robótica, tristeza futurista, introspección tecnológica, depresión interactiva; tantos son los conceptos que rondan en el aire tras escuchar esta maravilla. Pero uno vuelve, irremediablemente, al teléfono celular, a dar clics con los pulgares. Extraviados en nuestras entrañas, así andamos.

Everyday robotsWarner, 2014

DAMON ALBARN

La música que se manufactura en el Estado de México, esa tierra inasible, de horizontes nebulosos, es tan basta como la diversidad de estratos sociales que ahí cohabitan; del seco terregal a las frescas arboledas. Así que atrapar tal cantidad de rostros en un plato no es tarea sencilla, sin embargo acá hay un muestrario efectivo que va del jazz groovie de Le Monqué Spazzuah, al funk frenético de Bang Bang Piñata; del prog-metal de Rubik 1138, al etno-metal de Ocelotl; del techno pop de Orbinson, al surf-kitsch de Greengo; y de la esquizofrenia de Los Socios Dementes al híbrido tropical de Laberinto del Caos sin dejar atrás la psicodelia de Dr. Faust. El compilado se baja gratuitamente desde el sitio de Discos Pararrayos y se trata del primer paso de una caminata que planea ser larga. Pendientes al volumen II estamos.

Sonidos de casa Vol. IDiscos Pararrayos, 2014

VARIOS

clientes@gonher.com www.gonher.com

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Se formaron a inicios de los años noventa del siglo pasado en su natal España. Cuentan con cinco discos registrados en estudio donde la constante ha sido la certeza con la cual cohesionan los instrumentos básicos de la canción pop (guitarras eléctricas, batería, bajo, teclados y voces); asunto complicado. Se trata pues de un sexteto de mira lejana que, además, en sus letras muestra un interés por abordar, sí, la clásicas historias de amor y desgarro que por siglos han encantado a millares, pero desde una perspec-tiva donde el cinismo –más allá del desgarro- es bienvenido frecuentemente (“Emborracharme”, por ejemplo, apunta hacia esa dirección certeramente). Aquí se recomienda su álbum más reciente, trece temas que marcan los rumbos que el pop español lleva décadas perfeccionando con esmero.

ImprontaUniversal, 2013

LORI MEYERS

¿Cómo defi nir en unos cuantos renglones la música de Ernest Greene? Porque este estadounidense lo que consigue es generar un estado mental soleado, plácido, de lo más relajado. Se ayuda de sintetizadores análogos, un fl orido catálogo de percusiones, guitarras, bajo y voces fi ltradas por reverberaciones y delays de la más variada hondura, y el resultado fi nal es un collage de ritmos y melodías ideales para echarse en una hamaca. Presenciar en directo al talento de Greene merece otro texto, la relación que sostiene con su ingeniero de sala es tal que por momentos parece que Ernest está tras la consola y el de los audífonos se encuentra en el escenario. Concretando, ese plato es un buen ejemplo de cómo las herramientas aná-logas y las digitales pueden convivir de espléndido modo.

ParacosmSub Pop, 2013

WASHED OUT

Veinte años atrás, estos cuatro salvajes abrieron brecha a machetazos entre la espesura del rock nacionalista con ansias de internacionalización que entonces dominaba la radio. El grupo apostó por el garaje, el surf y el punk, por el desorden lírico y el desacato a las leyes de afi nación; claro, sin vergüenza de por medio. Tras cambios de integrantes, tropiezos y aciertos, el combo regresó a su alineación original y éste, su nuevo EP, anuncia que los músicos se encuentran en buena forma. Cuatro composiciones de espíritu rijoso, aunque con ganas de caer bien (atiéndase el ánimo pop de “Parálisis permanente” y el solo de guitarra a la Pixie de “Sístole/ diástole” para asegurarse) presentadas en, dice la leyenda, colorido vinil. Moraleja: jamás pasa el tiempo sin raspones; las canas, cuando se peinan bien, vaya que atraen a las chicas.

Por favor, calmantesSourPop Records, 2014

LOS ESQUIZITOS

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reseñas [ Libros, discos, vinilos, dvd... ]

Monitoresde escenario

A diferencia de los altavoces convencionales multifuncionales, el DVX DM es un altavoz desarrollado especialmente para uso como monitor de piso. La dispersión de sonido, respuesta en frecuencia y la presión sonora que desarrolla crean en conjunto, la solución perfecta para cumplir las necesidades de un músico en el escenario.

Están construídos en madera con una capa de abedul que los hacen muy robustos, las unidades están protegidas por una rejilla metálica, estos elementos le brindan un monitor que soporta el trabajo rudo que demandan las compañías de renta y los músicos.

Importado y distribuido por:Representaciones de Audio.Tel. 33 00 45 50 Fax. 33 00 45 69 E-mail: db@repdeaudio.com.mx

Datos acústicos• Resp. en Frec. 70 Hz – 19 KHz (+/-3dB)• Max SPL: 130 dB• Unidad de bajas/medias frecuencias: 2x8” neodimio con bobina de 2.5” RCF• Unidad de altas frecuencias: 1”neodimio con bobina de 1.75” RCF• Dispersión : 90x60/40

Datos acústicos• Resp. en Frec. 59Hz – 19 KHz (+/-3dB)• Max SPL: 132 dB• Unidad de bajas/medias frecuencias: 15” neodimio con bobina de 3.5” RCF• Unidad de altas frecuencias: 1.4”neodimio con bobina de 2.5” RCF• Dispersión :60x40º

Datos acústicos• Resp. en Frec. 68 Hz – 19 KHz (+/-3dB)• Max SPL: 131 dB• Unidad de bajas/medias frecuencias: 12” neodimio con bobina de 3” RCF• Unidad de altas frecuencias: 1.4”neodimio con bobina de 2.5” RCF• Dispersión : 40x90º

DVX DM12DVX DM28 DVX DM15

De venta en:D.F. Holocausto, Rolling Store, Audio Mundo, Leglyn, Sky Music, Puebla Sonic Center, Musical Fama Chiapas, JP Musical Monterrey, Backstage Yucatán, Veracrúz, Campeche, Electrónica González Sonora, Sinaloa, Baja California, Mariko Music Center

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entrevistas

Por Natalia Cano@Bikini_Bandit

La Santa CeciliaLa lucha inmigrante suena en “spanglish”

La historia de La Santa Cecilia comenzó hace siete años en la Plaza Olvera, un sitio

mítico en el centro de Los Ángeles donde las raíces mexicanas se sienten en cada rincón. Ahí, la cantante Marisol Hernández, el acordeonista José Carlos, el bajista Alex Bendana y el percusionista Miguel “Oso” Hernández se ganaron sus primeras propinas, acompañadas del aplauso de turistas locales y extranjeros que gustaban de sus versiones de canciones de Lola Beltrán, Consuelito Velázquez y Agustín Lara.

Además de degustar platillos típicos o com-prar artesanías, los visitantes aún pueden encontrarse ocasionalmente al cuarteto que, hasta hace un par de años aún recibía algu-nas monedas por su música, año también en que apareció su álbum Treinta Días, el cual se acreditó recientemente un Grammy en la categoría de mejor disco de rock latino, dejando atrás a bandas consagradas como Café Tacvba, Illya Kuryaki & The Valderramas, El Tri y Los Amigos Invisibles.

Con ritmos tan diversos como el blues, el rock, el jazz, la música regional mexicana, el son jarocho, el bolero y el funk, la música de La Santa Cecilia parece un iPod Shuffl e en reproducción. La voz de Marisol Hernández -”La Marisoul”- evoca a una poderosa Lucha Villa y a un canto aguerrido como el que caracterizó a la fallecida Mercedes Sosa. Su ADN inmigrante también forma parte de la propuesta artística de La Santa Cecilia con canciones como “Ice El Hielo”, cuyo título hace alusión a las siglas en inglés del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas, o su versión mexicanizada del clásico de The Beatles, “Strawberry Fields Forever” que dedica a los trabajadores de los campos en California.

Treinta Días, el álbum que les mereció el Grammy, fue grabado en 2013 en Steakhouse Studios y NRG Recording, en San Fernando Valley, California. El argentino Sebastian Krys, cuyos créditos incluyen cuatro Grammys Americanos, ocho Grammys Latinos y el haber trabajado con fi guras como Carlos

Vives, Luis Fonsi, Rabanes, Kinky, Ricky Martin y Shakira, fungió como el productor responsable. Es tanta la confi anza que éste depositó en La Santa Cecilia que fi rmó a la agrupación en su propio sello dis-cográfi co, Rebeleon Entertainment.

La mezcla del disco se realizó en The Big Top Studios y corrió a cargo de Mike Couzzi. Andrés Torres fungió como ingeniero adicional. Por decisión de Universal Music, en la edición mexicana del disco, el escucha puede apreciar canciones del trabajo señalado y otras pertenecientes a Someday New, el segundo trabajo discográfi co del cuarteto que vio la luz en marzo pasado. Además del legendario Elvis Costello, los músicos que participaron en la grabación de Treinta Días fueron: el baterista Pete Thomas, el guitarrista Andy Abad, el pianista y trombonista Jeff Babko, los bateristas Hugo Vargas y Lee Lewin, así como la guitarrista Gloria Estrada.

Pese a la cantidad de presentaciones que abundan en su agenda, los contratos que les han comenzado a ofrecer y el apoyo de la industria discográfi ca, para estos músicos sigue siendo importante repartir su tiempo tocando en otras bandas, dando clases de música e, incluso, regresando a sus orígenes: la calle.

¿Cómo es el proceso de creación en La Santa Cecilia?Marisol: “Es como estar en la cocina. Al principio yo llego con una letra o Alex trae una canción, luego cada quien le mete de su inspiración y siempre actuamos en benefi cio de la música. ¿Qué es lo importante? ¿Cómo podemos divertirnos con ello? Porque la cosa es sentirse joven, disfrutarlo, nos gusta echar desmadre con la música, con los ritmos, empezar de una forma, experimentar”.

Por la cantidad de invitados, ¿cómo trabajaron la graba-ción de Treinta Días?Marisol: “Conocimos a Claudia Brant que es una reconocida compositora argentina y eso para Treinta Días nos ayudó muchísimo. De ella aprendimos a tener disciplina. Fue muy bonito trabajar con ella, aunque al principio tuvimos que adquirir cierto rigor y a dominar nuestras inseguridades y saber que había mucho que aprender. Ninguno de nosotros pensamos: “¡Ay nosotros sabemos mucho o queremos imponernos uno al otro!”. ¡Hay tanto que aprender de cualquiera! Eso es lo que nos mantiene unidos como banda”.

Rabanes, Kinky, Kinky, Kinky, fungió como el Cómo es el proceso de

entrevistas

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entrevistas

¿Qué papel juega Sebastian Krys en La Santa Cecilia? Él ha contribuido en gran medida al sonido del grupo y le ha impreso prestigio al proyecto. Oso: “Lo conocimos porque pertenece-mos a BMI, en Los Ángeles. Hace un par de años hicieron un showcase donde Marisol y Gloria Estrada (la ex guitarrista de La Santa Cecilia) fueron invitadas por Marisa López, que era la encargada de ver al talento latino en BMI. Sebastián escuchó cantar a Marisol y tocar a Gloria, y se acercó a ellas”.

Marisol: “Recuerdo que en la audición había mujeres muy bonitas, casi todas cantantes pop. Pensábamos que no teníamos ninguna posibilidad de quedarnos, que nuestro estilo no gustaría. Le entregamos un demo a Sebastian, pintado a mano, muy artesanal. En ese entonces tocábamos mucho en “La Cita”, y él iba a vernos tocar hasta que por fi n pudimos grabar con él. Al principio, a él le costaba un poco de trabajo tratar de entender nuestro concepto: pensaba que éramos una banda de rock, luego que éramos un grupo de regional mexicano, pero más alternativo”.

“Un día nos dijo: «Vamos a grabar algo». Nosotros no estábamos muy

convencidos, éramos una banda independiente, y queríamos seguir haciendo todo nosotros. Trabajar con Krys nos ayudó muchísimo, sobre todo a enfocarnos en el music business”.

Oso: “Uno no piensa en que es posible ser independiente con un productor y con una disquera grande. Pero la verdad con Sebastian nos tocó mucha suerte, él nos ha dado mucha libertad en la música, y nos ha enseñado mucho sobre lo que es escribir canciones, enfocar las ideas, yo creo que a nosotros nos ha benefi ciado 100 por ciento trabajar con Universal Music y con Sebastian porque nos han dado carta abierta a todo, no nos limitan para nada”.

¿Cómo llegaron a Elvis Costello? Marisol cantó a dúo en el tema «Cinco minutos con vos», de su disco Wise Up Ghost, y luego él grabó “Losing Game”, incluida en Treinta Días.Marisol: “Con Sebastian compartíamos ese amor por la música de Elvis Costello. Sebastian lo conoció una vez, en una fi esta de los Grammy, le mandó nuestra música y le gustó. Buscó más en YouTube, y cuando estábamos haciendo “Losing Game”, Sebastian le mandó las maquetas y Costello decidió grabar la canción. Es una persona bien

linda, un músico sin pretensiones, nos gustaría llegar a su edad y hacer la calidad de música que él hace”.

En México recién salió Treinta Días, pero en Estados Unidos acaban de lanzar Someday New, su segundo álbum en estudio. ¿qué proponen, musicalmente hablando, en esta nueva entrega?Oso: “Lo grabamos al mismo tiempo que Treinta Días. Ésta era una especie de presentación de lo que es La Santa Cecilia, una banda bicultural de Los Ángeles, California. Someday New representa un camino más abierto para regresar a nuestras raíces más puras, latinoamericanas. Hay cumbias, hay son jarocho, hay un poco de jazz; es abrir el árbol de la Santa Cecilia para que tenga más ramas, y nos gusta compartir la música. Algunas de las canciones están en la compilación de Treinta Días. Nos gusta porque podemos estar presentes”.

Marisol: “Hay canciones de Someday New que están en Treinta Días, porque para la aparición del disco en México, se trata de una recopilación de ambos discos”.

Sin duda un compilado que se agradece; música para abrir los oídos y ampliar el concepto de la palabra migrante.

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Xxxxxxxxx [ Xxxxxxxxxxx ]

Por Xxxxxxxxx Facebook: xxxxxxxx

Entrevistas

Alejandro González Castillo@soypopesponja

Del jam al estudioPara el trío, todo comenzó en un palomazo que tuvo lugar en la colonia Roma, DF. Desde entonces, nacieron canciones que eventualmente, en formato de demo, escucharía Hernan Hecht, quien fi nalmente terminaría produciendo Amaranto, el disco debut del combo. “Hernan le dio una vuelta de tuerca a nuestro sonido en el estudio –explica Verónica- cuando nos hablaba de temperaturas. Desde la primera vez que nos vimos planteaba términos como calidez y frialdad, así como maldad y crudeza. Todo lo grabamos en el estudio que él mismo montó en su casa y le dimos luz verde para que se metiera hasta donde quisiera sin alterar la esencia que ya traíamos. Finalmente, tocó baterías bajos e hizo voces, además de mezclar el disco”.

“Caímos en buenas manos –prosigue Valerio-. Porque cuando yo empecé a grabar cosas, Hernan me corregía respecto a que no estaba interpretando tal como lo había hecho en el demo que le mostramos, pues estos cambios movían, por ejemplo, el contrapunto que él había generado con su tarola en determinado compás. Él tenía perfectamente claro lo que hacía, se clavó mucho en nuestra música”. Pese a que las maquetas no fueron grabadas en un estudio profesional, determinados fragmentos de éstas funcionaron bien en los tracks que fi nalmente se quedaron en el disco, a pesar de su imperfección en

cuanto a ejecución. Esto ocurrió debido a que tanto el grupo como el productor prefi rieron apostar por la intensión en lugar de la perfección cuando esto fue necesario.

Intención bajo el oído del productorDada la fusión de cadencias que los músicos aprovechan, algunos temas de su plato debut resultan un tanto difíciles de ejecutar, es Quique quien habla de la complejidad rítmica de “Águila o sol”: “tuvo ciertas difi cultades, sí; porque está en 3/4 pero la guitarra va en 6/8. A mí me costó trabajo amarrarme al clic. Tras tocarla muchas veces lo conseguí”. René continúa: “esa canción tiene algo de son. Y a Verónica no le cuesta tanto trabajo darle porque es veracruzana, viene de allá, pero para mí fue uno poco complicado. En ese sentido, “Guitarra de porcelana” fue difícil de trabajar también; Hernan me decía que los acentos que yo hacía con mi instrumento sonaban a ska y hubo que modifi carlos. Incluso en algún momento me regaño por no llegar estudiado a la sesión”. Es la cantante quien puntualiza “a estas alturas, consideramos a Hetch como nuestro cuarto elemento, esa es la verdad. Quedamos tan contentos con su labor que ya tenemos apalabrado hacer el siguiente disco con él”.

Respecto a las letras de los temas, es la autora quien defi ne sus alcances: “todas las canciones hablan de un espíritu infantil e inocente en mi vida. La idea es que cuando

dentro de uno todo está bien, afuera sólo existen fl ores. Y así fue como pinté mis composiciones esta vez. Trazar y revisar los textos con Hernan fue verdaderamente catártico para mí, porque me sentaba a platicar por horas con él y casi siempre terminaba llorando. Esto, lejos de ponerme tensa, me hacía bien; llegaba a mi casa muy relajada, liberada. En ese camino, fue todo muy rico, una experiencia tremenda”.

“Tocar” con la músicaPero, ¿cómo reacciona el público ante la propuesta de Playa Magenta? La encargada del arpa es quien responde: “el proyecto atrae a niños, curiosamente. Tenemos una fan de cuatro años que canta las canciones e, incluso, gracias a nosotros ya comenzó a tomar clases de arpa. Castro remata: “a mí me sorprende la reacción de la gente ante nuestras canciones. He hecho música toda mi vida pero esta banda es distinta, noto que el público reacciona de un modo especial, siempre positivo, y eso me gusta mucho, por eso le tengo tanta fe a lo que hacemos. Queremos salir de gira fuera de México, ir a otras partes del mundo, llevar nuestro rosa mexicano contemporáneo a varios lugares. Mantenernos haciendo música. No nos importa la etiqueta que nos pongan, que eso lo haga un musicólogo o algún periodista; nosotros ya estamos pensando en hacer pronto un nuevo disco. Finalmente esa es nuestra labor, crear música, no más”.

Playa Magenta.Rosa mexicano contemporáneo

Quique Castro (marimba), René Torres (guitarra, violín y jarana) y Verónica Valerio (arpa, viola y voz) conforman Playa Magenta, un grupo cuyo aleación sonora algunos se aventuran a etiquetar como trip folk;

aunque, según sus propios artífi ces, se trata de música con “mucho rock, pero que también contiene décimas y sextetos de son jarocho y, en otro carril, se asemeja al electro pop. No somos puristas. En realidad no existe rigidez en cuanto a rimas folclóricas ni a estructuras pop. Hablamos de paisajes, sensaciones y estados anímicos. Por ejemplo, solemos cantarle a un pájaro como analogía del estado libertario del alma”.

Entrevistas

/behringer/inovaudio@behringer www.behringer.comwww.inovaudio.mx

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Entrevistas

Por Víctor BaldovinosFacebook/VictorBaldovinos

Elizabeth Shepherd: jazz desde MontrealE scuela canadiense. La llegada de Elizabeth Shepherd a la vida

jazzística confi rma que sigue surgiendo talento inagotable del país franco-sajón. La dulce textura vocal de Shepherd, sus composiciones rítmicas y un toque de minimalismo hicieron que su primer CD, Start to Move (Do Right Music, 2006) fuera nominado al premio Juno (el Grammy canadiense).

Hoy, seis discos después, la “reina Elizabeth” visitó México para promover su próxima sesión de conciertos The Signal Tour para el cual se acompaña de quinteto y de ello habla con music:life y ampliar los por qué del gusto por virtuoso pop jazz.

The Signal, con buen presagio “Me gustaría describir este álbum como el más am-bicioso de mi carrera, en el sentido de que, cuando aprendes y envejeces, adquieres más experiencia. The Signal condensa una visión: mantener la música de principio a fi n, sin cortes; evocar esa especie de viaje al que accedía el escucha cuando pone un Lp: los álbumes con A mayúscula, dos caras del plato”, defi ne y ahonda, “esa visión fue lo más importante del proceso creativo. Para mí los años setenta fueron tiempos de experimentación que incluían esto y lamento mucho que hoy el mp3 reduzca una vivencia así con piezas sueltas por aquí y por allá. La idea fue alejarse de eso y regresar un poco a mantener cierto tipo de sustento cohesivo”.

La travesía. “Soy un tanto a la antigua y no tengo mucho tiempo de explorar softwares”, admite Elizabeth, “me gustan más las cosas fáciles de usar. En casa uso el programa Apple Logic porque me lo dieron el día que mi hermano me regaló mi primera computadora Mac. Para hacer los arreglos, el Logic es grandioso porque puedo cortar cosas, pegar, mover y muchas veces el arreglo es el resultado de replantear la pieza. Tengo el contra-bajo y la batería en vivo. Luego juego un poco con ellos, para después reaprender el tema basado en todos los cambios que hice durante el arreglo”.

Enigmática densidad. “Fue muy importante elegir músicos sensibles porque si tienes trompeta, guitarra, teclados, bajo y batería, todo se va escuchar muy lleno, al punto de convertirse en una cacofonía; por eso, en determinadas partes del arreglo fui muy específi ca con lo que quería del bajo; al baterista le solicitaba un beat y que lo mantuviera simple; a la guitarra ciertas notas y acordes”. Y, refl exiona: “a veces, me siento mal con mis compañeros músicos porque son jazzistas y les gusta improvisar pero, aunque sí hay espacio para ello, también lo he fi jado a algo estructurado”.

Exigencia creativa“Pienso que improvisar requiere de cierta libertad, dejarse ir. Mientras estés generando un sonido,

no puedes prejuzgar cómo va escucharse porque si eso pasa no estás liberando la improvisación”, y establece: “debes ser consciente de que habrá errores, que intentarás algo sin la certeza de que quede bien. Es una forma de abordar la improvisación. Diría que es importante contar con un acercamiento más cerebral, como cuando estás conociendo un idioma y quieres romper sus reglas, ¡lo primero es aprenderlo! Siento que con la música es igual: debes entender los acordes, las armonías, el lenguaje y después podrás moverte fuera de él y disponer de lo que tienes en los dedos; pero solamente si sabes”, dice sonriendo.

“Mi hija cumplió dos años y medio, así que empecé a escribir el material al fi nal de mi embarazo y durante el año y medio siguiente. Cualquiera sabe que no tienes mucho tiempo para ti, por eso este disco fue compuesto en pequeños, directos y considerados lapsos de tiempo. Y de ahí que contenga un propósito real. Siento que otros podrían doblarse ante la presión de forzarte a ser creativo en esas condiciones. Yo lo encontré muy útil porque me obligó a enfocarme”.

El rastro de la señal“El disco no es terriblemente optimista pero sí quería que tuviera algo de esperanza”, precisa: “la razón por la que estoy refl exionando en este sentido es para que podamos mejorar porque todavía podemos hacer algo. El fondo es un poco denso, en términos de contenido pero se refl eja muy bien con la música”.

La estrella se presentó con éxito en la Ciudad de México (Foro del Tejedor, Zinco Jazz Club y Horizonte FM), Puebla (Mendrugo, Breve Espacio) y el Music Village de Ciudad Satélite (Estado de México) y prometió volver en otoño: “sinceramente, aquí me siento conectada porque verdaderamente percibo que hay en el público una mente abierta para mi música”, valoró Elizabeth para concluir.

Una verdadera reina.

Herramientas del pop jazz de maple Sintetizadores: Nord Piano; Moog Little Phatty Stage II (tres octavas).Micrófono: Audio-Technica (headworn).Software: Apple Logic.

De Start a Signal, los discosStart to Move (Do Right Music, 2006).Besides: Remixes & B-Sides (Do Right Music, 2007).Parkdale (Do Right Music, 2008).Heavy Falls The Night (Do Right Music, 2010).Rewind (Linus Entertainment, 2013).The Signal (Linus Entertainment, 2014).

Grabaciones en vivo de repertorio tradicional

italiano y mexicano

www.urtextonline.com

Tenor Javier Camarena @tenorjcamarena

@soypopesponjaPor Alejandro González Castillo

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Son tres y vienen de Colombia. Jorge Galeano (contrabajo, bajo y voz), Daniel Álvarez (guitarra) y Andee Zeta

(batería). Y es el primero quien describe como toca el trío: “nos han comparado con los Black Keys y los White Stripes, pero no estamos del todo de acuerdo. Porque nuestra onda es el garaje y el blues, pero lo más importante es hacer buenas canciones, sólo eso. Básicamente nos juntamos a tocar porque queríamos hacer una banda de rocanrol bien puerca, y lo logramos”.

Un poco de historia y contexto del combo,por favor. “Llevamos apenas un par de años, pero tenemos un historial detrás de mucho tiempo. Yo hice un disco con Andrew Loog Oldham (productor y manager de los Rolling Stones), quien trabajó con Bob Dylan y The Beatles, una leyenda; el guitarrista tocaba con Complot, un rock alternativo muy chévere; y el baterista tocaba con Diva Gash. Empezamos a ensayar y la gente se interesó en nuestra música sin afanes comerciales ni nada, pues sólo hacemos música con alma punk y fuerza bluesera. Nuestro disco, Diamante eléctrico, lo grabamos en seis días, completamente con sistemas análogos y, de hecho, construi-mos nuestros propios amplifi cadores para ello, a mano. Nos pusimos a soldar circuitos buscando replicar ciertos modelos, pero implementándoles nuestro estilo. Salieron bien los amplis”.

¿Qué tan complicado fue grabar con modos análogos? “La máquina con la que grabamos la tenía un amigo, él era el único que contaba con una en Bogotá, era Ampex. De ahí mandamos las cintas a Nashville, a la mezcla. El disco lo graba-mos apenas dos meses después de que comenzamos a ensayar. Ni siquiera nos habíamos presentado en directo jamás. Claro, el álbum tiene errores porque no editamos casi nada. Se hizo todo con un espíritu muy punk; diez canciones sin complicaciones. Primero grabamos batería y bajo, luego encimamos guitarra, teclados (Rhodes y Vox Continental) y voces. Por otro lado, no usamos clic porque nos gusta bajar y subir el ritmo en directo, dependiendo de los matices que sugiera cada tema. La más dura de grabar fue “Matar a un hombre muerto”, porque empieza con unos delays que manejamos desde el piso, entonces teníamos pocas posibilidades de error. Para grabarla, hicimos una intro de ambiente como de media hora, checando los repeats para controlar ese delay en los picos más altos. Finalmente conseguimos un álbum donde el fuzz y la reverberación están

todo el tiempo hasta arriba. Creemos que no importa tanto la producción, sino el sonido que arrope a las canciones. Somos una banda muy apegada al blues, al folk. Por eso grabamos las baterías a la antigua, con un overhead, un micrófono más para el bombo y un último para la tarola y contratiempos”. Con tan pocos micrófonos,¿se complicó la mezcla del disco? “Sí. Por ejemplo, el ride está todo el tiempo presente y al cortarle las frecuencias medias a ese plato haces a un lado la esencia del sonido “fuzzero”. Quizá eso ha sido lo más complicado de

trabajar en el estudio y en la post producción; no tener micrófonos para cada platillo para así editar independientemente cada cual”.

Abunda

respecto a la construcción de sus propios amplis. “Pues un día nos pregunta-mos: ¿qué pasa si inventamos

de verdad nuestro propio

sonido y construimos nuestros propios

amplifi cadores? Así, por ejemplo, no usamos pedales

de efectos, exceptuando el fuzz; todos los matices y panoramas

sonoros que usamos son producto de manipular las perillas del amplifi cador.

Para manufacturar nuestro propio equipo usamos speakers Celestion (uno inglés y otro

americano) para así lograr un cruce entre Vox y Fender”.

¿Y qué tal en directo, qué tanto improvisan y se raspan las rodillas?

“Disfrutamos mucho la interacción entre nosotros. Lo chévere de ser un trío es eso, que es posible crear dinámicas pues existen muchos huecos por llenar, algo que no pasaría si hubiera otro guitarrista o un tecladista. El espectro sonoro se amplía y por eso improvisamos muchísimo”.

(productor

),

. Empezamos a ensayar y la gente se interesó en nuestra música sin afanes comerciales ni nada, pues sólo hacemos música con alma punk y fuerza bluesera.

Diamante eléctrico, lo grabamos en seis días, completamente con sistemas análogos y, de hecho, construi-mos nuestros propios amplifi cadores para ello, a mano. Nos pusimos a soldar circuitos buscando replicar ciertos modelos, pero implementándoles nuestro estilo. Salieron bien los amplis”.

Qué tan complicado fue grabar con modos

cada cual”.

Abunda respecto a la

de verdad nuestro propio

sonido y construimos nuestros propios

amplifi cadores? Así, por ejemplo, no usamos pedales

de efectos, exceptuando el fuzz; todos los matices y panoramas

sonoros que usamos son producto de manipular las perillas del amplifi cador.

Para manufacturar nuestro propio equipo usamos speakers Celestion (uno inglés y otro

americano) para así lograr un cruce entre Fender”.

¿Y qué tal en directo, qué tanto improvisan y ¿Y qué tal en directo, qué tanto improvisan y ¿se raspan las rodillas?

“Disfrutamos mucho la interacción entre nosotros. Lo chévere de

“Construimos nuestrospropios amplifi cadores”

Las joyas brillan con:Guitarras: Les Paul y Fender StratocasterBajos: Rickenbacker, Fender Jaguar y HöfnerAmplifi cadores: Ampeg y Fender Twin ReverbBatería: Tama, Mapex y Yamaha con platillos Sabian y PaisteMicrófono: Telefunken M 80

P A L A B R A S M Á S P A L A B R A S M E N O S

Por Alejandro González Castillo

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¿Hay que presentarlo? ¿O mejor que lo hagan las líneas

de bajo que crean un puente en “Antes de que nos olviden”, o las que generan el pulso vital “Viento”? O, aguarden; ¿lo ideal es que las figuras graves de “La célula que explota” nos digan a quién tenemos hoy como invitado?

¿Escuela de música o escuela de la vida? “Un híbrido de ambas me viene bien, aunque, siendo sinceros, en mi caso no aplica. Mira, propongo un 40 por ciento de teoría y un 60 por ciento práctica, mejor. Porque existen cosas que la academia jamás te enseñará; sólo se aprenden en el roll, así que un balance entre las dos es lo más chido”.

¿Recuerdas cuál fue la primera canción que escribiste?“La primera canción que toqué y canté al mismo tiempo fue “Gioco di bimba”, de Le Orme, a partir de eso pensé que sí podía tocar y cantar simultáneamente lo único que requería era un poco de cinismo para hacer mis propias canciones. Así salió mi primer tema, muy chistoso: “Sólo quiero verte”, el cual hice con guitarra y voz, a los doce años. Me acuerdo perfecto. Aún me gusta, no sé si sea bueno pero así es. Me suena pomposo componer; yo invento canciones. A la larga, durante toda mi vida lo he hecho, y al final descubro que todo eso se encuentra en un disco que edité bajo el nombre de Los Fingers, con rolas de hace treinta años que encontré en un demo, con ellas cierro el círculo”.

¿Existe alguna composi-ción que te gustaría robar?“Dear god”, de XTC. Viene en Skylarking, un disco de 1986. Un fenómeno. Es una canción que no sé si me gustaría robar, pero al

escucharla me pregunto por qué no se me ocurrió hacerla a mí”.

¿Alguna vez has extravia-do un instrumento? “Fue espantoso. Me robaron todos mis efectos, varios pedales de Electro-Harmonix, mis cosas de los ochenta. También me robaron mi primer bajo, un Blessing que me regaló mi papá con placa de queso de puerco. Un instrumento barato, pero el pri-mero que tuve, con el que aprendí a tocar. A la larga conseguí que sonara como si fuera un bajo muy caro y un buen día no lo encontré. Terrorífico. Francamente no lo he superado. Con los años he formado una colección muy padre de instrumentos, pero me falta ése. Sería el más barato de todos, pero bueno, de él salió todo lo que soy”.

¿Existe algún instrumento que te gustaría aprender a tocar? “El theremin. Me gustaría dominar esa cosa. Un instrumento que jamás tocan tus manos está más allá de mi entendimiento”.

¿Miras con recelo a algún tipo de músico en especial?“Hay cierto tipo de colegas que viven con un resentimiento muy grande. No sé si es porque creen que la vida no les ha hecho justi-cia o porque no llegaron adonde pensaron que lo harían. Pero tienden de pronto a ser agresivos. Cuentan con un comportamiento muy raro, voy a llamarlo así para que nadie se ofenda: pero es una especie de músico muy fácil de distinguir. Yo percibí eso desde muy chavo, cuando una parte de la escena nacional del jazz no me quería porque me consideraban el rockerito que tocaba con los Toussaint, mis amigos y amores. Claro, yo hacía discos con Beto Delgado, Gerardo Batiz y Héctor Infanzón, músicos

increíbles, pero tocaba “La negra Tomasa” y pensaban que no me lo merecía porque no venía de Berklee; sino de prácticamente estar chemeando en Santa María La Ribera. Hay una parte del gremio que está resentida, y yo no puedo hacer nada al respecto. Soy estúpidamente feliz y estoy satisfecho con lo que he hecho con mi vida y lo seguiré haciendo hasta que me llevé la chingada”. ¿Cuál es la parte más complicada de tu labor como músico? “Para mí, tocar es volar. Cuando termino, es como si me acabara de tirar de un bungee. Es un catalizador imprescindible en mi vida. Casi nada que tenga que ver con la música me ha generado conflictos. En los mejores momentos de mi vida y en los más pinches siempre ha habido música. Pero la logística es mi pesadilla desde hace treinta años, el estrés que genera organizarlo todo es horrible”.

¿Cuál es tu instrumento favorito? “La guitarra acústica. Por encima de todos los demás”.

Para terminar, ensambla la agrupación de tus sueños.“He tenido la fortuna de conocer a músicos que he admirado toda mi vida, y siempre me quedo con la impresión que tenía de ellos antes de tratarlos -porque luego descubres que son más mamones de lo que habías imaginado-. Afortunadamente soy músico, pero también fan. Y claro, me encanta soñar, pero prefiero quedarme en lo terrenal. Ya existe el grupo de mis sueños, se llama Caifanes. Siempre quise tener un grupo así, configurado de esa manera, desde niño. Para mí, Caifanes conjuga un nivel ideal de estrés, perfección, amor y odio”.

Sabo Romo

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Producción [ Instrumentos ]

D’Addario Cuerdas para bajoFlex Steels EFX170

Indicadas para bajo eléctrico, las EFX170 son fl exibles y permiten ampliar los tonos profundos al pisar éstas con los dedos en las variaciones de slap y fi nger-style. Su

fabricación y elección de materiales pre cede la defi nición de una media entre los calibres más usados en diversos estilos, lo que amplía la versatilidad para el ejecutante.

Distribuidora Gonher | (55) 9152 4600www.gonher.com | www.daddario.com

Korg | Sintetizador | KingKorg Inspirado en dos de las máquinas de sinte análoga MS-20 y Mono/Poly, el KingKorg sacia el gusto por transformar el sonido, alterándolo con fi ltros de modelado y osciladores ya sea para uso en vivo o en casa. Cuenta con 61 teclas, tres secciones de efectos maestros (cada

uno con seis opciones de variación); armónicos y distorsión y un panel rediseñado para amenizar el trabajo de programación. Se le pueden añadir librerías de sonido de programas externos y ofrece salida CV/GATE OUT para agregar un Korg MS-20 o monotribe.

Hermes Music | (55) 5547 2111 www.hermes-music.com.mx | www.korg.com

Radial EngineeringRuteador de efectos

y amplis para guitarristas Twinline

Pesadilla para algunos guitarristas ha sido controlar los efectos de su pedalera y los que aplican desde el amplifi cador, ni hablar si usan dos gabinetes. Pues se acabó el problema pues el Twinline es un ruteador que permite elegir entre los efectos del panel de tu ampli y “switchearlo”, cuando lo requieras, a otro. Su juego de conexiones para conseguirlo son dos para enlazar los amplis a

través del efecto de loop, cada uno con entrada y salida tipo jack de ¼” con su propio control de nivel; y una tercera de envío/recepción de efecto de loops

para añadir la pedalera (jack hi-Z de ¼» ó XLR jack lo-Z balanceada).

Vari Internacional | (55) 9183 2700www.varinter.com.mx | www.radialeng.com

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Orange PC con altavoz

y amplifi cador para guitarraOPC Series

Aclamados en su lanzamiento hace cuatro años, esta familia añade tres nuevo modelos que simplifi can en extremo la práctica y ejercicio composicional para los guitarristas con espíritu geek pues añade un combo de programas para ejecución,

grabación, playback y edición de audio y sí, video, directo al ordenador.

Tres son los nuevos integrantes de la gama: OPC Studio (Intel i5 Processor, 4GB RAM), OPC Professional (con Intel i5 Processor y 8GB RAM) y OPC Ultimate (con Intel i7 Processor y 16GB RAM) y vienen con procesador

de cuarta generación Intel Core, tarjeta dedicada de memoria para gráfi cos y software base Windows 8, más los favoritos para el trazado de riffs: IK

Multimedia, AmpliTube 3; PreSonus Studio One (Orange Edition); Acoustica Mixcraft 6; Toontrack EZdrummer Lite y LickLibrary Guitar Lesson Center.

De la amplifi cación se encargan sus altavoces JBL Studio y para el tratamiento de archivos de audio externo disponen de entradas universales para conectar

instrumentos - guitarras y teclados- así como las apropiadas para añadir reproductores MP3 y puertos USB. Le han incrustado también un sistema de refrigeración para

mantener los niveles de temperatura ad hoc a las circunstancias de su uso.

Casa Veerkamp (55) 5709 3716 www.veerkamp.com | www.orangeamps.com

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Producción [ Instrumentos ]

Meinl CymbalsPlatillo Crash Byzance Vintage Trash CrashDisponibles en 16, 18 y 20 pulgadas, esta gama de platos crash están hechos en bronce B20 y son las variaciones de sus orificios sobre la superficie los que acentúan la onda sonora generando el clásico tono trashy de notable profundidad. Perfectos para sets de pop, fusión, jazz, funk, reggae, R&B, world y electro. Además su acabado en arena opaco sobresale para capturar miradas.

Distribuidora Gonher(55) 9152 4600www.gonher.com www.meinlcymbals.com

On Stage StandsPedestal doble para teclados KSA7550 Para convertir una estación de teclados individual en una de dos, bastará añadir éste aditamento que presenta un sistema interno de sujeción para empotrarlo. Se ajusta a lo largo y es el complemento perfecto para el popular modelo KS7350 Folding Keyboard Z-Stand tan ampliamente socorrido en las listas de equipo de las compañías de renta de backline.

Representaciones de Audio | (55) 3300 4550www.repdeaudio.com.mx | www.onstagestands.com

GibraltarPedal doble para bombo 6711DBConcebido con el sistema de doble cadena y mazo bitonal, el 6711DB satisface al baterista que requiere respuesta rápida y precisión que logre la contundencia sónica al golpear el bombo. Devela el diseño fast touch patentado por la firma. Viene con dispositivo de anclaje al bombo y cubierta antideslizante.

Casa Veerkamp | (55) 5709 3716www.veerkamp.com | www.gibraltarhardware.com

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Producción[ Instrumentos ]

Yamaha Guitarra acústica

LL6Referente de la marca nipona, luce el diseño tipo grand auditórium, construida

con cuerpo tipo Dreadnought, tapa sólida en pícea y palosanto en la parte trasera y costados, mezcla de maderas recrean un sonido suave, que enfatiza

las frecuencias medias lo que la hace perfecta para su ejecución con púa.

Yamaha de México | (55) 5804 0600www.yamaha.com.mx

DigitechProcesador de efectos para vozVocalist LiveFXCompatible con Mac y PC, las ventajas de este equipo para transformar la voz se observan en la simplicidad con la que permite hacer la edición de los samplers incluidos en su galería, como los añadidos de forma externa. Perfecto para actuación en vivo o en estudio, ofrece efectos como armonizador, pitch, distorsión, filtro, modulado, retardo y reverberación, así como looper de 70 segundos.

Hermes Music | (55) 5547 2111www.hermes-music.com.mxwww.digitech.com

DiMarzioPastilla para bajo ULTRA JAZZ DP149

Líneas de bajo funk son aquellas que de sonido “gordo”, que denotan profundidad. A ello se avocó la fabricación de estas pastilla que, además, ofrece cancelación de ruido. Se le puede añadir individualmente (en posición de brazo – puente) o bien en par. Desde luego es el complemento perfecto para los modelos Jazz Bass y para los obsesionados por generar sonidos vintage y modernos, a partir de una reproducción natural y definida en rangos dinámicos y respuesta de frecuencia.

Yamaha de México | (55) 5804 0600www.dimarzio.com.mx

Producción

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[ Gadgets ]

Line 6 | Controlador | Mobile Keys La marca lo llama el complemento perfecto para trabajar con los productos de Apple iPad, iPhone y también en PC. Sus 25 teclas ultra sensibles facilitan el fl ujo de trabajo para programar y editar los sonidos mediante apps para CoreMIDI, GarageBand o tu estación DAW. Plug & play es lo que se requiere, tal cual. El resto, darte vuelo con sus controles para pitch, smooth-action, volumen, paneo, octavador y sistema de asignación de funciones vía perillas, pedal y su Mod wheel. Tiene entradas TRS (x2), USB y jack plug.

Yamaha de México | (55) 5804 0600www.yamaha.com.mx | www.line6.com

SamsonControlador | Graphite MF8 USB MIDI Un estudio portátil para pre producción musical, con ocho canales editables por separado. Se añade directo a la iPad para incrementar la creatividad mediante aplicaciones y la confi guración de su codifi cador maestro a través de cinco perillas asignables y crossfader. Incluye gratis el software de edición Graphite Editor. Se carga mediante puerto Mini USB (cable incluido) y USB.

Hermes Music | (55) 5547 2111www.hermes-music.com.mx | www.samsontech.com

Pioneer Electronics Audífonos | SE-MX9Los llaman Superior Club Sound y son el modelo de gama alta que presenta Pioneer con drivers de 50mm de diámetro, empotrados en capuchas de aluminio resistente, herencia directa de las orejeras HDJ-2000 con las que DJ’s de estirpe arman raves alrededor del mundo. Confortables, su diadema se ajusta natural a la cabeza sin perder estabilidad e incluyen cable removible 1.2m en forma de “D” con micrófono y control remoto para atender llamadas al iPhone, iPad o iPod touch.

Pioneer México | www.pioneer-mexico.com.mx

Producción

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[ Apps ]

50in1 PianoUna combinación de teclado con 50 instrumentos virtuales de alta calidad sonora, son la base de esta app para

crear composiciones originales. Es también un tutorial para aprender a tocar el piano (en 100 lecciones),

procesador de efectos en tiempo real, looper e interfaz de audio. Con soporte

de hardware MIDI, permite trabajar con Akai SynthStation 25, Line 6 MIDI

Mobilizer I & II, iConnectMIDI, iRig MIDI, Yamaha i-MX1, Alesis IO Dock (sólo MIDI ) y cualquier dispositivo

Core MIDI. Precio: 99 dólares

MusicStudio 2.0

Listo para trabajar con iPad, iPhone y iPod Touch, ofrece un teclado de 85 teclas, galería de instrumentos (118 en total, captura dos con calidad de estudio a 16 bits, 44.1 kHz) más

secuenciador de 127 pistas, función de edición de notas, efectos en tiempo

real y pads para programación de percusiones. Permite grabación de

sonido vía micrófono externo; así como importación de archivos y compartir éstos en línea. Precio: 199 pesos

Pianist ProPiano virtual con 88 teclas cuenta con

Looptical Music Studio para grabar y añadir recursos MIDI, periféricos

como sintetizadores vía CoreMidi USB o la interfaz MIDI Mobilizer. Además de su galería de efectos cuenta con

arpegiador y batería electrónica, así como función para vibrato y fi ltro low-pass. Precio: 65 pesos

Producción [ Home Studio ]

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Filosofía: Baterista, guitarrista, productor e ingeniero de audio, Boscop Benavente es pilar de la banda Quiero Club y production manager de Pato Machete. Convencido de que en materia de audio hay que explorar tantos mundos como sea posible -la composición y la producción, en su caso- su inquietud ha sido la exploración sónica desde el 2001 cuando estu-dió acústica en Monterrey. “Mi sueño era tener una sala de ensayo, la cual tuve con mi primer banda, pero era frustrante que terminando de ensayar ya no tenía acceso a los instrumentos. Empecé con una guitarra acústica y un practi-cador de tarola y con el tiempo acondicioné el cuarto de servicio de la casa como sala de ensayo, ahí fue cuando comprendí que una plataforma de grabación me permitiría capturar lo que empezaba a suceder en el ensayo. Luego me hice de una Tascam de 4 tracks, un micrófo-no Shure SM 57 y un teclado Yamaha DX7. Después adquirí una Mac G4”.

“Hoy el reto mas grande es conciliar el mundo de audio en vivo con el estudio, por eso me di un tiem-po para trabajar en vivo: como stage manager, drumtech, ingeniero de monitores, de sala y como production manager de bandas como Plastilina Mosh, Zoe, División Minúscula, Volovan, Jumbo, Sonidero Nacional, Vaquero, Cartel de Santa, Inspector y Kinky; a la par de ser parte de Quiero Club, lo que me permitió realizarme como productor e ingeniero de mezcla”.

“Para mí el tratamiento de audio implica ser auténtico sónicamente. Me encanta el diseño de sonido y mi sueño es hacer para cine. Desde un punto de vista muy romántico, considero que con cualquier cosa puedes generar música, es por eso que en casa tengo lo más básico para capturar y programar, pues al fi nal en la producción lo que importa es cómo vas sumando esos layers y dándoles vida. Me encanta lo vintage pero no estoy obsesionado ello (de hecho mi toy sonoro favorito, al cual llamó sampler efímero, es mi radio AM, pasado por un KP3 de Korg y un Echo Park dly). En cuanto al software empecé con Pro Tools, luego en un estudio conocí Cubase y, cuando me hice de mi Mac, una Mbox y mi Pro Tools ya nunca lo solté. No estoy peleado con ninguna plataforma más bien agarro lo mejor de cada una”.

Uso: Para proyectos personales, maquetas o prime-ras programaciones para hacer canciones. En Pijama Records se elaboran también remixes y mixtapes, además de ser el búnker para las tarea de produc-ción. En cuanto a arte sonoro, el proyecto bastiAM (un compendio de “accidentes sonoros” grabados con caseteras y celular que se ensamblan con la Mbox). “El corazón de mi estudio es mi Mac con la Mbox. El proyecto más representativo de lo que puedo hacer con esto, sin duda, fue la programación de los tres discos de Quiero Club: ahí nacieron los beats para temas como “No Coke”, “Let Da Music” y “Minutos de Aire” (lo que implicó componer y co producir con Jorge Gzz) también la producción de las secuencias para los shows en vivo de Quiero Club y Pato Machete”.

Pijama RecordsLISTA DE EQUIPO Hardware: Mac G3 y G4, laptop PowerBookSoftware: Protools L.E. 8, Live Lite9 y ReasonInterfaz: Avid Mbox 1Mezcladora: Numark DM1525 Samplers: Korg Kaossilator KP3, Roland 404 y SPDSMicrofonía: Shure SM57, SM81, SM7Audífonos: Skullcandy Hesh headphonesIn ears: Shure e5 in EarMonitor: Sony Trinitron Reference Stereo Backline: batería electrónica Yamaha TMX drum Module // Guitarras: Yamaha Pacífi ca y acústica española // Omnichord // Efectos de guitarra a pedal: Ibañez DelayIII, Echo park, Subdecay Phaser-Micro Synthesizer // Controlador: Midiman Radium // Juguetes: Radio AM FM Jensen, drum kit Peavey Radial Pro 500

Contacto: www.boscopbenavente.com / soundcloud.com/boscop-benavente

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Phonic Mezcladora compacta | AM 220pEquipada con reproductor USB, tiene dos entradas de micro/línea y otra dupla en estéreo. Facilita las labores de acceso a diversos formatos de audio como .wav y .mp3. Su preamplifi cador de ruido ultra bajo, garantizan la calidad del sonido para trabajos en estudio o refuerzo sonoro en vivo. Tiene ecualizador de multi-banda en los canales mono para manejo óptimo de la mezcla.

Representaciones de Audio (55) 3300 4550www.phonic.com

Apogee | Micrófono | MiC96kTres en uno, el MiC es una solución para quienes buscan un transductor móvil cuyas capacidades garantizan la captura de audio en alta calidad (más de 24-bit/96kHz). Combina micrófono con preamplifi cador y conversor A/D en un modelo compacto que minimiza el ruido en la señal, aspecto crítico en la microfonía digital. Se le añade directo a los dispositivos de Apple.

Hermes Music | (55) 5547 2111www.hermes-music.com.mx | www.apogeedigital.com

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Por Octavio Echávarri

Improvisación y trash-metal

Alex Skolnick es poseedor de una versatilidad que le

permite transpolar sus cuerdas de los sonidos salvajes del metal a la improvisación jazzística más sofi sticada. Así, es aclamado a nivel mundial en los círculos del metal como una de las fi guras centrales de Testament, la legendaria banda estadounidense de thrash-metal, pero también como líder de su trío de jazz, con el que busca desafi ar cualquier tipo de clasifi cación a través de la improvisación y generar proyectos alternos que refl ejen el amplio espectro de sus gustos musicales. Y, al respecto, afi rma: “He aquí una verdad universal: la vida es demasiado compleja para ser etiquetada o colocada en cajitas. Lo mismo aplica para cualquier cosa que tenga substancia y no tan solo estilo. La música, como otras formas del arte, no es una excepción a esta verdad”.

Así, el Alex Skolnick Trio es reconocido por la singularidad de los covers que realiza a temas clásicos del hard rock. El combo nació en 2001 cuando Skolnick decidió abandonar su vida en California para mudarse a Nueva York y disfrutar de la escena jazzística, además de volver a la escuela para obtener su título como intérprete de este género por la New School University de Manhattan, en donde estudió con músicos como George Garzone y Cecil McBee, entre otros.

Ahí conoció a un joven prodigio del tambor llamado Matt Zebroski, fan de Testament du-rante su juventud en Pittsburgh. Los dos comenzaron a ensayar regu-larmente con el bajista Nathan Peck. Por aquel entonces, Alex tuvo un sueño en el que escuchó una hermosa melodía que sonaba como bossa nova y al despertar, se dio cuenta de que era “No One Like You” de Scorpions. Llevó la idea a sus compañeros: la versión jazzística de un tema hard rock no cayó muy bien. Mas, tras mucha insistencia, decidieron darle una oportunidad y rápida-mente se percataron de la magia. Esta versión se sentía tan natural como cualquier estándar de jazz. A las pocas semanas, el trío tenía

versiones de Kiss, Aerosmith, Ozzy Osbourne, The Who, Rush y algunos más, así como composiciones originales, acervo con el que estaban cubriendo una amplia gama de estilos musicales: swing, funk, latin, jazz y metal.

Su primera grabación, Goodbye To Romance: Standards for a New Generation, fue lanzado en marzo de 2002 y les mereció reseñas en medios clave como Billboard, Downbeat, Jazziz y The Village Voice, además de alcanzar constante programación radiofónica y ser uno de los discos más vendidos por el portal CD Baby.

Desde entonces, el trío ha crecido gradualmente y hoy es una respetable unidad de fusión jazz-funk-rock, que permite a su líder ser entrevistado sin que el término “he-avy metal” sobresalga en la nota. Como prueba sus actuaciones en importantes conferencias, festivales y recintos de Estados Unidos.

En 2004 lanzaron Transformation, disco en el que siguen haciendo versiones de temas rockeros a ritmo de jazz, destacando canciones de Judas Priest, Pink Floyd, Scorpions, Iron Maiden, Deep Purple y Ronnie James Dio. A éste ál-bum le siguió, Last Day in Paradise, editado en 2007, ya con temas originales del trío, sin hacer de lado los covers, mientras que en

Veritas, lanzado en 2011, el grupo presentó completo, una decena de temas de composición propia.

Además de continuar con su trabajo al lado de Testament y de estar próximo a grabar su nuevo disco con el trío, Alex está por terminar la postproducción de su proyecto Planetary Collission, en el que se acompaña de músicos de Nueva York, México, Cuba, Palestina, China y Grecia. Éste nació tras su participación en el Make Music Fest de Nueva York, recital acústico por el cual descubrió “grandiosos músicos de Nueva York al que más tarde se sumaron más invitados de diferen-tes partes del mundo. El disco será lanzado el próximo mes de julio. “En Planetary Collision mi forma de tocar está inspirada en Paco de Lucía, Django Reinhardt y John McLaughlin, tiene esa clase de guitarra, de sonido tradicional con mucha energía”, comentó el guitarrista.

Con estos créditos consigo, Alex Skolnick tuvo la misión de dar colofón a las master classes de la décimo segunda edición de sound:check Xpo. Ocasión única en la que, con la mediación del también talentoso Alejandro Otaola, tuvimos oportunidad de identifi car aspectos de su proceso creativo con la guitarra. Además, claro, de ahondar en ellos en en-trevista, misma que a continuación les dejamos.

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“Con mi trío tengo la buena

fortuna de liderar un proyecto de

músicos con mentalidades

diversas, lo que presenta una

rara oportunidad de expresar quién soy sin anteponerme expectativas,

condiciones ni limitaciones”

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¿Haces algo especial antes de cada presentación para prepa-rarte para improvisar?“Si, defi nitivamente necesito estar en un ambiente tranquilo, porque necesito estar enfocado, así que para mí es importante tener un momento de serenidad, estar solo y calentar un poco antes de subir al escenario”.

¿Escuchas los solos en tu cabeza antes de tocarlos?“Es una combinación de escuchar y ver. A veces puedo escuchar el solo, pero no estoy listo para tocarlo porque no lo he visualizado. Cuando el solo viene a tu mente y lo puedes ver y escuchar al mismo tiempo, entonces sonará más potente. Hay que practicar mucho para llegar al punto en el que te sientes a gusto con lo que tocas”.

¿Qué lugar ocupa la práctica en tu día a día?“Cuando estaba aprendiendo a tocar, pasaba mucho tiempo con la guitarra. Ahora sólo paso dos o cuatro horas al día, aunque dependiendo de mi agenda y en qué proyecto estoy involucrado, llego a practicar hasta seis u ocho horas diarias. Cuando estoy de gira, normalmente caliento sobre bases e improvisaciones jazzísticas, sin importar si tocaré metal o jazz”.

Podrías hacer una retrospec-tiva de cómo has depurado tu sonido. Hoy la tecnología me parece hace más fácil plasmarlo… “Sí, creo que soy afortunado porque el equipo es mejor ahora que cuando empecé. En mis inicios había pocos modelos de amplifi cadores que pudieran ofrecerme un buen sonido de hard rock, así que tenía que recurrir a una gran cantidad de efectos para tener ese sonido que buscaba. Ahora existen muy buenos amplifi cadores ya con efectos integrados que te ofrecen excelentes resultados, como el Buddah, que es la marca que me patrocina, que tiene todo lo que busco en un amplifi cador, así que ahora es más fácil encontrar tu propio sonido”.

“En cuanto a las guitarras en concreto, la primera que tuve fue una acústica con cuerdas de nylon muy barata que me compraron mis padres en una venta de garaje,

aunque no estaban muy emocionados con la idea de que yo aprendiera a tocar el instrumento. Luego, la primera guitarra “verdadera” que tuve fue una que compré años después: una Gibson Les Paul usada”.

“Actualmente toco mi ESP Custom, modelo signature. Después de muchos años tocando Ibanez y otros instru-mentos “fáciles de tocar”, redescubrí la Les Paul en los años noventa y amé su tono natural, era lo que buscaba: ese tono limpio con gran calidad acústica, además del rendimiento y la sensibilidad que tenían varias guitarras fabricadas en las décadas de los años ochenta y noventa. La ESP tiene todo eso. Para el jazz, uso los modelos 5th Avenue y Montreal de guitarras Godin. En cuanto a acústicas, la Yamaha LIX es mi preferida. Cada una de ellas es grandiosa y las uso para propósitos muy específi cos”.

“Mis cuerdas preferidas son las D’Addario, porque son muy cómodas, tienen buen sonido y no se rompen fácilmente. La marca está a punto de introducir una nueva línea, la NYXL, que es única y diferente. Son las cuerdas que usaré una vez que estén disponibles”.

“En cuanto a efectos, ya no uso racks, únicamente pedales. He estado trabajando con una nueva compañía llamada Tone Concepts, quienes han lanzado muy buenos pedales, incluyendo The Distillery, co-diseñado con Nels Cline (Wilco). Actualmente estamos trabajando en un pedal con mi nombre. También me gustan los JAM Pedals Tube Dreamer y algunos de Dunlop y, claro, de Budda”.

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“Hoy mi amplifi cador es un Budda AS Preceptor, con mi nombre. Es un stack con cerebro y gabinetes, tres canales y efectos de loops para cada uno. Es tremendo y muy versátil, con muchos controles para diferentes opciones. En lugares pequeños estoy utilizando un BabyBudda, que sólo tiene controles de graves y agudos y mucha de la ecualización viene directa del pedal Distillery. No uso el Baby para tocar metal, más bien lo uso para tocar blues, jazz y rock, pero también suena tremendo”.

¿Cómo fue tomar clases con Joe Satriani?“Fue grandioso. Joe es un gran maestro y un músico serio. Cuando intentas tocar la guitarra en un grupo de rock, es muy fácil que pierdas el enfoque y sólo trates de pasarla bien en lugar de trabajar

duro. Joe fue el primero en hacerme ver el gran trabajo que es necesario realizar para que empieces a ver resultados en tu carrera como músico, para que encuentres tu propio sonido y puedas desarrollar tus habilidades como intérprete y compositor. En verdad, él me puso en el camino para tratar de alcanzar las metas que perseguía”.

¿Cómo te sientes más cómodo, tocando en vivo o en estudio?“Defi nitivamente en vivo, porque en el estudio puedes tocar muy limpio, muy bien y a pesar de ello, siempre hay detalles que quieres corregir. En vivo no tienes que tocar a la perfección, sino que tocas lo que te sale en el momento y la adrenalina lo hace especial”.

En ese sentido, ¿cómo procesas lo vivido entre las tocas en clubes de jazz con tu trío y los grandes escenarios con Testament?“Disfruto ambos escenarios por diferentes razones. Siento que me puedo expresar mejor en un lugar pequeño, tocando jazz, pero eso no quiere decir que no me guste ser parte de una gran maquinaria como Testament y llegar a toda esa gente que viene a los conciertos y sentir su energía. Son ambientes muy diferentes pero ambos muy importantes para mí”.

¿Cómo adaptas tu manera de tocar en cada formato?“En principio, el equipo es totalmente diferente. Es como tocar un piano acústico y un sintetizador. Aunque la organización de notas sea similar, el

sonido es totalmente diferente. En el caso del trío, tocamos con un contrabajo y un set de batería de cinco piezas, mientras que con Testament usamos bajo eléctrico y un set de batería gigantesco y el volumen también es muy diferente. Sería complicado tocar jazz con un equipo para metal, lo mismo que sería muy complicado tratar de tocar metal con el equipo del trío, aunque los músicos sean los mismos”.

¿Tocar jazz ha cambiado tu manera de tocar metal?“Sí, absolutamente. Me ha abierto muchas nuevas ideas. Antes todo lo veía desde un punto de vista muy “roquero” y al estudiar jazz, he descubierto formas que antes no alcanzaba a distinguir, ahora tengo más posibilidades”.

¿Qué guitarristas escuchas?“Tengo muchos favoritos, dependiendo del tipo de música. Me gusta Pat Metheny por su versatilidad, me sorprende su productividad. También escucho clásicos, como Wes Montgomery y Jim Hall; y en el rock y el metal, me gustan los músicos originales, como Van Halen, Randy Rhoads, Ritchie Blackmore y también he descubier-to gente como Al Di Meola, a quien me gusta mucho escuchar”.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?“Ahora estoy por lanzar Planetary Collision, un proyecto de world music y jazz acústico que está inspirado en la música de India y de América. Lo grabé el año pasado, con la participación de varios músicos invitados de diferentes

partes del mundo, incluyendo a Horacio “El Negro” Hernández, un extraordinario baterista. En noviembre grabaremos el nuevo disco del trío y seguramente regresaremos a México para tocar los temas nuevos. También estaré girando con Testament y presentándome en clubes de jazz de Nueva York al lado de Stuart Ham”.

Finalmente ¿cuál es el legado que quieres dejar como guitarrista? “Mi propósito es juntar el mundo del jazz y el metal, decirle a la gente que hay mucho valor en ambos géneros, pueden disfrutar una buena experiencia con el metal y viceversa. Todo lo que necesitan es la motivación para acercarse a la música”.

“Cuando intentas tocar la guitarra en un grupo de rock, es muy fácil que pierdas el enfoque y sólo trates de pasarla bien en lugar de trabajar duro”

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Por Alejandro Otaola@AlejandroOtaola

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Fue una verdadera sorpresa lo que vi mientras traducía lo que Alex Skolnick decía durante su participación en sound:check Xpo 2014: pese a que el 85 por ciento del público quería oírlo hablar de trash o escucharlo en plan shredder, él trataba de hablar más sobre los conceptos que lo llevaron al punto actual en el que busca mezclar su pasado metalero con su gusto por el jazz. Comenzó mostrando cómo su primer instrumento fue en realidad una guitarra acústica y cómo de ahí provienen muchas de las cosas que hace con su guitarra eléctrica custom ESP.

Fue muy interesante saber la manera en la que ejemplifi có como surgen sus ideas de creación a partir de un sonido limpio: cómo un pedal de overdrive le da el ‘byte’ necesario para que el blues ‘corte’, luego de ahí cómo describía el rol de la distorsión del

Entre guitarristas:Master Class con Alex Skolnick

ampli como ‘clásica’ o ‘setentera’ y cómo, agregándole aún más distorsión, el sonido se vuelve metalero en un sentido más con-temporáneo. También describ-río tengo la buena fortuna de s kndro ieres dejar aquo co nla ió cómo nivela un delay tocando a Pink Floyd y así establecer que “si esto no suena como debe, el delay no está en su punto ideal”.

Mostró un gran conocimiento de otros músi-cos o estilos (Hendrix, Van Halen, Randy Rhoads, Steely Dan, Brad Mehldau) pero, algo importantísimo (para sus fans que abarrotaban el auditorio) fue la manera en que explicó el modo como ha tomado ideas de otras personas y darles un nuevo ángulo o variación para que el resultado musical no sea una copia Xerox, sino que se vuelve algo fresco, distinto y que al mismo tiempo se vuelve parte del ‘estilo Skolnick’.

Supongo que todas las personas que estu-vimos ahí ese día tenemos MUCHA curiosi-dad por su próxima producción acústica (de la cual tocó algunos fragmentos), sobretodo porque, además, tendrá como invitados a Rodrigo & Gabriela (de quien es fan) y porque sospecho que después de todo su trayecto estilístico, regresar a su primer instrumento será igualmente atractivo para músicos de distintas escuelas. Y creo que, al fi nal, esta idea de romper fronteras idio-máticas o estilísticas debería ser la meta de cualquier tipo de músico.

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Profundizar en la capacitación,el camino para trascender creativamente

P or décimo segunda ocasión tuvo lugar la reunión que propicia

el intercambio, difusión y profe-sionalización de la Industria de la Música y el Espectáculo en México: sound:check Xpo 2014. El World Trade Center se transformó en el escaparate cuya a agenda de acti-vidades como la exhibición de nuevos productos de más de 300 marcas y que presentan un centenar de empre-sas en más de 12 mil metros cuadra-dos y doce salas demo; lanzamientos, talleres, clínicas y ponencias con los especialistas que les atendieron en los stands; showcases, conciertos didácti-cos, encuentros, conferencias y fi rmas de autógrafos con artistas.

Una jornada en la que, nuevamente, ingenieros de audio en vivo, graba-ción, diseñadores de iluminación y video, jefes de producción, stage managers, proveedores de equipo profesional e instrumentos musicales, y por supuesto los músicos pudieron ahondar y descubrir las bondades que los más recientes desarrollos tecnológicos ponen a su disposición para hacer posible el show business en nuestro país.

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La producción musical,el foco de atención La Sala Mexica con sus más de 4 mil metros de exhibición, concentró como es costumbre el escaparate donde se pudo apreciar, por un lado, cada eslabón que hace posible la puesta a punto de una producción escénica y/o la adecuación de una instalación para la industria del entretenimiento: desde la trans-portación en cases y racks del equipo, el cableado, las estructuras y motores que dan forma a un escenario, las luces, las pantallas de video, efectos visuales, la microfonía, las consolas, los sistemas de arreglos lineales para la sonorización; además de lo reque-rido para las tarea de creación tanto en un home studio como en un estudio profesional de grabación.

Los expositores hicieron presentaciones espe-ciales, pequeñas sesiones de demostración en las que permitieron a los visitantes conocer las propiedades de sus productos, tanto como el que funge como su distribuidor como al usuario fi nal. Así, en materia de producción musical, Representaciones de Audio expuso las diversas gamas de microfonía que Shure brinda para aplicaciones de sonorización amateur y profesional, así en la grabación de audio como en vivo, aña-diendo en esta edición un programa de live stream en el que sus invitados y patrocinados compartieron a distancia con los usuarios de este referente de las producciones de espectáculo en todo el mundo.

En esa misma línea develó las posibilidades en materia de monitoreo que ofrece la gama de productos de las marca KRK, Bose y Cerwin-Vega, sin olvidar la incursión que sobre el escenario atiende mediante los productos de On Stage Stands y Celestion; sin olvidar la versatilidad que para el home studio y la sonorización pro-fesional de diversos formatos brinda con las

mezcladoras e interfaces de Phonic.Vari Internacional hizo lo propio al develar ese maridaje que reúne lo electroacústico con la demostración de los equipos de sus marcas Randall, Avid, Blue, Genelec, Neutrik y lo que en el terreno de la instrumentación musical ofrece a través de Fernandes, Gotrik, Schoeps, Sonnox, Oscar Schmidt e Istanbul.

Entre los debutantes de este año Pioneer capturó miradas tanto de los profesionales como amateurs y público en general, por la amplia diversidad de productos que para el DJ presentó siendo el diseño, usabilidad e innovación en sus tornamesas, mezcladoras y audífonos lo que mantuvo activos a sus expertos en el booth. Y lo mismo ocurrió con la marca Fig Drums quienes expusieron por primera vez, presentando parte de sus sofi sticada línea de baterías, baquetas y tarolas hechas en México con maderas chiapanecas así como una puntual gama de accesorios para la prevención de afecciones en el músico.

Solcor Music puso el acento en el tratamiento de la señal con su amplía gama de cables, conectores y snakes para uso profesional y amateur, que se pueden hacer custom según las necesidades de ejecución que el músico requiera sobre el escenario o en el estudio de grabación. Music City Fo

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mantuvo la apuesta por la expresividad y exploración acústica al convocar a la con-currencia a la prueba sonora de sus marcas Eagle, Evolution, Habana, Meteoro y RMV. Los tapatíos de Global Music dieron la nota al develar los modelos que se suman a las series de la gran fa-milia de alientos de metal y maderas que ofrece Conn-Selmer (Vincent-Bach, Manhasset, Bufet, Vito); en teclados Kawai, y en materia de percusión, la prestigiosa fi rma Ludwig.

Hi Tech Audio mudó de las salas demo al salón Mexica y supo ganarse la valoración del visitante para las novedades de Adam Audio (monitores), Beyerdynamic (micrófonos), Klotz (cables) y HK (bocinas).

Fuera del Mexica, fue en las salas Olmeca I y Tolteca I y II donde Distribuidora Gonher e Innovaudio y Yamaha de México, respectivamente, aprovechando la intimidad que proveen dichos espacio para convocar a pláticas, conferencias, fi rmas de autógrafos, clínicas y encuentros con proveedores y así profundizar en la ex-posición de los atributos de cada uno de los productos estrella que lanzaron en el marco de esta décimo segunda edición. Gonher así lo hizo para sus marcas Blackstar, Meinl, Eminence, Roy Benson, Electro-Voice y Casio; Innovaudio para Behringer con una copiosa fi rma de autógrafos con el grupo DLD. Por su parte Yamaha armó mini presentaciones con sus embajadores de alientos, cuerdas, pianos y baterías, fi rmas de autógrafos con gente como Noel Sharjis y meritorios workshops con las realizados en la Sala Uxmal con Don Boomer, la mente detrás de la innovación tecnológica y patentes de Line 6.

Así mismo, en la Sala Yaqui, Avid alistó las novedades y actualizaciones de su hardware y software con el apoyo de sus especialistas y la presencia de algunos de los músicos, productores e ingenieros que patrocina tanto en sus estudios caseros como en las salas de grabación profesional y los conciertos en vivo.

Notable fue así la cobertura por parte de estas importantes casas de proveduría de equipamiento profesional de audio e instru-mentos musicales, al atender varios de los eslabones que el músico cubre como ejecu-tante, compositor y productor dejándole pro-bar interfaces compactas con reproducción de audio de alta resolución, controladores, procesadores de efectos, mezcladoras, moni-tores de referencia, audífonos e instrumentos.

En el pabellón Music Business, precedidos de gran éxito en la edición pasada, Holocausto Musical repitió alianza con Fender, DR Strings y Seymour Duncan trayendo como tarjeta de pre-sentación a parte del talento que usa los productos de estas marcas, presentando en showcases y fi rmas de autógrafos gente como Alex Lora, Reik, Moderatto y los Enanitos Verdes.

También fue en el pabellón donde Music Club puso una copiosa selección de su división digital con Apogee, Avid, M-Audio y Korg, entre otras marcas, lo que amplío la oferta y opciones de adquisición de equipo para los asistentes.

Fructífera fue también la apuesta hecha, una vez más, por la casa Guitarras Valdez para dar escaparate a sus en-cordadas de fabricación artesanal, como dicta la tradición ampliamente conocida de Paracho, Michoacán.

Fue en este pabellón, donde se pudo obtener información sobre las opciones de enseñanza, que desde luego ya contemplan el aspecto antes, durante y posterior a la producción musical, siendo la ADIME, el TEC de Monterrey, G Martell y alternativas como PYG, invención del dúo Mario Santos y Memo Gil, puntos obligados para recibir informes sobre cursos, diplomados y novedosas modelos de estudio para la creación musical. Su complemento fueron los stands para hacerse de materiales de práctica, libros con partituras, métodos y otros materiales didácticos, tal como lo ofreció Alfred Music.

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Objetivo fundamental de sound:check xpo es profesionalizar a quienes hacen posible ya los entramados del show pero también velar por quienes aspiran en recibir la estafeta, así en un proyecto de producción y grabación, instalación o sonorización. Capacitarlos y mantener vigente su conocimiento es obligado de ahí que este año se cumplió con esto al atender la Conferencia Anual de la Audio Engineering Society México donde se abordan factores críticos y fi nos que han de ponderarse para hacer una grabación discográfi ca, sonorización y diseño de audio con altos estándares de calidad y trae las ponen-cias de Jim Anderson, Thomas Lund, Bob McCarthy, Martha de Francisco, Alejandro Rodríguez, José “Chilitos” Valenzuela y Sean Olive, todos autoridades del au-dio, la acústica y la ingeniería de sonido a nivel mundial.

Quienes se manifestaron inquietos por la producción ejecutiva y técnica de espectáculos y artes escénicas, asistieron con entusiasmo a escuchar las vivencias de los casos de éxito que al respecto se mostraron en paneles de discusión en la segunda edición de los llamados Encuentros entre Profesionales, staff que hicieron de la coordinación, administración, dirección y ejecución de conceptos como las Lunas del Auditorio Nacional, el Festival Internacional de la Riviera Maya y la gira de Sasha+Benny+Erik; así como las mesas redondas para desmenu-zar los aspectos en torno a la labor de los productores, el arte de iluminar y lo que se debe considerar al cumplir y pedir un rider defi nieron una sesión formativa de gran calidad por la opción de conocer de viva voz, los retos a vencer en esta apasionante faceta de la industria del espectáculo.

Y, como novedad de esta edición en ma-teria de profesionalización, se desarrolló el concepto Conciertos Didácticos en donde se pudo apreciar cada factor a considerar para la sonorización de un concierto en vivo, de principio a fi n y con la guía del ingeniero de sala Salvador Castañeda quien develó meticulosa-mente el proceso, ayudado por la com-plicidad de las bandas Aguamala, A Love Electric y Klezmerson quienes tras concluir este “al desnudo” del soun-dcheck como tal, entregaron un breve recital con temas clave de su discografía.

Capacitación a fondo. Jornada Educativa

A Love Eleectric

Aguamala

Klezmerson

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Este año las tres clínicas impartidas por Nacho Mañó (Presuntos Implicados), Bostich + Fussible del Colectivo Nortec y Alex Skolnick (Testament) tuvieron el punto común de ahondar en la proce-dencia de esa idea primaria que per-mite desarrollar diversas aproximaciones al proceso de creación, ya sea por la inspiración que aviva el disco o canción de un colega músico; el sonido y at-mósferas de un disco, las posibilidades de experimentación de un instrumento

musical o algún aditamento técnico (hardware, software, aplicación).

De lo primero ahondó Nacho Mañó al llevarnos, con guitarra en mano y apoyo visual, por los discos que avi-varon su imaginario como músico y tras los cuales fue fi ncando sus inquietudes en materia de producción, arreglo y adaptador de letras. De esa forma, se pudo tomar nota del origen y puntos clímax en la huella sonora de este importante referente de la producción

MasterClasses

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Nacho Mañó

Nortec

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musical en español, que ha dado al pop un estatus de exquisitez a partir de la adición de los recursos del jazz, el blues y los ritmos afrolatinos.

Pepe Mogt y Ramón Amezcua transmitieron la emoción que ha sido para el sonido del Colectivo Nortec explorar con los procesos de síntesis, emulación, efectos que hoy proveen con mayor practicidad herramientas como los sintetizadores, controladores y periféricos, y la manera en que esto

mantiene en alta su búsqueda por ambientes sonoros únicos donde la base rítmica se antepone y permite la adición de instrumentos propios de la banda sinaloense, sin que ello haga perder de vista el motivo central: desa-rrollar, construir ambientes cuyo beat no sea predecible, ni monótono.

Finalmente, Alex Skolnick dio bro-che de oro a la jornada al sorprender a la concurrencia compartiendo cómo a partir de su guitarra acústica desarrolla

y explora la gama de acordes o es-calas que le permiten ir incursionar en el metal y de ahí al jazz. Con la pre-sencia de Alex Otaola traduciendo para el respetable las ideas del colega guitarrista, el enfoque del integrante de Testament respecto al uso de la improvisación, el método al que cons-tantemente regresa y que tiene como fi n hermanar la estructura del blues y el rock con la síncopa, resultó por demás llamativa para el nutrido grupo de fans que llenó el Salón Olmeca IV.

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La proyección de nuevos talentos es también vocación de esta ex-hibición y así se realizó la tercera edición del Showcase donde 18 bandas emergentes tomaron el escenario de nivel profesional que para ellos se dispuso en la Sala Olmeca III, con el apoyo técnico de Musicson (audio, iluminación y escenario), Backline Support (instrumentos musicales) y Atlas Total Stage (gradas).

Seleccionadas de más de 300 propuestas, la diversidad musical, concepto de show en vivo y referentes de su manejo de promoción y representación fueron los ejes para poner a la consideración del público de colegas músicos y profesionales de la industria la solidez en su ejecución, consistencia y originalidad. Así los que colmaron los tres días el entarimado dieron muestra concisa de las inquietudes sonoras de la comunidad musical nacional, yendo de la exploración del rock pop, al funk, surf, indie fusión, progresivo, jazz, rock de cámara, metal melódico, rock alternativo, world beat, electro, punk y hip hop.

Las bandas pudieron experimentar de prin-cipio a fi n la logística de una producción -para algunas el proceso fue nuevo y para otras de referencia, según el momento que vive su proyecto en la escena- incluyendo la requisición de su rider, backline así como la opción de incluir a sus técnicos base de audio e iluminación. Esto con la intención de presentarlos en un entorno profesional que les permitiera ampliar su red de contactos y acción para atender aspectos del music business. Tanto así que, como extra a su merecimiento para ser parte del showcase como tal, la agencia de representaciones artísticas RAI Ensamble alistó a través de su fundador, José Luis Cornejo, una plática general sobre los factores generales que deben tomar en cuenta para trascender su propuesta musical.

Así mismo, la alianza hecha con Estudio 19 (masterización) y Prodisc (maquila de discos) hará posible armar el álbum compi-latorio de esta tercera edición del showcase y así presentar éste como carta testimonial del talento y riqueza creativa que en lo musical está impulsando a nuestra industria del espectáculo.

ShowcaseIncubadora de Talento

“Esto ha sido una sorpresa porque en defi nitiva no es un esce-nario convencional; vaya, no tienes como principal audiencia a tu grupo de fans, está controlado para que se valoren otras cosas y eso también es un reto porque no te alistas como para un show donde, de entrada quizás sólo serías tú. Eso te recuerda lo cambiante de esto, que debes estar listo siempre y te hace sentir satisfacción si como pasó, que había posibilidad de traer discos a venta y, mira, “enganchó” lo que hicimos, el apoyo de la producción y la gente los compró”. Monlaferte

Bernat

Estereox

Foeme

The Melovskys

ALU Imperium

reporte especial[ sound:check Xpo 2014 ]

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Los Fascinantes

La Orquesta Vulgar

Los Vintage

Los Guadaloops

Orkvs

Mon Laferte

Nuclear Chaos

Los Raabeats

Montevideo Pamalanga

TXMSSGovea

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Festivales

Por Efraín Alavez@contrajazzymas

El festival tiene lugar durante una jornada de dos días. El primero tuvo una programación orientada hacia el jazz latino hecho en suelo nacional, tanto por músicos compatriotas como extranjeros radicados en México. Así, fue el pianista Alberto García -originario de Huamantla, Tlaxcala- el encargado de abrir el festival coman-dando su Caribbean Project inter-pretando, entre otros temas: “Échale candela”, “I love latin” y “Tardes de mi tierra”.

Después, el trompetista cubano Fran Domínguez subió al escenario con su proyecto Smoothfran para ganarse al respetable con “Gibraltar” de Freddie Hubbard; “Indians” de Rick Braun; “The music inside” de

Chuck Loeb y “Guataca City” de Paquito D’ Rivera, todos incluidos en su álbum As the Phoenix Bird que incluye piezas donde se mezcla smooth jazz con elementos afrocuba-nos. Lo acompañaron en el piano y teclados William Alberto Huchim, en la guitarra eléctrica Jorge Montiel, en el bajo Dante Harta Sánchez, en la batería Víctor González y en las congas Alex “La Timba”.

Fue entonces que tuvo lugar la breve ceremonia de inauguración en la que el delegado de Miguel Hidalgo, Víctor Hugo Romo, arrancó ofi -cialmente las actividades del festival reafi rmando la importancia y trascen-dencia de éste para la demarcación al ocurrir dos veces al año.

Festival de Jazzde Polanco

En el marco de los festejos por los 75 años del Teatro Ángela Peralta, se llevó a cabo a fi nales de abril la exitosa terce ra edición del Festival

de Jazz de Polanco en el Distrito Federal, bajo el concepto “Maestros y nuevos valores del jazz en México”.

El Festival de Jazz de Polanco, nos ha compartido en diferentes ocasiones su director Eddie Schwarz, se caracteriza por apoyar al jazz mexicano. Y, en esta edición, el objetivo fue lograr que los músicos jóvenes interactuaran con los consagrados para que, a su vez, estos últimos tuvieran la exposición que merecen y exige la escena para incrementar su auditorio. Con esa visión, el festival busca consolidarse rápidamente entre el público que gusta del jazz en la capital mexicana y convertirse en referente nacional e internacional.

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Festivales

Acto seguido, vino el turno de los nuevos valores con la actuación de la cantante y trompetista Sra Kong, quien previo a realizar una gira por Europa, compartió su proyecto que mezcla sonidos, ritmos y texturas de distintas culturas. Le siguió el fl autista cubano Ricardo Benítez, radicado en México desde hace casi treinta años, quien estuvo acompañado por el multi-instrumentista Rodrigo Castelán en el teclado, Erick Alfaro al contrabajo y Enrique Nativitas en la batería para inter-pretar temas infl uenciados por el latin jazz como “One for Brenda”.

El público, que soportó la lluvia que aparecía súbitamente en el área de Polanco, le dio una cálida bienvenida al maestro Héctor Infanzón quien reprodujo su espectáculo “Citadino” interpretando ese homenaje sonoro a la Ciudad de México junto a su cuarteto: Adrián Infanzón (bajo), Luis Gómez (percusiones) y Enrique Nativitas (batería). Así sonaron los temas “El vago”, “Como en feria”, No porque me acuerdo” y “Azúcar”. La primera jornada del festival fue cerrada por la Pigui’s Club Jazz del baterista Miguel Tlaxcaltecatl con su tributo a los grandes del jazz.

Al día siguiente se preparaba un ho-menaje al pianista mexicano Enrique Nery por lo que el público asistente el sábado 26 de abril pudo apreciar a lo largo de los pasillos laterales del recinto ubicado en la calles de Luis G. Urbina y Emilio Castelar, mamparas con información de los pasajes más importantes de su labor como músico así como diversas fotografías con los músicos y productores con quienes compartió.

Durante la segunda jornada del fes-tival, le correspondió a la Cricketh Band dar apertura a la música con su jazz funk, lo que dejó un ambiente festivo que marcó la pauta de lo ocurrido entre los músicos y el público. Siguió el turno de Louise Phelan quien con más de 15 años de carrera, entregó lo mejor de su repertorio dando muestra de sus tablas como cantante de orquestas y espectáculos musicales y de teatro. Louise se hizo acompañar de Marc Osterer, el Gringo Loco, trompetista de reputado sonido que ya es residente mexicano desde hace tiempo. Justamente, Marc continuó con la sesión sincopada al interactuar con el énfasis tímbrico de la guitarra de Cris Lobo.

Así llegó el momento del homenaje a Enrique Nery, para lo cual Germán Palomares Oviedo, el cronista de jazz más importante en México tomó el micrófono y compartió un discurso que develó los rasgos que defi nieron la personalidad del maestro Nery así en la vida como en la música. Esto dio paso a la actuación de Chacho Gaytán, a quien le tocó la enmienda –como invitado especial- de recrear la música de Nery sobre el escenario.

Tras la emotiva presentación, vino el turno de V Grado Jazz Fusion, que a pesar de no tener en su alinea-ción al maestro Víctor Patrón, ofre-cieron un recital de alto nivel técnico que la audiencia celebró colmándolos de aplausos, en uno de los momentos clímax del festival.

Para el cierre llegó el momento de la Big Band Jazz de México. Los dirigidos por Arturo Ramos fueron el combo perfecto para concluir en el punto más alto esta celebración a la

música, que tiene al jazz y sus notables ejecutantes nacidos y radicados en México, un baluarte que merece seguir conectando con el público así en los escenarios como en sus hogares al dar play a sus discos.

Sin duda, Eddie tiene razón al esta-blecer que “uno de los mayores logros que ha tenido el Festival de Jazz de Polanco a lo largo de sus tres ediciones, ha sido poder convocar al público que comparte la pasión por el jazz en un mismo lugar sin importar las diferencias”. Enhorabuena. Fo

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Festivales

Llevar a cabo de manera consecutiva tres ediciones de un festival musical es meritorio no sólo porque devela la disposición de los músicos y un crew de producción para hacer de la propuesta una constante, sino también de las autoridades y claro, los proveedores de equipo que lo hacen posible técnicamente.

La muestra más clara de esta sincronía, la percibe el público que desde sus butacas mantienen la expectativa en alto al ocurrir el paso entre cada artista de manera fl uida. Para el Festival de Jazz de Polanco la mezcla de la logística en tiempos y cambios sobre el escenario ha tenido como clave coordinar con los músicos sus horarios de soundcheck y tener clara la procedencia de su backline, toda vez que, la gran mayoría de ellos, lleva consigo sus instrumentos.

Alejandro Cruz, stage manager del Festival, sumó ese binomio tener una zona de trabajo perfectamente delimitada para ajustar ahí los diver-sos set ups de los músicos y así ganar tiempo entre cambio y cambio. Esos detalles marcaron la diferencia. Remiten la exigencia con la gente que se toeme a cargo para anticipar las cosas. En backstage es el orden lo que hace que camine el festival; la garantía que da confi anza al músico para que se haga cargo de lo suyo. Si algún imprevisto ocurre, estos factores lo minimizan.

Para esta edición de primavera, Casa Veerkamp se sumó a la causa cubriendo los requerimientos de la Big Band Jazz de México , par-ticularmente la dotación de batería y percusiones, hecho que ratifi ca el compromiso de la empresa de apoyar la misión del músico que patrocina de ampliar la exposición del público a nuevas experiencias musicales.

La sincronización:El ritmo de un festival

Casa Veerkamp, en atencióna la síncopa de PolancoBaterías TamaToms (12 y 14”), tarola (14”), bombo (20”), pedal sencillo Iron Cobra Atriles: x2 tarola y hi hat Iron Cobra; x2 para platillo con boom; pedal sencilloYamaha Toms (12”, 14 y 16”), bombo (20”) Atriles: x2 para tarola y hi hat; x2 para platillo con boomHardware: HTC77W atril Tama para platillo con boom y soporte para tomPlatillos: Sabian Legacy HHX (hi hat, crashes y ride)Amplifi cadores: bajo y guitarra Laney Sintetizador: Roland FANTOM 8 Percusiones: Congas GALAXY SET / base para congas Lp / bongoes Giovanni Galaxy / timbales Lp

Informes en días y horas hábiles: 5622 7113 • www.musica.unam.mx

Sala NezahualcóyotlSábados 20:00 horas • Domingos 12:00 horas

Junio 07/08 Programa 5Carlos Miguel Prieto, director huéspedAbdiel Vázquez, piano

Bernstein Tres episodios dancísticos de On the TownBarber Concierto para pianoR. Strauss Muerteytransfiguración Danza de los siete velos, de Salomé

Junio 14/15 Programa 6Jan Latham-Koenig, director artísticoAnabel De la Mora, sopranoEncarnación Vázquez, mezzosopranoErnesto Ramírez, tenorJesús Suaste, barítonoCoro del Teatro de Bellas Artes

Beethoven Sinfonía no. 9 Coral

Junio 21/22 Programa 7Bojan Sudjić, director huéspedJesús Castro-Balbi, violonchelo

Rachmaninov VocaliseCastro Concierto para violoncheloRachmaninov Danzassinfónicas

Junio 28/29 Programa 8Iván López Reynoso, director huéspedManuel Ramos, violín

Berlioz Obertura El carnaval romanoPaganini Concierto para violín no. 1Ravel BoleroTchaikovsky Obertura 1812

S e g u n d a T e m p o r a d a 2 0 1 4

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Industria [ Más allá del Pentagrama ]

Por Mario Santos@mariosantosmex

¿Qué tocar?Dependiendo del contexto, saber qué tocar no es tocar lo que tú quieres tocar, sino lo que te gusta y necesitas tocar para que tu parte se complemente efec-tivamente con lo que tocan los demás. Hay músicos virtuosos que al tocar con otros músicos tocan tanto, que no dejan espacio para que otros participen. Este tipo de músico para mí, no es un buen músico -a pesar de lo virtuoso que

sea-, porque se asume como el único punto de atención de la banda.

Habrá tiempo y espacio para que destaquen todos

los elementos y que la atención no se centre en uno. Si esto ocurre, el resultado comienza a ser aburrido y predecible, a nadie le gusta soportar el ego frenético de alguien.

Yo siempre destaco la musicalidad sobre

el virtuosismo; de nada sirve tener a un

músico que toque mil notas por segundo si no

tiene intuición ni gusto, es decir, musicalidad. Qué tocar

es el contenido o argumento de lo que tocas; es tu lenguaje, tu idioma, tu

voz y personalidad en el instrumento. Por lo mismo, qué tocar implica conocer esta dualidad en la que coexisten tu propio argumento y el de la banda, tu identidad instrumental o vocal como parte de la que tiene la banda con quien estás tocando o grabando.

¿Cómo tocar?Este punto implica contribuir con las dinámicas, con el estilo, la forma, con la idea que se esta buscando o explo-rando. Es decir, saber poner las manos sobre el instrumento y que cada vez que éstas se posen sobre aquel, comiencen a escucharse cosas buenas. Un acorde de do mayor puede sonar increíble o puede sonar realmente simple, mal o vulgar dependiendo de cómo lo toques. Cómo tocarlo para que produzca magia, es a lo que me refi ero en este segundo punto. Igualmente, contribuir con las dinámicas, matices, seguir a la banda, integrarse con éxito a ella, determinan la importan-cia de este aspecto. Te pongo un par de ejemplos: a) Es fundamental darse cuenta cuando

el ritmo que estoy tocando en los acor-des del piano, más el groove funky del guitarrista, más el slap prendido del bajo, combinado con el baterista no tan preciso en el tempo, produce un caos indeseable y más latoso para el oído que el mismo ruido.

b) Siendo pianista debo cuidar mi mano izquierda con lo que hace el bajista pues podemos chocar en ese rango grave tan peligroso, donde se generan choques en las frecuencias graves. Así mismo, un guitarrista que toca un acorde de do mayor dejando la sexta cuerda al aire, debe cuidar de no tocar accidentalmente ésta que produce un mi grave, cuyo resultado parece ser un acorde de do en primera inversión.

La actividad (tocar muchas notas) se compensa con lo contrario: pocas notas, acordes largos, poca actividad. La actividad genera atención, por lo que si además del solo de trompeta, la guitarra toca muchas notas en el mismo rango de la trompeta, se torna confuso cuál de los dos instrumentos es el punto de atención. En un solo, la atención está puesta en el solista, se vuelve el actor principal, los demás músicos deben volverse la escenogra-fía sobre la que este actor desarrolla sus ideas musicales.

Cómo tocar es la forma y tu propio estilo para resolver situaciones, para elaborar propuestas, para responder intuitivamente a la música, a los cambios y desarrollos, tu capacidad para hacer que te sigan, o seguir a los demás.

¿Qué es unbuen músico?E xisten varios aspectos esenciales para que una banda suene

bien. La materia prima, en mi opinión, para que esto ocurra es muy simple: tener buenos músicos. Con que un músico no lo sea, la sección o banda se descompone. Si bien existen otros aspectos que infl uyen para que una banda suene bien como el equipo de sonido, la calidad de sus instrumentos, el arreglo y varios más, me gustaría concentrarme en la materia prima que ya mencioné: los buenos músicos.

Y, ¿qué es un buen músico? Para mí es muy simple: es aquél que sabe qué tocar, cómo tocarlo y en qué momento. Además, es funda-mental que tengan una impecable afi nación y un buen sonido; buena técnica y deseablemente una cultura musical decente. Esto produce en suma, creo yo, lo que asociamos hace posible el buen gusto de un músico. Sin embargo, como en los gustos no podemos ponernos tan de acuerdo, prefi ero defi nir a un buen músico con las tres primeras premisas: saber qué tocar, cómo y cuándo. Veamos cada uno.

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Industria[ Más allá del Pentagrama ]

¿Cuándo tocar?Saber cuándo tocar es tener la certeza, al mismo tiempo, de cuándo no tocar. Y es que por más que parezca absurdo, callarse también contribuye al contexto musical pues el silencio es parte esencial de la música. Entender el valor del silencio, es entender el valor del sonido. Quien entiende la necesidad de hacer pausas y de controlar este factor, puede entender la relación del contraste sonoro con su contraparte: el silencio; el valor de la amplitud, de la dinámica, de la intensidad, el valor que siempre tiene la espera y el respiro.

Intervenir es ser sensible a participar en el momento correcto. No hacerlo es sentir el equilibrio que responde a un instinto de contraste, es encontrar un balance entre hablar y callar, es reconocer cómo la vida se percibe en movimiento gracias al hecho de dormir y despertar, vivir y morir. Siempre comento con bandas de chavos que empiezan: todos tocan mucho y todo el tiempo, por lo tanto el timbre de la banda siempre es el mismo, todo suena igual, se vuelve monótono. No tocar es dar espacio, abrir huecos para que la banda cambie de color.

Práctica, la cereza del pastelY fi nalmente, la verdad obligatoria: para que un músico toque bien, requiere de tiempo invertido en el estudio de su instrumento: horas de práctica inteligente y efectiva. No te engañes pensando que sin practicar vas a tocar bien: eso no existe, bajo ninguna circunstancia ni error, coincidencia, casualidad o trampa cósmica; si no practicas, tu nivel de ejecución disminuye, punto.

¿Qué es una práctica inteligente y creativa? Sesiones de estudio regulares y planeadas. Regulares quiere decir, para mí, que no sirve de nada estudiar veintitrés horas seguidas de un día a otro y luego no estudiar once días seguidos; de hecho esto es nocivo y no es saluda-ble física y mentalmente. Estudia pocas horas, las que puedas realmente estudiar, pero hazlo constantemente, a diario y descansa un día.

Planeadas signifi ca que no debes sentarte a tocar lo que se te ocurra cada día, sin una organización, seguimiento o metodología. Debes organizar tus sesiones de estudio; si no lo haces, estarás invirtiendo tiempo practicando,

aparentemente, pero sin lograr avances y objetivos claros. Defi ne: pon un objetivo para la sesión de estudio. Practica técni-ca escalas o ejercicios, ésta es la parte menos creativa, pero la que requiere de mucha atención para desarrollar una técnica correcta. Usa metrónomo. Luego toca uno o varios temas musicales que estés montando. Después improvisa o transcribe un rato. Al fi nal, comprueba si no te desviaste del objetivo de la sesión.

Por esta falta de planeación en nuestra educación instrumental, te encuentras alumnos que al pedirles que toquen algo, no saben qué, a pesar de tener cuatro años pagando por clases en su instrumento.

Un buen músico es quien, tocando, produ-ce magia y bienestar auditivo. Un mal músico es quien produce la magia y el bienestar auditivo, cuan-do deja de tocar. No dejes de practicar.

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Industria [ En Armonía ]

Por Sandra Romo* @fi gmx

Fisioterapeuta Cadenista especialista en Músicos,co fundadora de FiG healthsandraromo@figmx.comwww.figmx.com

S e le conoce como atrapamientos nerviosos y es una de las afecciones más temida en músicos

por ser altamente incapacitante del movimiento en la mano. El Síndrome de Túnel del Carpo (STC) refi ere problema en conducto estrecho que tenemos en la mano, a la altura de la muñeca, conformado por ocho huesecillos carpianos delimitados por el ligamento del dedo anular, por donde discurren el nervio mediano y nueve tendones fl exores de dedos. El nervio mediano es el encargado de dar motricidad y sensibilidad a los dedos pulgar, índice, medio y la mitad del anular. De ahí su cru-cial importancia.Dicho nervio puede comprimirse o ponerse tensa, y ante el exceso de cualquiera de estos dos mecanismos, en fl exión o extensión forzada por largos periodos de tiempo, provocar daño o infl amación.

Para identifi car esta afectación, hay que estar alerta de los síntomas que lo manifi estan, de manera tem-prana o aguda, y que a saber son: dolor muy fuerte a nivel de la muñeca, mano y dedos comprometidos, dolor de tipo ardoroso o quemante –que se presenta particularmente por las noches-, sensación de cosqui-lleo o adormecimiento en los dedos inervados por el nervio mediano, y en ocasiones entumecimiento que puede llegar hasta el codo. Cuando la lesión ha avanzado, es notoria la debilidad muscular,

evitar que se rocen entre ellos o con otras estruc-turas. Al tocar un instrumento sin un adecuado programa de calentamiento y estiramiento, y sin descansos adecuados, los tendones se engrosan -como haciendo un callo- y en muchas ocasiones, por la fricción excesiva, el líquido de las vainas se derrama, disminuyendo así el espacio en el túnel, por lo que el nervio mediano se presiona, se asfi xia, y literalmente, se atrapa.

3. Uso indiscriminado de la computadora y el celular. Por años se ha invertido en mejoras ergonómicas para mouse y teclado y así prevenir el STC, pues los usuarios de tiempo completo están verdaderamente en riesgo. Ya sea por necesidad o por hobby, evita abusar del uso de la computadora y del smartphone, pues poner una alarma cada 30 minutos para descansar cinco es más barato y efectivo que hacerte de lo último en tecnología.

Aunque la principal causa para desarrollar STC es mecánica, también se asocia a la propia anatomía de canales muy estrechos, cambios hormonales como el embarazo o problemas de la tiroides, y otras enfermedades como la diabetes y la artritis reumatoide. El tratamiento conservador es a través de reposo con uso de férula, fármacos y fi sioterapia. Si la afección es muy avanzada y con el tratamiento

siendo complicado realizar actividades de la vida cotidiana, como abotonarse o destapar un refresco; además, es evidente la atrofi a muscular a nivel de la palma de la mano por debajo del pulgar, observán-dose más plana y adelgazada esa zona.

De manera que para prever este padecimiento hay que hacer conciencia sobre la exposición a estos factores de riesgo.

1. Bloqueo de la muñeca por fl exión excesiva. Al tocar un instrumento es un riesgo dejar fi ja la muñeca, sin movimiento, más aún si se queda en fl exión o extensión forzada. Los instrumentistas de cuerda, pianistas, percusionistas y bateristas están más expuestos a estos bloqueos. Muchas personas suelen dormir con las mu-ñecas dobladas hacia adentro, si es tu caso hay que atender ésta, además de revisar la técnica en el instrumento.

2. Demasiado uso de los fl exores de dedos. Los tendones están protegidos por vainas para

conservador no hay mejoría, está indicada la cirugía. En mi experiencia profesional, el STC en músicos está sobre diagnostica-do y quienes sí la padecen, y son tratados a tiempo, logran evitar el quirófano. Este es un padecimiento y su tratamien-to no debe ser postergado pues las consecuencias pueden ser muy desfavorables.

Síndrome de túnel del carpo (STC)

siendo complicado realizar actividades de la vida cotidiana, como abotonarse o destapar un refresco; además, es evidente la atrofi a muscular a nivel de la palma de la mano por debajo del pulgar, observán-dose más plana y adelgazada esa zona.

De manera que para prever este padecimiento hay que hacer conciencia sobre la exposición a estos

Bloqueo de la muñeca por fl exión excesiva. Al tocar un instrumento es un riesgo dejar fi ja la muñeca, sin movimiento, más aún si se queda en fl exión o extensión forzada. Los instrumentistas de cuerda, pianistas, percusionistas y bateristas están más expuestos a estos bloqueos. Muchas personas suelen dormir con las mu-ñecas dobladas hacia adentro, si es tu caso

revisar la técnica en

Demasiado uso de los fl exores de dedos. Los tendones están protegidos por vainas para

conservador no hay mejoría, está indicada la cirugía. En mi experiencia profesional, el STC en músicos está sobre diagnostica-do y quienes sí la padecen, y son tratados a tiempo, logran evitar el quirófano. Este es un padecimiento y su tratamien-to no debe ser postergado pues las consecuencias pueden ser muy desfavorables.

Síndrome de túnel del carpo (STC)

Industria[ Management ]

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Por Chris Robley*@chrisrobley

Si quieres motivar a tus fans para que compren tu música, hagan una reseña de tu disco, te etiqueten en las fotos de tu show, o miren tus novedades en YouTube, enviarles un mail sigue siendo la mejor forma de incitarlos a tomar acción.

Así lo indican diversos estudios sobre hábitos de usuarios de internet, los cuales señalan que las respuestas dadas a un sucinto correo de noticias brinda mejores resultados, cualitativamente, que las obtenidas vía mensajes de Twitter y posts de Facebook. Además, al recopilar las direcciones de correo electrónico de tus fans tienes la oportunidad de contactarles y distinguirlos una y otra vez. Y esa es la razón por la cual crear tu lista de mails debe ser tu prioridad cuando se trata de comercializar tu música en internet.

Además hay otra razón importante por la que debes enfocarte en esto: necesitas apropiarte de la relación con tus fans. Cuando construyes un grupo de seguidores en las redes sociales, son las compañías propietarias de dichas plataformas (Facebook, Twitter, Pinterest, Instagram, etcé-tera) las que tienen el control no sólo respecto a cómo co-municarse con ellos, sino a quiénes enviarles determinados contenidos o información. Entonces, ¿recuerdas MySpace? No querrás dedicar años en colectar Likes en Facebook para luego perder ese grupo de gente si cambian las cosas y tendencias conforme a la funcionabilidad y desarrollo de las comunidades on line. En contraste, el destino, uso y alcances de tu lista de correos ¡es toda tuya!

La más cosa más importante que puedes hacer para promover tu música

De manera que aquí te dejamos estas sugerencias para que hagas crecer tu base de mails:

• Inserta un comando para darse de alta vía mail en tu sitio web.

• Regala una descarga en MP3 u ofrece algún otro incentivo a quien se registre a manera de intercambio por agregarse a tu libreta de direcciones.

• Da a los suscriptores de tu boletín por mail contenido exclusivo.

• Fija actividades/instrucciones claras para “accionar” desde tu sitio web, por ejemplo “añádete a nuestro bo-letín mensual” o “recibe adelantos de nuestra música”.

• Enlaza tu lista de correos a tu tienda de mercancía ofi cial (souvenirs).

• Ofrece algo extra y gratuito en los conciertos a cambio de direcciones de correo (plumillas de guitarra, posters, calcomanías, etcétera).

Columnista de CD Baby, referente de las tiendas de música online para discos compactos físicos y descargas de música digital; hoy plataforma de discusión e intercambio de ideas para músicos autogestivos. www.cdbaby.com

Industria [ Escenario ]

Por Ari Herstand*@aristake

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pecados del músico

en gira

Los

C omo los pecados capitales, he aquí una lista de siete asuntos a valorar cuando de enrolarse en

gira se trata, con ánimos de prever jaquecas, malas inversiones y abusos de promotores.

Enrolarse sin mercancía sufi cienteEn gira tu mercancía ofi cial es tu principal fuente de ingresos. Si bien las garantías de pago y demás que ofrecen los recintos suelen ser aceptables, se llega a colectar una cantidad equi-valente al pago, o mayor, por la venta de mercancía ofi cial de

la banda. Y eso ocurre incluso en los foros pequeños, donde la gente te espera incluso tras haberse cerrado las puertas del lugar y compra algo antes de irse.

Por eso debes cerciorarte de tener un vendedor de planta que atienda, esa mesa o espacio que te den en el lugar del concierto, desde que las puertas se abren hasta que se cierran. Consigue un fan en cada ciudad para que lo haga si es necesario (le puedes ofrecer, a cam-bio, entradas gratis). Si tus seguidores se van antes de concluir el recital –digamos antes del encore porque tienen que levantarse temprano para ir al trabajo- y en verdad quieren una playera, pero no hay dónde ni quién se las venda, habrás perdido 200 pesos por persona (por poner un promedio de costo).

Para sobrevivir en la gira, necesitas mer-cancía. De la misma forma, asegúrate de llevar sufi ciente o que te sea fácil surtir y hacer llegar el pedido a los sitios donde tocarás. Sí, varias veces tendrás que resurtirte y ¡debes hacerlo! Identifi ca a los proveedores y empresas que pueden atender el pedido de manera rápida y llevarlo a cualquier lugar.

No tener seguro para los instrumentos Seguro te ha pasado: una noche después de tocar llegas al hotel, muy tarde, exhausto porque te hiciste cargo de todo, incluido cotejar que el equipo quedará a salvo y claro, llevarte contigo aquel que conseguiste a través de

una empresa de renta de backline o de retail. Esa, digamos, trompeta de 30 mil pesos que olvidaste y que, oh sorpresa, al siguiente día, te percatas, fue robada.

¿Qué hacer? Es inusual que las compañías tengan un seguro para circunstancias como ésta, pero debes encontrar la manera de que así

ocurra, tener un amparo. Así di con la compañía Music Pro Insurance que por una cuota

anual de 150 dólares, te cubre por un total de 25 mil dólares en equipo.

Cuando me robaron la laptop en una arena en Minneapolis estando en gira, les llamé, expliqué lo ocurrido (sin echar culpa al compañero técnico ni inventando ex-cusas) y dos semanas más tarde me dieron un cheque por el costo de la lap y el

software que en ella tenía: Logic, Final Cut…

En verdad, consíguete uno antes de arrancar la gira.

Músico independiente y autogestivo, referencia del DIY en la industria musical de habla inglesa, es colaborador del sitio especializado Digital Music News. www.ariherstand.com

Industria[ Escenario ]

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No tener auto de remolque (o similar)Algunas veces es inevitable pero, si puedes, hazte de un vehículo grande y añade el remolque para llevar contigo tu set up. Esta versión de transporte reduce drásticamente el gasto de kilómetros por gasolina, que es justo uno de los

aspectos que más atenta contra el presupuesto estando en gira.

Conozco a varias bandas de rock con cuatro integrantes que usan vehículos tipo vans o SUV para girar, echando todo su instrumental (batería, amplifi cadores,

guitarras y mercancía) en la parte de atrás. Esa también es buena idea.

No ejercitarseEstar en gira puede ser agotador. Y monótono. Tener tragos gratis noche tras noche

eventualmente pierde su encanto y puede llevarte a requerir de peligrosos remedios para paliar la fatiga e incluso la soledad.

Hazte como una prioridad ejercitarte al iniciar cada día. Esto bajará la tensión y subirá tu energía. Todos se sentirán mejor al embarcarse en este viaje tan prolongado en carretera y tu desenvol-vimiento escénico también se favorecerá.

En una gira que hice junto a un cantante y compositor (sólo nosotros dos, viajábamos en una SUV) hicimos el hábito de levantarnos temprano a correr cada día. Ninguno era corredor habitual antes de salir a esa gira. Hacerlo no sólo nos mantuvo en forma (y minimizar el deseo de matarnos el uno al otro de vez en cuando), sino que nos dejó estar en las diferentes ciudades con una perspectiva diferente pues la mayoría de las veces, todo lo que ves del lugar que visitas es el camino del foro al hotel y viceversa. Tener esas largas carreras matutinas en la mañana puede incrementar el júbilo con el que enfrentes la jornada.

No contar el dineroSi no tienes tour manager, cer-ciórate de dejar en manos del integrante más responsable de la banda todo lo relacionado

con dineros. Es lo mejor, que dicho integran-te sea sobrio –al menos por el tiempo que dura el tour-.

Ten claro al llegar al sitio donde tocarás el acuerdo de pago que hayas

hecho; llévalo impreso. Puedes usar el correo de

confi rmación fi nal que te hayan mandado. Que todo sea claro para ti: cupo del lugar, precio del boleto, cantidad de boletos en venta previa, días de venta y tu garantía.

No dejes el recinto hasta estar seguro de

que recibiste el pago de cada dólar que se

acordó.

No hacer una lista de contactosEl periodo de tiempo que tu éxito dure descansa en

los hombros de tus fans más dedicados. No en los hits que logres colocar en la radio. Podrás tener un hit y vender conciertos durante un par de años, pero ¿qué pasa si tu siguiente disco no pega? Necesitarás ponerte en contacto con ese grupo leal de fans para impulsarlo.

Arrancar tarde el showAsegúrate de confi rmar en cada recinto (o con el promotor) una semana antes de la tocada, la logística de horarios para soundchecks y arribo al lugar. Y, claro, preséntate a tiempo conforme

esa agenda. El ingeniero de sonido por lo regular estará ahí esperándote. La forma

más rápida de arrancar la noche con el pie incorrecto (con la persona

MÁS IMPORTANTE de la noche) es hacer esperar al ingeniero de sonido. (Revisa nuestras recomendaciones al respecto en el artículo “Tu amigo, el ingeniero de sonido” que aparece en el número 104, Febrero 2014).

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Industria [ Del Bit a la Orquesta ]

Por Anwar Sánchez @BitOrquesta

¿Cómo evolucionó la afi ción por los videojuegos a una opción profesional como músico? “Desde niño jugaba Super Mario Bros y le tomé tanto gusto a eso que, apenas pude, comencé a comprarme consolas de Nintendo. Desde que jugué Super Mario World noté que la música era algo representativo del juego, me parecía imposible disociar la música de éste; luego volví a notar ese aspecto con juegos como Killer Instict, Banjo-Kazooie, Ocarina of Time, Majora’s Mask, Yoshi’s Island, etcétera”.

“Eran días en los que ya tomaba clases de piano y solía apren-derme las piezas, sin saber leer partituras y, cuando cambié de instrumento a la fl auta, mi oído se educó todavía más y comencé a transcribir piezas de videojuegos. En 2001 y ya había sitios en internet con partituras de transcripciones de música de películas y me imaginé que también podría haber las correspondientes a videojuegos y así fui rastreando las que eran más fi eles a éstos para poder tocar la música; claro, sólo estaban los temas más populares y sencillos, los más complejos y de mi interés, tuve que transcribirlos personalmente”.

“Cuando escuché que por fi n se había usado música grabada para el juego de Super Smash Bros Melee tuve la certeza que eso marcaría una tendencia y, desde entonces, parte de mi interés por estudiar música la encausé en comprender mejor este género (mi primer arreglo orquestal fue para la música de ese juego). En el tercer año de la carrera, me di cuenta que tenía demasiado conocimiento que compartir al respecto y que no se atendía ese campo en nuestro país, así que decidí hacer mi aportación”.

Debiste “validar” académicamente el proyecto ¿cuáles fueron los retos y obstáculos?“El primero, defi nir el campo de estudio para verdaderamente aportar algo que fuera relevante. Dada su novedad, incluso a nivel mundial, había pocas investigaciones serias al respecto y eso difi cultaba analizar objetivamente las piezas, pues debías remitirte al videojuego y conocer su funcionamiento exacto. En cuanto a lo académico, realmente no tuve mucha oposición burocrática a la hora de presentar mi proyecto, ya que era algo novedoso. Sin embargo a la hora de sentarme con los asesores fue cuando empe-zaron los problemas, porque no entendían el enfoque del trabajo (el impacto de la música en la jugabilidad de un videojuego).

“Fue complicado reunir información y tener las fuentes que susten-taran mi hipótesis ya que prácticamente más de la mitad de ella provenía de internet. Los libros que utilicé fueron pocos ya que no

Industria [ Del Bit a la Orquesta ]

¿Cómo evolucionó la afi ción por los videojuegos a ¿Cómo evolucionó la afi ción por los videojuegos a ¿una opción profesional como músico? “Desde niño jugaba Super Mario Bros y le tomé tanto gusto a eso que, apenas pude, comencé a comprarme consolas de Nintendo. Desde que jugué Super Mario World noté que la música era algo representativo del juego, me parecía imposible disociar la música de éste; luego volví a notar ese aspecto con juegos como Killer Instict, Banjo-Kazooie, Ocarina of Time, Majora’s

D esde hace dos años se ha hecho más patente el interés de la comunidad musical y la de producción de shows en

nuestro país por la industria de los videojuegos. Muestra de ello se ha podido apreciar en espectáculos como el concierto que, a propósito de los veinticinco años del videojuego The Legend of Zelda, tuvo lugar en el Auditorio Nacional, partituras interpretadas por una orquesta mexicana y que suma a la intención de propiciar viento a favor para incluir trabajos e investigaciones de música para videojuegos en los programas de formación académica musical actual, como ocurre en la industría fílmica.

Por ello no es fortuito encontrar un caso de éxito como el de Emmanuel Agundez Encarnación, quien abrió brecha al titularse de la Escuela Nacional de Música de la UNAM con la tesis sobre la transcripción de la banda sonora “The Legend of Zelda Ocarina of Time” que le valió el grado de licenciatura con especialidad en fl auta transversa, la cual toca desde los 13 años. Requerido por diversos ensambles orquestales y de música de cámara, se ha presentado en recintos nacionales e internacionales. Es de los contados músicos mexicanos especialistas en música de videojue-gos. En 2014 ganó por oposición la oportunidad de tocar en la Berlin Konzerthaus en Alemania, pero optó por rescindir ésta para buscar oportunida-des en el campo de creación del que ya es pionero en México.

Hagamos jugar a la academia

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existía bibliografía especializada. En cuanto al objeto de estudio, el juego de Ocarina of Time, debí transcribir toda su música, lo que me dio como resultado poco más de 200 páginas de partituras y eso sirvió de apoyo para realizar la tesis: Ocarina of Time tiene más de 80 piezas con diferentes de estilos y fusiones, que van del new age, étnico, blues, bossanova, entre otros, géneros con los que no estaba familiarizado. El hecho de investigar géneros étnicos y populares fue bastante enriquecedor y revelador acerca del contenido de esta música”.

¿Musicalmente, cómo presentaste el trabajo? “Hubo dos fases: la réplica oral donde expuse el objeto de estudio y el procedimiento para abordar la investigación, ayudándome de videos y una consola de videojuegos para mostrar los ejemplos y el recital en público -ya el verdadero examen profesional de un músico-, fue un concierto de una hora de duración donde también se evaluan las aptitudes sobre el escenario. Para éste armé un ensamble grande y un trabajo de música de cámara más complejo (éramos nueve músicos). El arreglo lo hice pensando en contar una historia que resumiera lo que se vive en el juego, tratando de conservar la esencia de cada pieza haciendo énfasis en los timbres y estilo musical característico de su compositor, Koji Kondo”.

“Los instrumentos usados fueron: set de percusiones, piano, contrabajo, violines, viola, arpa y, por supuesto, la fl auta. Cada instrumento tenía su parte solista en algún momento de la pieza. En el arpa estuvo la maestra Janet Paulus, primera arpista de la Orquesta Filarmónica de la UNAM, quien con mucho gusto e interés se ofreció para acompañarme. Hizo un trabajo excepcional, ya que la parte de este instrumento era la más difícil”.

“Fue un reto conjuntar a todos los músicos sin director pues yo tuve a cargo esa parte ya que sabía cómo debía sonar todo, supervisar quién daba la entrada en cada segmento, cambio de ritmo y estilo y corregir errores. Lo más divertido fue la creación de atmósferas con diferentes ritmos, por ejemplo el bluegrass de la “Carrera de Caballos”, el country de “Rancho Lon Lon”, bossanova y bolero de la “Región de los Zoras”, o new age en “El templo del agua”, etcétera, pues, por lo general, un músico con formación clásica no está habituado a estos ritmos tan diversos. Los comentarios fueron positivos para el arreglo y fue grato saber que gustó mucho la obra, cosa que agradecí sobremanera porque fue una muestra más del potencial que puede ofrecer este género con músicos y música de calidad”.

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