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XII

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M. 6

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021

ISSN

185

2-91

6X

EDITORIAL

4

EN ESTE NÚMERO

GEfE dE REdAccIÓNMarcelo Roascio

ARtE u dIPEñOBelgrano Image

ls6nIcIdAd Laura Goldar

fOtOuRAfIAJulio Bekerman

Co la bo ran: Pablo Soler, Guillermo Marigliano, Miguel Sigales, Carina Alfie, Gabriel Leopardi, Pablo Lojo,Sergio Mayorano, Javier Bagalá, Andrés Rexach, Alejandra Mesliuk, Miguel Ramírez, Andrés Dulcet,

Lucila Roascio Goldar, Marcelo Pérez Schneider, Pablo Santos, Rodrigo Albornoz.

Edi tor Res pon sa ble:Ana Laura Goldar. To -dos los de re chos re ser -va dos. Las opi nio nesde los ar tí cu los fir ma -

dos son de ex clu si va res pon sa bi li dad de sus au -to res y no ne ce sa ria men te com par ti dos por laEdi to rial. Se pro hi be la re pro duc ción to tal o par -cial de los ar tí cu los y no tas pu bli ca das, por cual -quier me dio o sis te ma, sin la ex pre sa au to ri za -ción del au tor y de GRU PO MUSI-K EDITORA.

TODO GUITARRA y BAJO es una publicación de Grupo Musi-K Editora - Tel/Fax. 54 (11) 4554-8997 - ISSN 1852-916XWeb: www.todoguitarraybajo.com.ar - E-mail: info@todoguitarraybajo.com.ar

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Actualmente, existe en el mundo de la música lo que considero comoun mundo paralelo. Es un mundo que tiene como protagonistas a empre-sas productoras, a productores, y a jóvenes que no son músicos. Jóvenesque no tocan ningún instrumento, que en su gran mayoría cantan graciasa aplicaciones como el AutoTune o el Melodyne, pero que cuentan en elmundo virtual de las redes con millones de likes y seguidores.

Entonces ¿qué pueden hacer los músicos que se prepararon, queinvirtieron en escuelas de música, en instrumentos, en horas de estudio yen horas de ensayo, ante esta nueva realidad?

¿Emocionan estos nuevos “artistas”? Cuando algo es tan parecidoentre sí, se pierde el alma, diría un sabio… ¿Qué es lo que diferencia a unartista de otro? Es el sello personal y el carisma, lo que define su estilo.

Lo preocupante no es que predominen estos “artistas”. Lo preocu-pante es que haya generaciones que ni se enteren de que existe otra músi-ca, tocada por músicos que se prepararon. Y lo peor, es que a la industriade la música no le interese darle lugar en la escena, y que eso signifiqueque no se pueda ni siquiera tener la perspectiva de llegar a mucho públi-co, haciendo el camino por sí mismo.

Tocar un instrumento y componer una canción; ése es el camino parahacer música. ¡Así se hacen las canciones!

Pero el camino de esta nuevos “músicos” es al revés.

Yo me pregunto ¿de dónde salió la música? ¡De los músicos!Sería bueno que puedan convivir los dos mundos, porque nadie habla

de que no estén. Pero sería bueno que fuese en igualdad de condiciones.Decir que el público nuevo sólo elige ese género no es cierto. No hay posi-bilidad de hacer visible a los demás artistas, porque hay una industria a laque no le interesa.

En la mayoría de las casos, tienen millones de vistas y escuchadas enlas plataformas, millones de seguidores en las redes, y lo más notable esque la gran mayoría nunca ha cantado en vivo. ¡No tienen ni un show acuestas en un escenario!

¿Son verdaderamente artistas? ¿Es un artista alguien que jamás pisóun escenario? Y lo más llamativo es que se los presenta como tales, tantoen la industria como en los medios

Realmente, ¿es éste un Siglo donde el talento, junto con el trabajopara superarte como músico, donde el camino transitado para movertecon conocimientos, no tenga nada de valor y que sea una utopía? Lamayoría no está dispuesto a subir cosas bobas en las redes para sumarlikes, ¡porque ahí es donde sumás seguidores de una! Si subís cosas bue-nas, no te van a dar bola...

Se le ha perdido el respeto al músico y a la música, pero está en noso-tros no bajar los brazos para torcer este destino que nos imponen. Porqueel verdadero músico es “a pesar de...”, y sostenerse en el tiempo en lamúsica cuando no hay profundidad, diría que es imposible.

¿Que canción cantará dentro de unos años el público de estos “artis-tas”? ¿Perdurará alguna, como sí lo hicieron algunos de nuestros himnos,que aunque hayan pasado veinte, treinta o cuarenta años, siguen emocio-nando a cualquiera que los escuche, sea de la generación que sea?

Que esta gran cáscara que nos han creado no nos engañe, y nos hagaperder las esperanzas. Todos sabemos que el verdadero trabajo tiene surecompensa. Y el tiempo nos dará la respuesta.

Laura Goldarinfo@todoguitarraybajo.com.ar

• 6 GUITARRAS UNIDAS • 8 EMC

• 10 MÚSICA CARINA ALFIE

• 12 MÚSICA JORGE ARMANI

• 13 BASS SOLO COVER EN VIVO

• 14 MÚSICA ADRIÁN SUBOTOVSKY

• 15 YO TE CONTRATO...

• 16 ARIANA FALCÓ • 18 FER VECCHIO

• 24 ROBBEN FORD • 28 MARCELO TORRES

• 32 INFO HOTONE

• 34 INFO MIDIPLUS

• 36 INFO JOYO

• 38 MIGUEL SIGALES • 40 ANDRÉS DULCET

• 41 JAVIER BAGALÁ • 42 GABRIEL LEOPARDI

• 44 ALEJANDRA MESLIUK

• 45 MARCELO P. SCHNEIDER

• 46 GUILLERMO MARIGLIANO

• 48 PABLO SANTOS • 49 CARINA ALFIE

• 50 PABLO SOLER • 51 SERGIO MAYORANO

• 52 ANDRÉS REXACH

A0o cII N- º1Odtñbre 2 21

Eiltor resbopsXbJeAna Laura Goldar

www.youtube.com/todoguitarraybajo www.facebook.com/todoguitarrabajo www.instagram.com/todoguitarraybajo

GUITARRASUNIDAS“Guitarras Unidas” es el primer Guitar

Camp Online creado en Latinoamérica parapúblico internacional de habla hispana.

Es un evento único, donde cientos de gui-tarristas de todo el mundo van a aprenderdesde la interacción directa con artistas derenombre y trayectoria, que van a compartirsus saberes y experiencias, orientando yasesorando a los participantes en referencia ala formación musical en diversos estilos, téc-nicas, variantes en el desempeño profesional,sesión, composición, arreglos, giras,grabación & gear, producción y gestión.

“Guitarras Unidas” está creado por músi-cos latinoamericanos que entienden lasnecesidades, problemáticas, requerimientos,y posibilidades dentro del mercado global.

El evento online se realizará los días sába-do 11 y domingo 12 de diciembre de este2021. Serán dieciseis horas en las que habráclínicas de guitarra a cargo de David Palau(España), Andrés Godoy (Chile), MarceloRoascio (Argentina), Ariel Ferreyrola(Argentina), Quique Sinesi (Argentina-Berlín),Leonardo Guzmán (Colombia), Javier Viñas(Argentina) y Alejandra Mesliuk (Argentina).

Además habrá una sección llamada “Caféentre luthiers” con Pablo Lojo y Pablo Massa,

junto con otra denominada “Audio, grabacióny gear” de la mano de Fernando Gabriel (GHSystems-Gear Heaven) y Kairon Music.

El formato online abre la posibilidad deampliar los límites, y de unir a guitarristas detoda Latinoamérica, teniendo la posibilidad depreguntar y conversar en forma directa conmúsicos y profesionales de la industria musi-cal en el mismo espacio. Y todo esto, desdela comodidad de tu casa.

Además, entre quienes participen de esteGuitar Camp Online, habrá sorteos en vivo delas marcas que apoyan el evento. Entre ellosun set completo de grabación de M-Audiocortesía de Kairon Music, una funda cus-tomizada y headlocks de Fundas Quarter, cor-reas de cuero de PulsarCreativo, y muchosmás. ¡¡A estar atentos a las redes!!Informes e inscripción: https://bit.ly/3v1NYu8

guitarrasunidaslatam@gmail.com

La Escuela de Música Contemporánea(EMC) está ofreciendo de manera 100% virtu-al, el cuatrimestre actual agosto 2021 paratodos los cursos que integran sus carreras.Debido a la disminución de casos de Covid-19que se observan estos últimos meses, su

director Marcelo Braga nos informa queya han comenzado a planificar el próxi-mo cuatrimestre de marzo 2022 enmodalidades presencial, online y mixta,para poder de esta forma satisfacer lasnecesidades de todos los estudiantesque proceden no sólo de CABA y alrede-dores, sino también de otros puntos delpaís y del exterior.

De esta forma, se ofrece nueva-mente el curso de Grabación de la car-rera de Producción Musical con una con-vocatoria enorme. Durante los primerosmeses del año se produjo una gran can-tidad de material didáctico audiovisual deun alto nivel, que está siendo usado porlos docentes a cargo en las tres comi-siones de doce alumnos dispuestas.

Dentro de las clínicas organizadaspara este segundo ciclo, el 20/9 tuvolugar la que ofreció el docente de la EMCIgnacio Abad, donde se escuchó y anal-

izó la gran obra de Ariel Ramírez y Felix Luna“Mujeres Argentinas”. El 25/10 CamiloReiners, director del dpto. de Audioperceptivade la EMC presentará “El Cuarteto de Cuerdasen la música popular”, para finalmente el20/11 ofrecer una charla sobre tips de estudio

para entendimiento y aprovechamiento de lasmaterias de primer año de Notación, TeoríaMusical y Audioperceptiva, a cargo de ladocente Candelaria Molina. Todos estos even-tos tendrán amplia difusión en las redes y en laweb de la EMC. Además, continúannumerosos vivos de Instagram, tanto de estu-diantes talentosos como también del staffdocente, incluyendo diversas charlas informa-tivas sobre la EMC para los futuros estudiantesinteresados en la propuesta educativa.

El lunes 8 de noviembre está prevista unacharla informativa de Berklee, donde puedenparticipar todos aquellos interesados.¡Atentos! La EMC mantiene acuerdos conBerklee College of Music de Boston, la JMCde Australia, y la EMMAT de Colombia. Esmiembro de ALAEMUS (AsociaciónLatinoamericana de Escuelas de Música) y laAES Argentina (Audio Engineering Society.

La inscripción para el ciclo lectivo 2022ya se encuentra abierta.

whatsapp:5411 6441-1352info@escuelademusica.orgwww.escuelademusica.org

www.facebook.com/emcargentinawww.instagram.com/emc.argentina

www.youtube.com/EMCArgentina

ESCUELADEMÚSICACONTEMPORÁNEA

Clínica de Ignacio Abad

Charla presentación Conciertos de Graduación

Música

Durante la pandemia comencé a com-poner nuevos temas instrumentales para lagrabación de un nuevo disco. Al mismotiempo, grabé y filmé algunos videos deesos temas para publicarlos en mi canal deYouTube, algunos con músicos invitados.

Siempre me gustó componer. Es mifelicidad plasmar nuevas ideas, y hacermúsica nueva con mi instrumento que es laguitarra, que además forma parte de mi tra-bajo. También me gusta hacer los arreglosde los temas, las mezclas, estar con todo loque tiene que ver con los diferentes soni-dos de los instrumentos.

Con el tema de la pandemia y el confi-namiento el mundo cambió, ya que hastaahora no se podía tocar en vivo ni realizaractividades presenciales, además de sentirque todo era muy extraño a lo que estamoshabituados naturalmente los seres huma-nos. Estamos acostumbrados al contactofísico con otras personas. Entonces, eso telleva a refugiarte. En mi caso vi el lado posi-tivo, y todo esto me inspiró y me motivó agrabar este disco al que llamé “Entre mun-dos”.

TEMÁTICACuando surgen las ideas para compo-

ner, voy creando y grabando las partes encrudo, y así las voy desarrollando hasta quequeda el sonido definitivo de cada canción.En mi caso, valoro mucho cuando llega lainspiración, que no siempre viene. Haymomentos especiales, y agradezco muchopoder expresar mis sentimientos a través dela música. El arte es espiritual, y en especialla música, que para mi es una fuente deenergía donde todo se conecta.

El concepto general de este disco esuna mezcla de estilos e influencias, siempre

dentro del rock instrumental. Tiene temasmás heavy como “Optimus time”, las bala-das que no pueden faltar como “Eternal”,dedicada a mi querida mamá, después está“Champa”, dedicado por su cumpleaños aSteve Vai, y también hay en el disco otrostemas más rockeros.

En particular, el tema “Cervus” lo desta-co porque es una canción que compuse ins-pirada en los ciervos, uno de mis animalesfavoritos, y en el video incluimos imagenesmuy lindas de ellos. Además, el disco cuen-ta con invitados como Claudio “Tano”Marciello, que lo invité para el solo del tema“Polaris” ¡y como siempre dijo sí! Tambiénestá “Frecuencia Lew”, con un estilo funk endonde grabó los solos de guitarra el maes-tro Ricardo Lew. ¡Un honor poder contarcon su participación!

Cuando grabé el tema “Tai”, que signifi-ca la paz del libro I Ching, quise agregarunas partes nuevas además de un riff, parainvitar a las chicas del G3 María Sol Quintasy Yamila Amaro. Fue buenísimo contar consus participaciones Quedamos muy conten-tas. También quería destacar la participa-ción de Lore Donvito en el tema “Piscis”,donde tocó los teclados. Quería agradecer aJoana Gieco que nos conectó para tocarjuntas. Y como ambas somos del signo

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CARINA ALFIEEntre mundosIndep.

Piscis, por eso el nombre de la canción.

PRODUCCIÓN“Entre mundos” fue grabado en mi

estudio -La Fortaleza- entre 2020 y 2021.Lo edité el 6 de agosto, la fecha del cum-pleaños de mi mamá, que un día muy espe-cial y lleno de amor y alegría para mí.

Los instrumentos están todos progra-mados por Ariel Thin, y como dije antes,cuenta con los músicos invitados, que gra-baron cada uno en sus estudios: Claudio“Tano” Marciello hizo el solo de guitarra enel tema “Polaris”, Ricardo Lew hizo el solode guitarra en el tema “Frecuencia Lew”,María Sol Quintas y Yamila Amaro hicieronsolos de guitarra en el tema “Tai”, y LoreDonvito tocó telados en el tema “Piscis”.

El disco lo grabé con guitarrasWashburn by Chicago y N2, pedalesSansamp GT2, Ibanez Tube Screamer, Line6 y wah wah Morley.

“Entre mundos” está editado en formaindependiente, y está disponible en forma-to digital y físico. Se pueden conseguir porInternet a través de Instagram y redes.Además hay versiones de algunos temas enmi canal de YouTube.

facebook.com/carina.alfieinstagram.com/carinaalfie18

Música

Unos meses antes de empezar estalocura de la pandemia, volvimos a juntarnoscon Alfredo Facciolo y Javier Puyol, los inte-grantes originales del Armani Trío con quie-nes grabé mi primer disco, nos cuentadesde Mar del Plata este reconocido guita-rrista. La idea no fue recrear los viejostemas, sino probar material nuevo, escucharel paso de todos esos años en la música.

Recuerdo el primer ensayo, dondearrancamos con un blues, por supuesto, yenseguida me sentí en casa. Lo segundoque tocamos fue el tema “Credo”. Les paséla parte y salió de una; fue muy emocionan-te. Creo que éste es un disco que se hizosolo, desde el amor y la amistad en estadointacto.

COMPOSICIONES“Credo” es un disco desde lo interno,

donde busqué el sonido del aire, como desa-fío y necesidad, y sabía que tenía que cuidarel repertorio y la estética. Grabamos dos otres versiones de cada canción en dos jorna-das, para luego elegir en forma homogénea,busqué relax. Algunas cosas quedaron afue-ra. Pienso que responde a una necesidad delmomento histórico que vivimos. “Credo”representa mi religión, mis mandamientos,mis canciones y su defensa. Representa misonido, y todo eso transitando en la amistadpor mis compañeros de ruta.

Creo que las composiciones son temasincreíbles, que lo primero que logran esarreglar todos los problemas económicosde quien los escucha ¡Chiste! Tengo algu-nas personas amigas a quienes les mandolas canciones nuevas, sin título ni explica-ción, para que me cuenten qué les pasa. Esuna prueba de fuego para saber si lo penséy sentí bien.

“La vida en un día” trata de representardesde el despertar al dormir, con todo lo quepasa en el medio. Creo que la vida se parecebastante a un día. “Pizarnik” nació despuésde ver un documental, y al otro día levantar-me y pensar en qué canción hubiese puestopara Alejandra (Pizarnik), la poetisa. “Credo”cuenta un poco mis influencias tratadas conmucho respeto, desde el corazón: Zeppelin,Louis Armstrong, y más. “Blanco sobreblanco” contiene en la suma de las tónicasde los acordes, la escala cromática, quearrancó como un ejercicio pandémico.

GRABACIÓNGrabamos en el estudio Artefacto, acá

en Mar del Plata. El técnico fue AgustinSeresini, y también ayudó Emiliano Méndez,quien después hizo la mezcla en su estudioRiquelme a mediados de este 2021. Toda lamúsica fue tocada en vivo, en pocas tomascomo para lograr la frescura que buscaba.Luego grabé algunas guitarras de refuerzo,pero todas de una sola toma, para seguir elmismo pensamiento.

Los músicos que me acompañaron fue-ron Alfredo Facciolo en bajo y Javier Puyolen batería. Hace 30 años que nos conoce-mos. Hicimos mucho laboratorio y lo segui-mos haciendo. Es mi escuela, hermandad.

Para grabar el disco usé tres guitarras:

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JORGE ARMANICredoIndep.

una Fender Telecaster del ‘69 que tengohace mucho, una Heritage modelo Academysemi hollow tipo 335, pero más chica y conmaderas más finas, con cierto sonido acús-tico muy interesante. También usé unaacústica Eastman modelo Parlor.

Los amplis son una cabeza Polytone delos ‘80 y un Fender Princeton del ‘70.Todavia estoy buscando el ampli que meguste, así que mientras tanto sigo mezclan-do estos dos. La pedalera tiene un Maxon,Morning Glory, y por un Lehle Paralell sumoel delay MXR y el G-Lab Reverb.

EDICIÓNTengo mas de diez trabajos editados en

forma física, y “Credo” es el segundo discoque propongo en formato sólo digital. Elprimero fue “Cerca”, un disco grabado enTandil con mi amigo, el guitarrista uruguayoJuan Pablo Chapital Gianlupi. El disco lovendo haciendo un envío por Wetransfer delos archivos en Wav y Mp3 con la gráficacompleta.

Se conectan conmigo por las redessociales (Instagram o Facebook) o por mimail (jorgearmani@hotmail.com), y tras undepósito hago el envío, convirtiéndome asíen mi propia plataforma, ¡como debe ser!

instagram.com/jorgearmaniguitarrafacebook.com/jorge.armani.75

PH: H

ugo

GRas

si

con bajo en posición de piano.El abanico de recursos que utilizó Pérez

Schneider para sortear estas exigentes pie-zas fue completo y excelso. Las técincas dededos, four-finger, slap, doble-thump, tap,tapping, armónicos, y afinaciones abiertasfueron manejadas con una presición y unasensibildad únicas, todo complementadocon un sonido potente y exquisito a la vez.

En la hora y media que duró la perfoma-ce, el bajista utilizó cinco bajos: Ibanez DougWimbish Signature 5, Ibanez SR905 Fretless5, Ibanez SR900 Fretted 4, Ibanez AcousticTalman 5 y Yamaha BX1 headless 4. En cuan-to a los equipos, éstos fueron un comboMarkBass 2x10 y cabezal Eden WTX conHartke 2x10 HighDrive, conectados al MidiFoot-Pedal Fatar que iba a un módulo KorgXR5. En lo que a pedales se refiere, el bajistausó: Boss Line Selector, Aguilar ToneHammer, Ibanez Tube Screamer Bass, EBSCompressor, ADA Controladora Midi, y unpedal de expresión conectado a su laptop.

“En la creación de este tercer libro con-vergen dos factores”, comenta Marcelo

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Pérez Schneider. “Por un lado, mi vocaciónde compartir conocimiento, motor de micarrera pedagógica, y por otra parte lacuriosidad apetitosa de mis contactos bajis-tas por saber más allá de los extractos quepublico en cada edición de Todo Guitarra yBajo. En mis columnas ya estaba la base delas transcripciones de esos solos en vivo,los que conforman esta obra ecléctica,donde conviven Bach, Hendrix, Villa Lobos,Holdsworth, Paganini, Les Claypol y más.Quizá ésto lo haga interesante, y quizástambién la forma en que las adapto al bajo,utilizando todos los recursos técnicos dis-ponibles que ofrece el instrumento”

Cabe destacar que como es costumbreen sus presentaciones, Pérez Schneideragotó las localidades al igual que todo elmaterial expuesto para la venta, que incluíatambién sus otros dos libros, “Miniaturas” y“Periferia Vital Bass Licks”, junto con el DVDde su clínica “Rutinas de bajo avanzadas”.

Fotos: Daniel CosentinoContacto para adquirir material:perezschneider@yahoo.com.ar

El bajista Marcelo Pérez Schneider, quien además de ser el líder de la banda demetal progresivo Presto Vivace, colabora con su columna en cada edición denuestra revista, presentó en vivo su tercer libro-CD.

clínica

BASS SOLO COVER

Con motivo de la presentación de su ter-cer libro llamado “Bass Solo Cover Live”, elbajista Marcelo Pérez Schneider brindórecientemente un magnífico show en “LaQuadra Bar” de Ramos Mejía.

Sólo con su bajo, Pérez Schneider, queha recibido elogios de pares como VictorWooten, Mike Marning, Billy Sheehan,Richard Bona, y Gary Willis entre otros, tocóla casi totalidad de los 14 temas que compo-nen este nuevo trabajo de transcripciones enpartitura y tablatura de autores varios, adap-tadas y arregladas para sus solos en vivo.

En consonancia con la obra, el set abar-có un amplio espectro musical, que fuedesde lo clásico como el "Capricho Nº 5" dePaganini al funk de "Get Lucky" (Daft Punk),desde el rock de "Purple Haze" de Hendrx ala fusión de "Infinite Voyage" (AllanHoldsworth), pasando por lo experimetal de"The Enormus Room" de Mike Manring, eljazz de "Wounded" de Tribal Tech o elcountry blues de "The Clap" (SteveHowe/Yes), sin faltar ejecuciones novedo-sas como "My Three Moon" con dos bajossimultáneos o "Drifting" de Andy McKee,

EN VIVO

Música

La idea de este nuevo disco surgió delas ganas de tener material nuevo. En eltranscurso de la pandemia le dediquémucho tiempo a buscar sonidos y melodías.También experimenté con afinaciones alter-nativas, como por ejemplo la afinación de latambura, que es un intrumento de la Indiaque se encuentra presente en el álbum “Sgt.Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de LosBeatles, en donde toca el virtuoso sitaristaRavi Shankar. Esta afinación produce unsonido imnótico y onírico. También se usacomo un mantra para meditar.

Así que afiné la guitarra con esta afina-ción, y el resultado de toda esta búsquedaderivó en varias composiciones nuevas queforman parte “Tangótica”. Realmente, entodo este tiempo de pandemia, me metí delleno a buscar estos sonidos para mis nue-vos temas, ya que tienen una energía muyespecial. Me llevaron a buscar y encontrarmelodías y armonías que son diferentes alas que surgen con afinaciones occidentales.Por otra parte, hace mucho tiempo que teníaesta idea de hacer un álbum conceptual conobras conectadas armónicamente entre sí.¡Así que ese momento llegó y es ahora!

GRABACIÓNLos músicos que participaron en

“Tangótica” son Sergio Oscar Mayorano enbajo, Daniel Acosta en batería, JorgeDonadío en bandoneón, y GustavoJawanske en teclados. Luego grabé guita-rras eléctricas y españolas al estilo de losguitarristas de Gardel. ¡Y tengo algunosinvitados sorpresa!

La posibilidad de grabar el disco se diode una manera muy linda. Hace unos 22años le daba clases a Marcelo Badiale, unalumno que en ese entonces tenía 15 años.

Después, él comenzó a tocar profesional-mente y avanzó muchísimo. Por esas cosasde la vida, nos reecontramos dos décadasdespués, y aparte de tocar muy bien la gui-tarra, se puso un estudio de grabacion lla-mado Black Dog, donde realmente manejalas grabaciones y producciones con muchamaestría. Me invitó al estudio y me propusoque grabara el disco ahí. Realmente quedémuy contento con el resultado, ya que lascosas se dieron naturalmente y hubo magiadesde el principio. Son esas historias lindasque pasan en la música.

La grabación comenzó cuando se levan-taron las restricciones, y fueron momentosmuy intensos y mágicos. Por ejemplo,grabé el solo de “Milonga mística”, luegodimos vuelta la cinta y pasamos el solo alrevés. De esta manera, el sonido cambiatotalmente y suena muy onírico, como unsueño. Experimentamos mucho con estetipo de ideas ,y nos tomamos el tiemponecesario para que quedara como quería.La producción artística la realizamosMarcelo y yo, así que esta manera de traba-jar fue muy satisfactoria.

PRODUCCIÓNLas bases las toqué con una Gibson Les

Paul, y los solos con mi Strato de IzquierdoLuthier conectado a un Marshall. Tambiénuse mi Hiwatt. Conecté todo eso a un distor-tion Joyo, y después le puse un poco dedelay en algunos momentos, para darle cali-dez, con un sonido simple, grande y directo.

La edición se hizo por el sello del estu-dio. Estamos editando un tema cada mespor Spotify hasta completar el disco, pero

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ADRIÁN SUBOTOVSKYTangóticaBlack Dog Rds.

también va a salir una edición física.Mi música es tango metal neoclásico,

ya que tiene todas las cosas que me gustan,todas mis influencias. Hay mucho dePiazzolla y también de Pugliese, ya que des-pués de haber tocado tanto tiempo conCarla Pugliese, tuve mucho contacto con eltango y con los músicos de tango. Todoesto, sin contar con todas las anécdotassobre el maestro Osvaldo Pugliese, que sonanécdotas musicales muy profundas e ins-piradoras. También está mi parte metalera,con todas las influencias de RitchieBlackmore, Yngwie Malmsteen, TonyMacAlpine, Joe Tafolla y Vinnie Moore. Ypor supuesto están Los Beatles, con toda suparte lisérgica y experimental.

EDICIÓNDe mis discos anteriores hay algunas

novedades. Estamos trabajando en BlackDog junto a Rubén Trombini, NorbertoRodríguez y Pablo Catania en la reedicion deldisco de Quemar, que va a contar con unbonus track que grabamos especialmentepara la ocasión. Estoy muy feliz con la posi-bilidad de relanzar este disco. Tambiénvamos a reeditar “Fin de siglo”, que es undisco que grabé hace casi 20 años. Es unconcierto para guitarra eléctrica y orquestaque tiene obras de Astor Piazzolla, y unConcierto Suite que compuse juntoAlejandro Cattaneo y Nestor Jaime, con laparticipación del maestro Edgardo Cattaruzy,que era concertino de la Orquesta SinfónicaNacional en aquellos días.

facebook.com/adrian.subotovsky.7instagram.com/adriansubotovsky

HHace un tiempo le pregunté a un amigomío por su hijo, y él me contestó: “Ahí anda,dejó la facultad, pero firmó un contrato dis-cográfico”.

Muchas veces, los músicos sentimosque frente a la sociedad necesitamos firmarun contrato, como para que todos sepanque nos tomamos en serio la profesión.Pero ¿para qué sirve un contrato? ¿A quénos compromete? A veces firmamos cosassin saber o sin leer. También, simplementepor miedo e ignorancia decidimos no fir-mar nada, y perdimos así una oportunidadlaboral.

Un contrato es un acuerdo entre partes,según consta en el art 957 del Código Civily Comercial. Pero como bien dice elDr. Sebastián Cancio, a quien con-sulte al respecto, se derivan muchí-simas ramificaciones y variantes deeste artículo. Por eso, en estenúmero me pareció bien poderhablar y contarles acerca de lasprincipales características de seistipos de contratos, con los que nospodemos topar en nuestra carrerade músicos.

CONTRATO DEGRABACIÓN EXCLUSIVAEn este tipo de contrato, el artis-

ta sería algo así como “parte delstaff” del sello o productora queofrece el acuerdo. El músico secompromete a componer y/o grabar exclu-sivamente para ese sello, a cambio de unbeneficio económico, mientras dure elacuerdo. Tanto la actividad del artista comosesionista o intérprete, así como las can-ciones compuestas en ese período, quedanen poder del sello. Por otra parte, las can-ciones que pudieran haber sido escritas conanterioridad a la firma del acuerdo, puedenser incluidas dentro del mismo, medianteuna claúsula aclaratoria.

Los acuerdos de este tipo son conve-nientes, en la medida que el beneficio eco-nómico sea muy importante, ya que el artis-ta pierde libertad de acción.

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CONTRATO DEDISTRIBUCIÓN DE MÚSICA

En los acuerdos de estas características,el propietario del máster le concede al sellodiscográfico sólo el derecho para distribuir aplataformas digitales ese material, dentro deun periodo de tiempo y dentro de un territo-rio acordado.

Este territorio puede ser tan ampliocomo para abarcar “el universo”, comopuede aparecer literalmente en algunas cláu-sulas, por gracioso que esto parezca, ya queal tratarse de algo inmaterial, no puede limi-tarse a un territorio específico. A diferenciadel anterior, este contrato puede tener elcarácter de exclusivo, o no.

CONTRATO DE GRABACIÓNNO EXCLUSIVO

Tal como su nombre lo indica, en estetipo de contratos, el compromiso del artistapara componer y grabar no queda limitadoa un solo sello. El beneficio económico seobtiene para ciertas canciones que pasan aser del sello, pero el artista queda libre parahacer negocios con otros sellos, con otrascanciones, o en otras producciones.

CONTRATO DE GRABACIÓNACUERDO 360

En este contrato el artista, además decomprometer su producción, compromete

también su imagen. Mediante este acuerdo,se establecen las condiciones en las que unacompañía musical contratará al artista, comomúsico de grabación, compositor/arreglistade música, y al mismo tiempo utilizará suimagen en producciones de cine, televisión yteatro.

CONTRATO DE SERVICIOS DECOMPOSICIÓN Y GRABACIÓNMediante este acuerdo, un artista es

contratado como compositor, arreglador osesionista, en obras musicales que el pro-pio sello guardará en su catálogo, y quepueden ser utilizadas en televisión, pelícu-las, y/o video juegos. El artista recibe una

remuneración por los servicios,pero los derechos de autor pasan aser propiedad de la empresa.

CONTRATOEDITORIAL

En este acuerdo, el artista cedeun porcentaje de sus derechos deautor a una empresa editorial queregistrará en la entidad de su país -Sadaic para Argentina- las obrasdel artista, y tomará como compro-miso el colocar dichas obras enmedios de difusión para generarregalías. En Argentina, los contra-tos editoriales no puede por leytomar más del 25% de regalías dela obra.

Las editoriales cuentan también con“clientes” que suelen ser intérpretes que nocompongan, a los que se les ofrecerá lascanciones del firmante. Algunas de estasempresas son Warner Chapell, Sony Atv, yUniversal Music Publishing.

En definitiva, sabemos que los contratossuelen estar escritos en un lenguaje muuuytécnico. Por lo tanto es recomendable pedir-le a un abogado que lo interprete, y así saberexactamente qué estamos firmando, a quénos obliga, y cuáles son nuestros derechos.

Oscar IrustiaInstagram.com/oscarirustia

La firma de un contrato suele ser siempre algo angustiante e incierto, ya que debi-do a la jerga técnica en la cual está escrito, uno nunca sabe bien qué es lo que estáfirmando. En esta oportunidad, el CEO de Pampa Records BA nos enumera los dis-tintos tipos de contratos que podríamos encontrar en nuestra carrera musical.

YO TE CONTRATO...

TU TIEMPO VENDRÁMi primera banda fue Supremacía, la

banda que mencionaba anteriormente. Erauna banda de thrash, de amigos de la secun-daria. Poco tiempo después de ese episodio,un mes creo yo, en donde dejaron el bajo enmi casa y yo aluciné, el bajista se fue de labanda. Yo siempre iba a los ensayos yaprendía los temas de vista, por así decirlo.Miraba en qué trastes tocaba el bajista y meaprendía los movimientos, o sea los temas.Cuando llegaba a mi casa los tocaba en micriolla. Entonces me dijeron de probar. Y asífue. Yo ya me sabía los temas.

Si bien no sabía la ubicación de las notasen el instrumento ni nada de teoría, la intui-ción o no sé qué, me bastó para llegar a esainstancia. Tengo muy presente el recuerdo decuando arrancó el primer tema y de tocar porprimera vez con una banda. Fue como unaexplosión cerebral que me alucinó.

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A lo largo de los años admiré a distintosmúsicos, ya sean bajistas u otros instrumen-tistas, y también a cantantes. El primer músi-co local por el cual recuerdo una fuerte admi-ración fue Guido Martínez, un bajista al cualtuve la suerte de tener como profe en mis pri-meros años de estudio. A medida que fuiconociendo musicxs y estilos musicales, fuiempapándome de muchxs y por distintosmotivos: Javier Malosetti, Nerina Nicotra,Maria Fernanda Aldana, Alejandro Herrera,Guillermo Vadalá… Seguro me olvido de másinfluencias que he tenido.

A TRAVÉS DE LAPUERTA EXTERIOR

Led Ladies festejó en 2019 diez años debanda. Yo entré en el 2017, junto con la últi-ma y actual formación. De la banda originalsolo está actualmente Silvana Colagiovanni,la baterista, quien junto a Luli Bass, NanaArguen y Nancy Endrizzi arrancaron el pro-yecto y tocaron durante unos cuantos años.Pasaron también Josefina Anselmo (guita-rrista) y Camil Holms (bajista), hasta llegar ala formación actual. En la actualidad, las LedLadies somos Silvana Colagiovanni en bate-ría, Leticia Lee en la voz, Luciana Torfano enguitarra y yo en el bajo.

A lo largo de los años pasamos por plan-tear los shows desde diferentes propuestas.Antes de que se suspendiera la actividad envivo por la pandemia teníamos mucha activi-dad, shows casi todos los fines de semana enBs. As., Caba y también el interior. Todos losmeses teníamos shows en varios lugaresfijos. Entre eso y el placer propio de explorardiferentes temas, hicimos shows abordandodiscos puntuales. Por ejemplo, en una épocahacíamos durante un mes el disco I, alsiguiente mes el disco II y así, al cabo deunos meses, abordamos toda la discografíade Led Zeppelin. También hicimos shows a lacarta, un show que llamamos hits y antihits,donde tocábamos temas no tan conocidos.Muchísimos shows con invitades.

En los diez años que festejamos enNiceto armamos versiones con cuerdas, sec-ciones de viento, guitarristas, un coro de seis

Además de ser la bajista de las Led Ladies, el grupo que tributa la música de LedZeppelin, Ariana Falcó es una reconocida sesionista. En la entrevista nos hablasobre sus comienzos en el bajo, sobre sus distintos proyectos, y sobre cómo sedebe encarar el trabajo en una sesión.

entrevista

ARIANA FALCÓ

Siempre estuve conectada con la músi-ca. Me acerqué por primera vez a un instru-mento a los 16/17 años, cuando me compréuna criolla, esas de colores que venden enlas casas de música, que era de alguien queno la usaba. La primera canción que toquefue “El pibe de los astilleros” de LosRedondos. En verdad no escuchaba a esabanda en ese momento, pero fue el únicolibrito de acordes que por esos días saquéde algún lado.

Tenia una banda amiga de chicos de lasecundaria, que tocaban en la que despuésfue mi primer banda. Uno de los guitarristasvivía a la vuelta de mi casa. Luego de unshow dejaron parte de los instrumentos enmi casa, entre ellos el bajo y el ampli. Se medio por enchufarlo, y tengo el recuerdomágico de escuchar un Mi al aire y sentirfascinación por esos graves. Desde esemomento, nunca dejé de pensar en el bajo,y al mes estaba tocando.

BAJO EL SOL

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cantantes, tecladista, en su mayoría mujeres.También vinieron Juanchi Baleiron y JavierMalosetti como invitados de lujo.

ÉSA ES LA MANERALo de trabajar como sesionista se fue

dando de a poco, sobre todo cuando conocía Laura García, guitarrista de Marcela Morelodurante 14 años, con quien compartíamosuna banda. Con ella hice mis primeros traba-jos, sobre todo en el ámbito del pop. Durantevarios años trabajé con Valen Etchegoyen,con quien hice mis primeras giras y escena-rios grandes (Gran Rex, Luna Park). Luegocomencé a ser una opción con colegas parahacer reemplazos, y también tocando endiferentes proyectos, pero como sesionista.Esas situaciones vinieron acompañadas delapoyo de marcas, con el crecimiento en lasredes sociales.

Y en el año 2017 surgió la posibilidad detocar con Jimena Barón, que estaba lanzán-dose como cantante. Al mismo tiempo meconvocan para Led Ladies. Ambos proyectoscrecieron mucho desde ese momento, asíque fueron, hasta la pandemia, mis activida-des principales.

¿Algunos nombres? Valen Etchegoyen,Bandana, J’mena (Jimena Barón), Lowrdez…Con muchos de estos artistas también tuve laposibilidad de compartir escenario conotros/as artistas y también como reemplazo:Marcela Morelo, Fabiana Cantilo, Cazzu,María Becerra, Emme, Willy Piancioli, JimmyRip, Facundo Arana, Ráfaga, Javier Malosetti,Juanchi Baleiron, y Eruca Sativa, entre otrxs.

PRESENCIAMi criterio a la hora de sesionar es, como

principal, aprender el repertorio y poder des-pejar las dudas antes del ensayo. Tener enclaro el audio para los diferentes temas, encaso de que haya audios diversos en elrepertorio. En general son situaciones endonde se ensaya poco, fundamentalmentepara ensamblar. Es importante tener en bue-nas condiciones el equipamiento, tanto elinstrumento como el set de pedales, cablesetc. No tener ruidos, y tener backup paracualquier inconveniente que pueda surgir.Tener opciones en pedales de efecto, un setque garantice un buen audio, cuerdas aptas,in-ears, ¡y ser puntual!

Con respecto a las redes sociales, desdehace un tiempo, se volvieron un medio parala visibilizacion de la actividad, y un medio endonde conocés y te conocen. Te contactan

para trabajos, para clases, y también contac-tás vos. Promocionás los shows, o das aconocer la actividad que tenes. Realmente esen dónde, al menos para mí, se da el princi-pal intercambio de comunicación y dedemanda.

Actualmente, con la reactivación que vateniendo lugar, tengo shows hasta fines del2021 con Led Ladies, y a fines diciembre nosvamos de gira a México con Funky Bass Duo,un duo muy novedoso de bajo y voz junto aValen Funky, una cantante cordobesa con laque iniciamos este proyecto en marzo del2020. Con el duo abordamos un repertoriode pop, soul, neosoul, canciones clásicas yotras no tanto. Yo desarrollo la instrumenta-ción con un set de pedales, una loopera y elbajo, y mi compañera con su voz y tambiénuna pedalera de efectos. La gira abarca elverano del 2022 y más. Este duo se desarro-lló y fortaleció en pandemia.

ROMPECORAZONES Actualmente uso un Jazz Bass Lake

Guitars muy completo en sus posibilidades,con un pre con Eq de dos bandas y llave detres posiciones, construido por MarceloLago, más conocido como Tio Marce, yEmanuel Gianne. ¡Una autentica bomba!Tengo un set de pedales que voy acomodan-do de acuerdo a las diferentes situaciones,pero cuento con un pre, octavadores, envelo-

pe, delay, whammy, loopera. Cuento con elapoyo de buenas marcas en mi gear, comopor ejemplo cuerdas Ernie Ball, pedalboardsIron Pedalboards, cables Kirlin, Black Audio(in-ears), y correas y fuentes de alimentaciónMGL Straps. Para amplificarme tengo uncabezal EBS Reidmar y una caja GallienKrueger.

Siempre toqué con dedos. En lo perso-nal, nunca me llamó la atención el audio depúa. Aunque lo he hecho cuando algunasituación musical lo pidió, tocar con púa nosuele estar dentro de mis opciones, porahora…

Para mí, ser buen bajista es tener buenaudio, buen tempo, saber sobre armonía yser criteriosx a la hora de tocar. Despuésestán las cuestiones propias del ser bajistaen tal o cuál género. Para alguien que se estaacercando al instrumento, creo importanteque estudie siempre la técnica y posibilida-des del instrumento. Escuchar mucha músi-ca y sacar líneas de bajistas que te gusten, ysiempre tocar con otras personas.

Tocar con otrxs es una práctica irrempla-zable, ya sea en bandas o en una jam. En lopersonal, siempre me sirvió mucho buscarde tocar con personas que consideré conmás experiencia que yo, y tocar diferentesestilos musicales.

instagram.com/ariana_bassfacebook.com/arianafal

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Guitarrista y productor, Fer Vecchiointegra desde el 2004 “Las pastillasdel abuelo”, la banda que en surecorrido ha grabado una decenadiscos, y ha girado tanto por el paíscomo por el exterior. En la entre-vista, este músico nos comparte suvisión de lo que es el trabajo dentrodel grupo, además de la verdaderafunción del productor artístico den-tro de un proyecto musical.

FER VECCHIO

FUERZA, LOCURA Y LIBERTAD

AA veces me preguntan, sobre todo los que empiezanuna banda, cuál es el camino a seguir. Y yo creo que noexiste una respuesta para por ejemplo, llegar a donde lle-gamos con “Las pastillas del abuelo”. Nos pasó que la ma-yoría de nosotros éramos compañeros en una escuela demúsica. Algunos de la Escuela de Música Popular delSadem, otros del Manuel de Falla, otros del Berklee (EMC).En ese tipo de lugares, tenés materias donde si más omenos no tocás bien un estilo -llamalo jazz, chacarera,bossa o lo que fuera- entonces no la vas a aprobar.Entonces, cuando nos juntamos a tocar, nos pareció comonovedoso musicalizar las letras de acuerdo a un estilodefinido. Por ejemplo, el del blues se lo podría emparentarcon el de la zamba o el del reggae. Decíamos: esta baladabien podría ser una zamba, o cosas así.

Al principio hacíamos temas donde la estrofa era un skay el estribillo un candombe (risas). Íbamos haciendo unaensalada dentro de una misma canción. Después fuimosmás allá y dijimos: no, intentemos que directamente la can-ción sea, por ejemplo, una chacarera. Intentemos que sea unrock al palo en vez de… Intentemos que sea un candombeen vez de… Y eso te lleva a aprender y a entender distintosritmos musicales, que quizás los tenés aprendidos por habertenido que estudiarlos, pero que por ahí no sabías cómointegrarlos en una canción. En definitiva, eso nos pareciócomo un lugar muy divertido para meternos en lo musical, ala vez de ser algo novedoso, por más que ya había algo sim-ilar que a la gente le gustaba, hecho varios años antes por LaBersuit. Esa fue la propuesta desde lo musical.

ELLA DICE…Después teníamos toda una situación lírica, que es el

contenido de las letras de “Las pastillas….” que dicenmucho, ayudan a pensar, y tienen un mensaje. En las letras,

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hay determinadas cosas muy comunes quenos pasan a todos. En eso hay muchoreconocimiento. Me acuerdo cuando sacamos“El sensei”, que nos llegaban mails decualquier lugar. De escucharlo tocado en unfogón y que la gente nos diga: ah, yo lo conoz-co a ese; se lo hicieron a tal, por el Hernán quese nombra en la canción (risas).

Así que eso gustó, la gente nos acom-pañó, y nosotros nos pusimos mucho laspilas para hacer nuestra música lo mejorposible. Fuimos cambiando de productores,de sistemas de composición y de grabaciónde los discos. Hemos llegado a irnos a vivirdiez días a un estudio y estar probandocosas diferentes, siempre buscando no sé sila fórmula, pero sí el enriquecimiento de loque hacemos. Otras veces llegamos al estu-dio con todo armado, con preproduccionesde ocho meses.

Eso es lo que nosotros hacemos paraque a “Las pastillas…” le vaya bien. Después,la otra parte tiene que ver con la gente. Te eli-gen o no te eligen. Eso no lo podés saber. Loque sí, me parece muy importante hacer lamúsica que amás, hacer lo que te salga deadentro, hacerlo con el mayor respeto posi-ble, y después salir a defenderlo. No existeque grabés un disco, me lo des a mí y medigas: igual lo grabé en casa como pude. Sino lo defendés vos, olvidate. ¡Que te deorgullo! Y para que algo te de orgullo vas atener que laburarlo mucho. Cuando llegás aese punto, lo que hiciste se defiende de otramanera. No importa si es desde arriba delescenario, o cuando hacés una nota, o cuan-

do filmás un videoclip. Además, hoy por hoyestá el tema de la comunicación y de ladifusión de lo que hiciste.

LO QUE TENGA QUE SERCon respecto a este último punto, lo que

no hay son fórmulas ganadoras. Existenyoutubers y tiktokers, existen instagramers ystreamers. Y en muchos casos, pasa que eltipo que es exitoso en TikTok no tiene lamisma repercusión en Instagram, por citarun ejemplo. ¿Y cómo es la cosa? Llevemosahora la misma situación pero al mercado dela música. Supongamos que yo tengo un dúode guitarras con otra persona, y que hacemosmúsica neoclásica barroca con influenciasceltas. Nos pulimos, grabamos discos, y lle-gamos a tener un nivel de p*** madre.¿Tendríamos mucha repercusión en el mer-cado argentino? Yo creo que no ¿verdad?Pero si somos tenaces, lo seguimosmostrando y en algún momento se llega aescuchar por ejemplo en Noruega, enFinlandia, o en un territorio más afín al estilo,es más seguro que se te abra una puerta.

Entonces, ¿era que nuestra música noera lo suficientemente buena para el mercadoargentino, o que no la estábamos mostrandoa la gente que sí le iba a gustar? Y con lasplataformas me parece que pasa lo mismo.Todos aquellos que nacimos con la radio,vemos que eso no existe más. Y esto no pasóhace cincuenta años. ¡Fue ayer nomás!

Cuando uno firma un contrato discográfi-co, se hace por los formatos que hoy existen,por los que se inventen, por los que se inven-

ten después de ese que se inventó, y porcinco más por las dudas.

Otra de las cosas que yo creo, es laimportancia de lo audiovisual, más que nadapor cómo se consume la música. Tenés quehacer un tema de la p*** madre, que suenede la p*** madre, que tenga una imagen dela p*** madre, y después mostrarlo entodos lados. Intentar ser tendencia en algunade las redes, tratar de conseguir el premio almejor tema, disco o video, porque en algúnlugar se puede abrir el juego; esto de encon-trar tu público.

Hoy estamos en el mundo del nicho.Antes, la manija de la difusión la tenían unospocos, y se trataba de ver cómo pasar los fil-tros para que esos pocos te difundan. Hoy, ladifusión está al alcance de tu computadora.Pero hay millones de artistas tratando dedifundir lo suyo. Y entonces hay que vercómo llamar la atención, cuando todos tienenalgo para decir. Es muy difícil.

MILAGROSO ESLABÓNHay una tendencia de pensar que lo po-

pular no puede tener en el fondo un marcoteórico, hablando específicamente sobre eltema del estudio. La música es un lenguaje,y como cualquier otro lenguaje, hay quesaber hablarlo. Si tu mensaje es confuso, lagente no lo capta. Tampoco es que hacemosmúsica erudita ¿no?

En lo personal yo he pasado por todoslos estadíos. Cuando Piti (Fernández) mellama para tocar en “Las Patillas…”, mellama porque él me había ido a ver cuando yo

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tocaba en un trío que hacíamos covers de Vai,Satriani, Blues Saraceno, con miles de notas porsegundo. Una época de creer que la música eraeso. Que lo sofisticado es lo bueno, y que alcan-zar cierto dominio sobre el instrumento va ahacer que a la gente le guste lo que hacés.

Esa concepción de que el tipo está haciendomagia, porque no sabés de dónde saca lo quesaca con su instrumento. Pero la realidad es quecuanto más simple sea la cosa, más vas a llegara la gente.

Dicho esto, es muy pero muy dificil hacerque algo simple no suene a fácil. ¿Se entiende?Con tres acordes cualquiera hace una canción.Podés hacer una canción infantil o podés hacerlo que después puede ser un clásico. Entonces,ahí está el truco. Usar el lenguaje no para com-plejizar, sino para embellecer. Y para que esopase, tenés que saber lo que es una novena, ocómo invertir un acorde, o cosas que paranosotros son básicas, porque como somos tan-tos… Somos tres vientos, dos guitarras, pianoy bajo. Si todos hiciésemos un Fa en posiciónfundamental con el bajo en la 6ª cuerda, o un Reabierto, ¡imposible!

Hay un montón de cosas que implicanconocimiento, y sobre todo ésto quehablábamos antes. Toquemos una chacarera yveamos de generarle groove. Y más en unabanda multiestilística como la nuestra. Hay quesaber tomar protagonismo o no cuando hacefalta. A veces hace falta un solo de guitarra contapping, y a veces hay que ser como The Edge ytambién poder hacerlo.

HACIA DÓNDE VOY?En lo que es la composición, todos aporta-

mos canciones que caen en una gran ensaladera,donde el productor artístico de turno es el quejunto con nosotros va decidiendo qué va y quéno va. Es un proceso de eliminación, hasta quellegamos a las canciones que van a integrar eldisco. Pasa que hay canciones que quedaronmuy lindas grabadas, pero que por ahí se caendel estilo que trae ese disco en particular, y lastenés que dejar afuera. Por ejemplo, el primercorte de este “2020” fue un tema que quedóafuera de “Paradojas” (2015). La vez pasadavimos que teníamos la misma cantidad de can-ciones inéditas que las que habíamos editado.

Como dije, somos de llevar las cancionescompletas, y después hay un laburo interno.Hacia dónde vamos a llevar la canción, qué tipode instrumentación vamos a buscar. Despuéshay un laburo de bases como para poderpararnos en un lugar más sólido, y recién ahíempezamos a armar las líneas de guitarras. ConBochi (Diego Bozalla) nos conocemos desde

FER VECCHIO

siempre y nos gusta acoplarnos, comple-mentarnos.

Yo llegué a la música por el heavy metal.Y cuando en la escuela de música me dieronpartituras de Piazzolla o de jazz y me dijeron:ahora tenés que tocar ésto pero con la crio-lla, empecé a encontrar otros “heavy met-ales”, y todo pasa a ser metal. Lo que mefascinó en un principio en aquel estilo demúsica, después me empezó a fascinar enotros estilos musicales. Ahora, por ejemploestoy muy enganchado con TommyEmmanuel y Joscho Stefan, porque nunca lehabía dado bola a la guitarra acústica. Y lesreconozco lo mismo que a otros con los queen su momento me fui fanatizando.

Tengo mis momentos metaleros, ya quesoy amigo de muchos músicos de metal -nopude ir a tocar con Asspera al Luna porqueteníamos una fecha- pero no es algo queextrañe dentro del contexto de “Las pasti-llas…”. Igualmente, hay temas donde debehaber un machaque metalero o un soloestridente para que la cosa funcione. Creoque me acostumbé mucho a la variación, yno sé si me bancaría una banda con unrepertorio puramente de metal al palo. Parahacer una sola vez, seguro que me encan-taría, pero no más de eso.

TANTAS ESCALERASYo también produzco diferentes proyec-

tos, y para involucrarme, tengo que teneralgo para aportar. Produzco todo tipo decosas. Actualmente estoy produciendo tam-bién un programa para CMTV, me meto enlas puestas de “Las pastillas…”, y hasta

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produje un festival. Cuando produzco unabanda, no es que sólo me fijo por ejemplo enla línea de bajo. Es algo mucho más integral.De acuerdo al proyecto, si estoy con ganas ytengo algo para aportar, es tan tuyo comomío. Si es tu guita la voy a cuidar muchomás que si fuese mía, y si es tu música, lavoy a cuidar como si fuese mía. Pero nece-sito creer en eso que está pasando. Si no mepuedo subir a ese mood, entonces no puedoaportar nada.

Como dije, yo hago el diseño de laspuestas de “Las pastillas…”, pero de lasfechas donde se pueden hacer. Las adapta-ciones no las hago yo. Nosotros tocamospor ejemplo en el Luna Park, y despuésquizás hacemos quince fechas más por elpaís. Si la puesta es azul, entonces todotiene que adaptarse a ese color. Para lapuesta original, te la armo, te la dibujo, mejunto con la gente que la va a hacer, todo.Pero después, cuando se trata de empezar asacar cosas para meter esa puesta en otrolado, ahí le pierdo absolutamente el gusto yprefiero dejárselo a otra persona.

En un proyecto musical me meto entodo, desde el sonido hasta las canciones.Es como que vos me abrís las puertas de tucasa, y me pedís que te ayude a acomodarlos muebles porque tenés una reuniónimportante. Entonces te aconsejo, dentro delos muebles que tenés, cómo optimizar lacosa. Y si tenés todo espectacular, te diríaque sólo hay que pegarle una buena barrida,comprar flores, tirar desodorante de ambi-ente y listo. Pero si veo que es todo undesastre, que hay que baldear todo y sacar

los muebles afuera, entonces ayudame.Eso es lo que por ejemplo, hace Ale

Vazquez con “Las pastillas…”. El productortiene que sacar la mejor versión de la can-ción. Para eso, necesitás la mejor versióndel intérprete. Hay gente que se anula con lapresión, y hay otra que logra sacar lo mejorde sí, gracias a esa presión. Hay gente quenecesita relajarse para llegar al clima óptimopara tocar. Hay otros que entran y hacen unaprimera toma de la p***a madre, y de ahí estodo para abajo (risas).

Cuando soy yo el protagonista, no elproductor, tiene que haber una mezcla entrelo que es el conocimiento cabal de la formade la canción y de lo que debería pasar, alpunto de no pensarlo, pero sin irme de loque sí o sí debe pasar. Si me estudio elarreglo como una máquina de coser y lotoco como una máquina de coser, puede queesté bien, pero hay que ver si generás esevínculo que implica un sentimiento. Si porotro lado, tocás con sentimiento pero te vasde tempo, estará todo muy sentido peroordenarlo va a ser un quilombo.

Tiene que ser una mezcla de ser unamáquina de coser, hacerlo sin pensarporque sé qué es lo que tengo que hacer, ysentir qué es lo que está pasando ahí, oescuchar lo que grabó el otro para interac-tuar con él. Por ejemplo, en “2020” me pasóde llegar al estudio con un riff estudiado, ycambiarlo en el momento porque lo pedía lacanción. Llamalo inspiración o comoquieras, pero pasa.

A mí me gusta grabar capas, y gen-eralmente de las últimas, las que son más

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improvisadas, es de donde salen las frasesmás lindas. Si quiero empezar al revés, mevoy anulando y me vuelvo a casa pensandoque soy horrible (risas). Es un proceso quevas aceitando, a medida que vas tomandoconfianza. En casa toco mucho con loops,es un ejercicio que me divierte, y que meayuda en la construcción de lo que tengoque hacer dentro de la banda.

OJOS DE DRAGÓNCon el correr del tiempo y como suele

pasar, algunas canciones fueron cambiandode tonalidad. Así que hoy por hoy tengo gui-tarras afinadas en Mi, otras en Mib y otrasen Re. Y eso sólo ya me hace llevar seis gui-tarras, tres que voy a usar y tres de backup.Normalmente intento tener esta situación dehumbucker y de simple bobina. Tambiénllevo siempre una acústica Godin de nylon ya veces una Yamaha con cuerdas de acero.

Por suerte tengo varias guitarras, perosi tengo que elegir una sola en caso de via-jar al exterior, necesito una que tenga palan-ca, 24 trastes y humbucker. Sé que con esovoy a poder hacer todo lo que me pida labanda. Puede ser una PRS Custom 24 o unaIbanez. Si por ejemplo me llevase sólo unaTelecaster, sé que en un par de temas la voya pasar mal.

Después tengo otras guitarras de lascuales soy bastante más celoso, y que sólosalen de casa en ocasiones muy puntuales.Por ejemplo, en el Gran Rex lo invité a tocaral Tano Marciello, y en vez de traer suIbanez CN250 usó una que tengo yo, quees igual a la de él.

También tengo algunas marcas que mehan dado instrumentos. La Kononykheenrusa, una guitarra brillante que me sor-prendió, o la Hagstrom y la Ovation acústica.

Desde el 2017 que uso Fractal en lo quese refiere a amplificación. Al principio usabauna rackera y el controlador de piso, peroahora cambié por la pedalera. Nosotros via-jábamos mucho afuera, y en un momento seempezó a complicar por el sobrepeso de loque eran los equipos, así que empezamos aalquilar en el destino. Pero a veces pasabaque vos pedías una cosa pero te encontrabascon otra (risas). Y la verdad es que cuandoestás ahí, a doce mil kilómetros de tu casa,llega el momento del show y tenés que en-chufar en cualquier cosa, es horrible.

Uno le pone onda, porque estás en otrolugar, estás tocando; pero qué c***a tenerque enchufar en esta m***a. Ahí fue queme dije que esta situación no me podíapasar más. Entonces me compré el Fractalde rack junto con el controlador. Y al final,cuando tuve que viajar afuera, el peso y eltamaño era el mismo que si llevaba uncabezal y una pedalera. Entonces me gastéunos mangos y me compré el AX8 y voycon eso a todos lados. El otro Fractal lo dejoen casa y lo uso para grabar.

VIEJO KARMA¿Cómo fue el paso de un ampli al

Fractal? Nosotros ya veníamos trabajandocon in-ears desde hacía mucho tiempo. Y elproblema que yo tenía era que adentro delin-ear escuchaba todo gangoso, por asídecirlo. Me encontraba modificando el pre

del ampli para que me sonara bien, y en elúltimo tema, cuando me sacaba los auricu-lares como para tocar un tema libre,escuchaba cómo estaba sonando realmenteel ampli y me quería tirar del escenario auna letrina (risas).

El ampli costaba una fortuna, lo mismola guitarra y los efectos. Entonces ¿endónde estaba el problema? Era una sumato-ria de cosas que iban a ser la solución alproblema, pero terminaban siendo unengranaje más de este motor que no fun-ciona. Así que hablé con un amigo, NatanielSoria, que fue stage manager de Calle 13, yél me dijo del Fractal y del Kemper. En esemomento yo tenía la sala DVS, donde entreotros ensayaba Eruca Sativa. Hablé conLula, y ella me permitió entretenerme unpoco con su Fractal. ¡Y ahí flasheé! Erajusto lo que estaba necesitando.

Igualmente sigo en un híbrido, porquesobre el escenario tengo una caja 4x12” conuna potencia digital, como para no desvirtu-ar el audio. Nosotros somos muchos, y nosiempre tocamos en escenarios ideales. Notodos son el Luna Park o el Gran Rex. Si elescenario tiene sidefills es una cosa, sino esotra cosa; si te ponen el sublow debajo delescenario también cambia. A veces pasaque la mezcla del in-ear no termina de sercómoda, y ahí prefiero sacarme los auricu-lares, ponerme cerca del ampli y tocar con-fiado. Yo creo que finalmente, estas com-pañías que reproducen en sus aparatos losregistros de los amplis, por fín llegaron aalgo que está realmente bien.

Marcelo Roascio

FER VECCHIO

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El nuevo disco de Robben Ford es completamente instrumental, el primero desde“Tiger Walk” del ’97. En “Pure”, Ford no se vincula a un solo estilo, sino que pre-senta su versatilidad y su capacidad de extraer lo mejor del blues, el rock o el jazz.

EEl hecho de haber sacado un disco como“Pure”, que es completamente instrumental,tiene que ver con una cuestión de tiempos.En el 2017 me mudé a Nashville, y mi idea eradejar de hacer giras y producir discos. En2018 estuve de gira, porque tenía compro-misos que había arreglado con anterioridad,pero para fines del 2019 ya había producidomi segundo proyecto, que fue para un jovenguitarrista llamado Daniel Donato. Lo hicimosmuy rápido y sonó increíble. Despuésempecé a producir a otro guitarrista, JohnJorgenson de los Hellecasters, a un guitar-rista acústico llamado Paul Franklin, y tam-bién grabé y produje “The Sun Room”, undisco con el saxofonista Bill Evans.

Todo esto era música instrumental, ori-entada por supuesto a la guitarra. Así que eraen donde estaba mi cabeza en ese momento.Y de repente aparece en escena el Covid. Esocerro todo, y pensé qué iba a hacer para mímismo como artista creativo. Así que decidíproducir mi propio disco instrumental, ya

que estaba muy metido con la guitarra entodo lo que venía haciendo. Por suerte, tuveel apoyo de earMusic en este proyecto. Creoque “Pure” es un disco muy individualista,muy musical. Además, no está influído porotras personas. Cuando uno entra al estudiocon una banda, todos ejercen un influenciaen lo que vos tocás. Pero este disco es algomuy personal.

DISPUESTO A ESPERARCuando tomo el rol de productor, no

importa quién sea el artista con el que traba-je, siempre va a tener cierta influencia en laforma en que produzco. Lo fundamental eshacer que el artista se sienta cómodo. Es sudisco, y tener una buena habilidad como pro-ductor siempre es de mucha ayuda para elartista. Dependiendo de la dinámica, puedoestar muy involucrado, o tomar distancia ydejar que el proyecto fluya. Hay veces en queel artista tiene una opinión muy fuerte de loque quiere tocar, de con quién quiere grabar,

entonces simplemente le reservo un estudioy ya (risas). Hacé lo tuyo. Eso para mí no esdivertido. Lo que me gusta es colaborar.Además, alguien tiene que ser el que diga:suficiente.

En “Pure”, Casey Warner es el co-pro-ductor del disco. Es un tipo muy talentoso yun gran ingeniero. Además de ser baterista,toca la guitarra, escribe y es un gran can-tante. En “Pure”, su rol fue principalmente elde conseguir los sonidos, de grabarlos comose debe, y después también se encargó de lamezcla.

Toda la música es mía, y soy general-mente el tipo creativo, pero él tiene la habili-dad de ver qué otra cosa se necesitaría,como para redondear un tema. En cuanto alas baterías, en los temas tienen distintossonidos gracias al trabajo de Casey.Encontrar el sonido de un tambor enInternet, pasarlo por un ampli y sumarlo alque ya estaba. Cosas como esas.

Por alguna razón, también somos de

ROBBEN FORD

PURA GUITARRA

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pensar igual en cosas que resultan clavesdentro de una canción. Yo usaba una guitarrapara la melodía, otra para una segunda partedentro de la melodía, y otra más para el solo.De pronto nos mirábamos y decíamos:¿habría que cambiar de guitarra, no?Tenemos una relación de trabajo muy salud-able, y nos conocemos hace unos quinceaños. Él tocó en mi banda, y co-produjo midisco anterior “Purple House”.

ROMPIENDO CADENASHubo algunos temas en donde hay dos

bateristas, aunque no tocando al mismotiempo, sino en diferentes secciones de lacanción. La forma en la que hicimos estedisco fue la siguiente. En el estudio creamostracks de batería usando la computadora(hihat, tambor y bombo), después yo lesagregaba el bajo, una guitarra, y otra guitarramás, hasta que estábamos conformes con laidea. Esos tracks se los enviamos a cincobateristas distintos. Ellos los grababan y noslos mandaban de vuelta. Después trajimos aun bajista, que fue el único que estuvo connosotros en la grabación.

Lo que pasó por ejemplo en “A Dragon’sTail”, fue que en su versión original, cuandoescribí el tema, no tenía un solo. Para mí, eltema estaba muy bueno, pero terminaba muypronto. Necesitaba de una improvisación.Después de todo, ¡era mi disco! (risas). Asíque llegado un momento, le pedí a Casey que

crease un click track, y sobre eso toqué unalínea de bajo, algunas rítmicas, y se lo envi-amos todo a Shannon Forrest (Taylor Swift,Toto). Entonces, lo que se escucha en el temaes en realidad un insert de esta parte, dondehago el solo sobre una base tocada conShannon, mientras que Toss Panos tocabatería en el resto. Por eso “A Dragon’s Tail”tiene dos bateristas.

En lo que se refiere a los títulos de lascanciones instrumentales, puedo nombrarpor ejemplo a “Balafon”. Durante todo eltema se puede escuchar un instrumento per-cusivo que toca en el fondo, y eso es un bal-afón (instrumento de madera con reson-adores de calabaza, oriundo de África). Asíque decidí llamar a este tema por el instru-mento que me parecía clave en la canción. “ADragon’s Tail” es un tema con un riff si sequiere algo más pesado, que me sugería jus-tamente la cola de un dragón. “Milam Palmo”es el nombre busdista de mi pareja. Ambossomos budistas. “Blues for Lonnie Johnson”es sólo una dedicatoria. “Pure” se refiere atodo el disco, y en especial a ese tema. Escomo esa primer nota que se escucha en eldisco, que para mí suena muy pura.

HECHO PARA DURARUna canción puede empezar de formas

distintas. Por ejemplo, “A Dragon’s Tail” fuecompuesta de una forma intencionalmente“twangy”, si es que se entiende el término.

La compuse para acentuar bien la guitarra.Necesitaba una línea de guitarra bien cool.De ahí le sumé un par de acordes, y lamelodía vino después, en el estudio.También tiene una sección con un arpegio.Es un tema compuesto de tres partes. Está elcomienzo bien “twangy”, luego el vamp condos acordes, el arpegio de guitarra, y lamelodía vino cuando ya tenía todo grabado.El riff del tema habla por sí mismo.

En general, las melodías me vienen facil-mente. Suelo tener melodías en mi cabezatodo el tiempo. Amo las melodías. Quizás aalguien no les gusten, quizás no sean tanbuenas, pero simplemente trato que mehagan feliz.

“If you want me to” comenzó porquenecesitaba un tema más para el disco.Recordaba esta línea de bajo, que luego esdoblada por la guitarra, que yo había escritoen 1978, pero que había desaparecido de mirepertorio no sé porqué razón. Creo que latocaba en la gira de mi primer disco “TheInside Story”. Así que de pronto recordé estalínea y escribí la canción. Al comienzo eransolamente acordes, y después le agreguéesta melodía, que en principio era muyimprovisada. Y fue esa melodía la que mesugirió el nombre de la canción (…Robbencanta la melodía con la letra que le da títuloa la canción).

La mayoría de las canciones de “Pure”empezaron con una serie de acordes, una

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línea de bajo y un pattern de batería. Las únicas dos excep-ciones creo que fueron “Milam Palmo” y “Belafon”, quefueron verdaderas composiciones, no el resultado de unaimprovisación en el estudio. El arte de la composición es ensí mismo, el resultado de un ejercicio. Probar algo que quizásuno no había hecho. Yo nunca compuse algo en un estilo si-milar al de James Brown, pero me forcé a hacerlo. El resulta-do es “Go”. Sólo hay que animarse, siempre.

CAMINO AL SOLSi tuviese que elegir algunos temas de “Pure”, definitiva-

mente uno sería “Blues for Lonnie Johnson”, una impro-visación de punta a punta. Tonalidad de Do. Un, dos tres…Nate Smith es el baterista y Dave Roe toca el bajo acústico.Otro sería “Milam Palmo”, un tema muy profundo y conmucho sentimiento. El tercero bien podría ser “Go”, un temasoulero que escribí pensando en el baterista Nate Smith.

Mi disco anterior fue “Purple House” (2018). En estedisco me dí mucha libertad, sobre todo en lo que a la líricase refiere. Quizás las letras no tengan mucho sentido, sólopara mí. Muchas veces, la gente no sabe de lo que estoyhablando en mis letras (risas), y estoy Ok con eso. Una de lasrazones es debido a la banda Alabama Shakes.

Su segundo álbum -“Sound & Color (2015)”- lo encuen-tro realmente impresionante. Cuando salió, pensé que iba acambiar la forma en la que se hacía la música, pero pareceque fui el único con ese pensamiento (risas), aunque ganódespués el Grammy por mejor disco alternativo. La cosa esque tomé muchos tips de su productor Blake Mills en lo quese refiere tanto a las guitarras como al tema de las letras. Élme dijo que no tenía porqué preocuparme si mis letras notenían sentido para otra gente que no fuese yo. Así que esofue una gran inspiración para mí en este campo.

También, creo que “Purple House” es el primer discodonde no tengo un tecladista. Sólo guitarras. Los pocos tecla-dos que hay los toqué yo mismo, y sólo hay un organista queentra en el final de “Willing to wait”. Fue un gran paso para mí.En “Pure”, los teclados también los toqué yo, y sólo aparecenen algunas partes. Después, es todo guitarra. Lo mismo envivo: sólo guitarra, bajo y batería, sin teclados.

TOP DOWN BLUESBásicamente, yo soy autodidacta. Nadie me enseñó

cómo tocar nada, y mi forma de tocar la guitarra ha ido cam-biando con el tiempo. En el comienzo hacía sonar las notascomo podía, estirando las cuerdas, haciendo ligados (pulloff), y sólo pegando la púa hacia abajo. Cuando ví que losguitarristas de jazz usaban un movimiento de púa alternado(abajo-arriba), comencé a practicarlo. También comencé ausar el dedo meñique, ya que sólo usaba tres dedos de lamano izquierda.

En mi primer disco “The Inside Story” había un tema lla-mado “I need somebody”. Yo era fan de una banda llamadaStuff, y su guitarrista tocada de un modo muy percusivo. Ahífue cuando me dí cuenta que si usaba mis dedos para pulsarlas cuerdas, podía lograr ese mismo sonido. Hoy en día casino toco con mis dedos, sólo con púa. Tocando con púa alter-nada y alivianando un poco mi mano izquierda pude ganar ®

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velocidad. Usar mis dedos era algo asícomo una técnica más blusera.

GENTE DIFERENTECuando salgo de gira llevo casi siempre

una Les Paul y una Telecaster. La Tele mepermite tocar casi todo lo que quiero. Paramí, la Les Paul es en ese sentido más limita-da. Así que si sólo puedo llevar una sola gui-tarra, ésta sería la Telecaster. No tiene tantoque ver con el mango sino con el sonido. Enrealidad, me cuesta más tocar con la Teleque con la Les Paul. Tiene esta chapa en elpuente… ¡Aún después de treinta añossigue siendo terrible! (risas). Me la pasopegándole al pote de volumen. Pero unamigo le reformó el puente y ahora la cosaestá mucho mejor. Tendría que haber hechoesto hace mucho tiempo. Pero volviendo altema, lo que me atrae de la Telecaster es susonido y su versatilidad. Es una gran guitar-ra rítmica, un excelente instrumentoblusero, y también le encontré la vuelta parasacarle algunos sonidos más jazzeros.

Para grabar “Pure” sólo usé amplifi-cadores de verdad. Usé un cabezal LittleWalter valvular de 50 watts, con un bafle1x12” de mi co-productor Casey Wasner,que sonaba mejor que el mío, al menos paraeste disco. En el tema “White Rock Beer… 8Cents”, el ampli que se escucha es miDumble de 100 watts con el bafle 2x12” amucho volumen. También en “Blues forLonnie Johnson” y en el solo de “A Dragon’sTail”. Pedales usé el overdrive Zen Drive, y aveces usamos algún plug-in. Para los distin-tos colores en los temas, fui cambiando de

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guitarras. Por ejemplo, en “If you want meto” usé mi Epiphone Riviera con el tonocompletamente cerrado. La que casi no usépara el disco, fue curiosamente la Telecaster.Una que usé mucho fue la PRS, como en“Blues for Lonnie Johnson”. El solo del tema“Pure” fue hecho con otra PRS distinta, y lamelodía con mi SG ’64.

DOJO DE GUITARRAEl sitio RobbenFordGuitarDojo.com

empezó como un canal -que también lleva-ba el mismo nombre- que estaba dentro dela plataforma del sitio de clases de guitarraTrueFire. En cierto punto decidimos abrirnuestro propio website, en vez de seguirusando el de TrueFire. Mi novia KellyRoberts es diseñadora gráfica, y fue quiense encargó de diseñar mi sitioRobbenFordGuitarDojo.com junto con elarte para “Pure”. Yo proveo el contenido yella filma la gran mayoría, junto con otragente.

El sitio tiene cursos, lecciones indivi-duales de riffs, y una sección que se llama“No Talking”, donde estoy sentado tocandopor tres o cuatro minutos, sin hablar. Hayentrevistas con talentos locales de Nashville,y otra sección llamada “Story Hour” dondehablo sobre mis experiencias, como porejemplo la de haber tocado con Miles Daviso Joni Mitchell. El sitio tiene toneladas dematerial, y se accede a él mediante unasuscripción. O sea que se accede a todo elmaterial del sitio con una sola suscripción.Algo interesante es que una vez al mes,vengo haciendo un concierto en vivo, que se

incluye con la misma suscripción, sólo paralos miembros del Guitar Dojo. También, unavez al mes hago charlas por Zoom en vivocon los estudiantes.

Si alguien viene y me pregunta ¿quétengo que saber para tocar blues?, loprimero que le diría serían dos cosas. Queescuche los primeros trabajos de B.B. King-mis favoritos son “Blues is King” y “Blueson Top of Blues”- y después, que se consi-ga el libro de Mickey Baker (CompleteCourse in Jazz Guitar: Book 1) para apren-derse todos esos acordes. Es un misteriopara mí, por qué mucha gente no quiereaprender acordes. No puedo creer cuantosacordes no son tenidos en cuenta por losguitarristas. ¡Es ridículo!

Y la razón por la que digo esto, esporque estos acordes se pueden usar muybien para hacer blues de forma muy sencilla.Está todo ahí. Un blues de doce compases sepuede tocar con un montón de voicings.Además, sabiendo acordes entendés muchomás a la guitarra. No es tan difícil. Quizás seaporque no entienden a la música.

Yo pienso en mí mismo como un músi-co. La guitarra es mi medio para hacer músi-ca. Me gusta ser creativo, no sólo tocando laguitarra. Conozco a mucha gente que piensaen sí mismo solamente como guitarristas,que son mucho mejores que yo. Pero nonecesariamente hacen buena música. Paramí, la música está primero.

Marcelo RoascioFoto Tapa: Mascha Photography

Gracias Chris Klimek(Product Manager/A&R earMusic),

Bettina Herman & Isabelle Albrecht (earMusic).

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EL MOTOR ES LA MÚSICA

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MARCELO TORRES

Este bajista, compositor y autor, además de haber integrado las bandas de LuisAlberto Spinetta, Lito Vitale, Adriana Varela y el Indio Solari entre muchos otras,tiene editados a lo largo de su extensa carrera, cinco discos como solista.

cómo se gestaba la música. Es diferentecuando vos venís tocando con una banda acuando hacés los temas y llamás a distintosmúsicos para que los toquen. Al comienzo,en mi primer disco, empecé componiendo yescribiendo toda la música para los distin-tos instrumentos, y con el correr de losaños fui bajando el nivel de exigencia encuanto a eso. “Edad luz” se hizo todo en elestudio. Llamé a los músicos y yo tenía laspartes escritas para todos.

“Constructor de almas” ya lo veníamostocando en vivo en banda antes de entrar agrabarlo, a pesar de que hubo un cambio debaterista, cuando Sergio Verdinelli pasa atocar con Fito Páez y entra CristianJudurcha. Así que fue una situación muydistinta, bastante grupal. De ahí en adelante,

con una melodía, y después empiezo un tra-bajo más artesanal, quizás buscando unacorde por otro, o si quiero más o menostensión… Por ahí, en otro momento hacía loque me salía y chau.

Mi impronta tiene que ver mucho con lamúsica folclórica, y también me gustamucho la improvisación o los acordes dejazz. Por ejemplo, desde “Edad luz” hastaeste “Adivino del tiempo”, la impronta fol-clórica la sigo teniendo. En lo que siento quehe crecido bastante es en el trabajo de lasformas de las canciones. Quizás antes, misdiscos eran más conceptuales, con un hiloconductor. Ahora, mis temas tienen una con-strucción más definida.

A lo largo de mis discos la cosa fuecambiando un poco, pero más en función de

Lo que viene conmigo no cambió, y merefiero al sentido estético de la música, quetiene que ver con todos los discos que fuihaciendo: “Edad luz” (’93), “Constructor dealmas” (2003), “Átomo” (2010), “Universosen miniatura” (2014), y “Adivino del tiempo”(2018). Lo que sí siento, es que con el tiem-po fui creciendo y pude componer música,armado de más elementos, tanto rítmicoscomo armónicos o melódicos. Igual, cuan-do compongo una canción no pico desde ellugar del conocimiento, sino desde la emo-ción. Todo lo que voy estudiando se vaincorporando en algún lugar de mi cabeza,que después surge en la música.

IDENTIDADCuando compongo una canción empiezo

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los discos estuvieron más trabajados gru-palmente, pero siempre a partir de la ideaque yo tenía para cada canción.

MEMORIAS DEL AGUA“Adivino del tiempo” es un disco que

tiene una gran impronta relacionada con losviajes que yo hice a Tilcara, a Jujuy, aHumahuaca… Y si bien ese paisaje meimpactó muchísimo -de hecho aparece en elarte del disco- también aparecen otrasmúsicas, como un tema dedicado a JerryLewis, un actor que muchos de sus gagstenían que ver con lo musical y que disfrutémucho en mi infancia, o el tema dedicado aMilagro Sala, o hasta un tema que ledediqué a mi perro Tobías, que me acom-pañaba a todos lados.

Lo que intento desde “Universos enminiatura”, es no limitarme a que los temastengan sólo una determinada sonoridad. Dehecho, en este último disco están FrancoLuciani que toca la armónica en el tema“Clayton”, Manu Sija toca violín en otrotema, Juan Pablo Di Leone toca flauta en“La magia de la Xesta”, el tema que grabé enCuba y que terminamos acá, y otros invita-dos más, junto con la base que confor-mamos con Diego Alejandro en batería y

Abel Rogantini en piano.Hablando específicamente del nombre

de los temas, hay un poco y un poco. Estápor ejemplo “El labrador de Uquía”. Uquíaes un pueblo donde yo paré, que está entreTilcara y Humahuaca, y donde ví a unlabrador trabajando la tierra. Así que en esecaso en especial, el título tuvo que ver conlo que yo experimenté en ese momento. Enotros casos, es quizás alguna idea la que melleva a pensar una canción y a relacionarlacon un título. El título completa muchasveces la idea de la música. Me gusta quedentro de lo posible, los títulos sean poéti-cos; que digan algo.

NO TAN SIMPLESi bien soy autodidácta, estudié mucho.

Yo diría que el autodidacta estudia más quealguien que va a una escuela de música. Ojo,ésa es mi visión del autodidacta. Otros pien-san en el músico autodidacta como alguienque no estudia nada y que se pasa el díatocando. A mí me gusta agarrar libros ydecodificar cosas. La diferencia está en queyo voy a mi ritmo. Las escuelas o universi-dades te organizan una cantidad de informa-ción en un lapso de tiempo determinado, quequizás no tiene mucho que ver con las

necesidades del alumno. Yo no puedo esper-ar a aprender una escala ahora y otra dentrode tres meses, por decir algo. Pero todo estotiene que ver más con la actualidad.

En realidad, yo soy autodidacta porquea comienzos de los 70s, cuando yo empecé,no había nadie que te enseñase cómo tocarel bajo eléctrico. Vengo de una familia declase trabajadora, y no existía la posibilidadde costearme nada. Mi escuela fue escuchardiscos y practicar mucho. Y la música queyo escuchaba requería de cierta destrezapara poder imitarla un poco. Tocar una líneade bajo de Chris Squire (Yes), o una base deJohn Wetton (King Crimson), o ritmos irreg-ulares de Gentle Giant.

Las clases particulares que doy soncomo Dios manda, con toda la info posible.Tengo prácticamente un libro terminado, asíque también tomo cosas de ahí. Y en generalcuando hago giras, las completo con lo queyo llamo “conversatorios”, donde trato detrasmitir la pasión por la música. Me gusta irmás a fondo de lo que es una escala o unacorde. Cosas como qué es ser un músicoprofesional, o cómo entender la música, o sies conveniente estudiar solo, ir a una escuelao hacerlo con un profesor, que son todascosas que no están en los libros.

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También hay muchas cosas existenciales quetienen que ver con la música. Todas las problemáti-cas que tenemos como seres humanos, tambiénaparecen en nuestra relación con la música. A estos“conversatorios” viene gente que no necesariamentetoca el bajo.

NUESTRO BARRIOCreo que los bajistas tenemos una ventaja con

respecto a otros instrumentos. El bajo eléctrico noes un instrumento que define un estilo musical. Sitocás el acordeón o el bandoneón o el cello, soninstrumentos que quizás tienen una representaciónmás fuerte dentro de un género específico, cosa queno sucede con el bajo eléctrico. El bajista tocacumbia, toca jazz, toca rock, toca folclore, tocatango, cualquier música étnica, lo que quieras. Enese sentido, los bajistas tenemos un campo de tra-bajo muy grande. Pero por otro lado, también ten-emos que aprender los patrones rítmicos de todosestos estilos, para poder tocarlos como se debe. Sitenés que tocar reggae, un samba, una bossa, untumbao, un ritmo en ¾ o una chacarera, es todainformación que tenés que saber manejar.

Después, obviamente el bajo es un instrumentoque interactúa con todos los demás instrumentos.Hay otros instrumentos que entran y salen de lamúsica, pero tanto el bajo como la batería estánsiempre ahí, somo el motor. Así que es importantesaber cuándo, dónde y cómo interactuar con losotros instrumentos. De eso también va dependertanto nuestro crecimiento como músicos, como elhecho de que nos sigan llamando para diferentesproyectos. Cuando tenés tu propio grupo, tocás loque querés y nadie te va a poner un límite. Perocuando tocás para alguien más, es importante saberhasta dónde podés llegar.

Otro punto se refiere a saber leer música. Quizásen la actualidad, no creo que sea una requisitoriapara poder trabajar. Pero por una cuestión de satis-facción personal, yo trataría de aprender a entenderlos acordes, a leer cifrados, aprender a leer en clavede Fa y de Sol. Ya puede ser una exquisitez lo queestoy diciendo, pero creo que poder agarrar unamúsica y leerla es algo muy importante para abordarsituaciones musicales que por ahí lo requieren.¡Todo lo que sea conocimiento, suma!

AQUELLA LUZEl primer bajista que yo escuché, que tocaba

bajo de seis cuerdas, fue a Anthony Jackson (Al DiMeola, Michel Camilo, Chaka Khan, Mike Stern, PaulSimon, etc.). Curiosamente, es el bajista queescucharon todos los que luego usaron bajo de seis,como John Patitucci o Alain Caron, por ejemplo. Yoescuché a Anthony Jackson en un disco del trío delpianista Michel Camilo (“Why not?”). Es lo mismoque me pasó con el fretless. Cuando lo esuché a

MARCELO TORRES

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Jaco Patorius, le saqué uno por uno lostrastes a mi bajo Fender.

Yo tenía un luthier amigo, AlejandroRubio, que le pregunté si se animaba a hac-erme un bajo de seis. Cuando me dijo que sí,me puse en campaña para comprar todos losaccesorios y las maderas. Los accesorios demi primer bajo de seis son de Ken Smith, lamarca que usaba Anthony Jackson. Tenía unamigo que vivía en Nueva York, y él me com-pró el puente, las clavijas, los micrófonos y elpre activo, cosas que eran muy difíciles deconseguir en aquel momento.

Me acuerdo que compré la madera delcuerpo en Vendoma, y para la trastera,estuve persiguiendo un tiempo a un tipo quehacía violines, que tenía un ébano Macassarque yo quería. Con ese bajo grabé discos delLito Vitale Cuarteto, el disco doble deSpinetta y los Socios del Desierto, y tambiénmis primeros discos como solista. Hoytengo el privilegio de ser endorser de losbajos Fodera, y Vinny Fodera trabajaba origi-nalmente para Ken Smith.

Actualmente me estoy reencontrandocon el bajo de cuatro, que lo uso en lasclases con mis alumnos. Pero cuando llegael momento de tocar en vivo, el bajo de seisme suma una cuerda grave y una aguda queme dan más posibilidades. Es una elección,

no es que estoy todo el día tocando las seiscuerdas. El instrumento es el que te da laposibilidad de elegir hacia dónde querés ir. Eltema es usarlo con criterio.

ESFERAS DE SALCon respecto a los diversos proyectos en

los que estuve, por una cuestión afectiva,tendría que nombrar al primer grupo en elque participé. Era Tocatta, un trío de rock quetuve a los doce años. El siguiente -Paulatino-fue un grupo de mucha formación. Tenía 16y hacíamos música instrumental de temaspropios con influencias de Frank Zappa, deMahavishnu, de The Eleventh House. Eso fueuna escuela para mí, y tiene que ver con loque fue ser autodidacta.

Después de eso, el primer grupo impor-tante fue Raffo IV, el cuarteto con el PolloRaffo, Pablo Rodríguez en saxo, y Luis De LaTorre en batería, donde mezclábamos influ-encias de Weather Report con músicaargentina. También fue cuando tuve queaprender a leer música, porque el PolloRaffo escribía todo. A continuación vinoTantor (’81), con Héctor Starc y el recordadoRodolfo García, con gran exposición masivadentro del ambiente del rock. Me acuerdoque en el primer show estaban Spinetta yCharly García en la primera fila.

Con Lito Vitale desarrollamos una músi-ca instrumental de la cual me siento, enparte, muy involucrado. Con Lito fuimoscomo nueve veces a tocar a Europa, con unéxito increíble. Fue lo más parecido al idealde la vida de músico; hacer giras y laburarde esto con permanencia. Por ejemplo, elproductor que tenía Lito en Europa era elmismo que llevaba a Pat Metheny, a Princey a Miles Davis.

Ya después vino lo de Spinetta. ConSpinetta estuve seis años y grabamos cincodiscos tremendos y hermosos. Su música laconocía desde que yo tenía doce años, ytambién me formó como músico. Por ejem-plo, Machi y Pomo habían grabado conPappo, y después fueron parte de Invisible.Pensar en la ductilidad de esos músicos, fuetambién una gran influencia para mí.

Cuando empecé y me decidí por sermúsico, yo los veía y me decía que quería sercomo ellos. Así que llegar a compartir y atocar con todos estos músicos fue muyimportante, sobre todo en lo que a energíapositiva se refiere. Salir adelante en este paísno es fácil, con un medio que es bastantehostil para con los artistas. Por eso es muyimportante tener a músicos que te vanmostrando el camino.

Marcelo Roascio

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SOUL PRESS IIEl Soul Press II es la segunda genera-

ción de la serie de pedales Hotone Press.Este pedal combina los diseños del SoulPress original y del Vow Press, integrandohasta cuatro funciones: volumen, wah,volumen/wah y expresión. Cuenta con unindicador de posición luminoso que mues-tra la posición del pedal en tiempo real.Sus modos de Tono (rango de frecuenia) yde Q (rango del efecto) representan un ver-dadero avance en lo que a tonalidad y fun-cionalidad se refiere.

El Soul Press II incluye múltiples opcio-nes de entradas y salidas, y su diseño ergo-nómico lo hace apto para pedaleras super-pobladas. Trae salida independiente para elmodo de Expresión que posibilita su usopara controlar los parámetros de otros efec-tos, una salida para el Afinador que permiteque esté por fuera de la cadena de efectos,

junto con la entrada (In) y la salida (Out)estándar, además de ser True-bypass.

AMPERO PRESSSi bien el pedal Ampero Press es el

compañero ideal de la pedalera AmperoOne, también representa una adición muyútil a la Ampero original. Se trata de unpedal pasivo de volumen y expresión. Es un2-en-1 compacto, diseñado para controlarla serie de multiefectos Ampero, y tambiénpara cualquier otro elemento con salidapara pedal de expresión. Asímismo, es pos-bile utilizarlo simplemente como un pedalpasivo de volumen.

Al igual que las pedaleras Ampero deHotone, está construido con una carcaza dealeación de aluminio sólido. Incluye salidasindependientes tanto para el modoVolumen como para el modo Expresión,como para controlar ambos parámetros almismo tiempo.

AMPERO SWITCH¿Otro switch más? Sabemos que la

cantidad de interruptores de conmutaciónque vienen en estas pedaleras nunca sonsuficientes. Es por esta razón que Hotone sedecidió por lanzar el Ampero Switch, quesuma dos footswitches más a las pedalerasAmpero y Ampero One. El Ampero Switches un controlador de pedal ultracompacto,diseñado no sólo para Ampero, sino tam-bién para otros dispositivos con incluyan laposibilidad de contar con un switch externocomo éste. Trae el mismo diseño y cons-trucción que los de las pedaleras Ampero.

En el caso de usarse junto con unaAmpero o Ampero One, sólo es cuestión deconectarlo a la salida EXP 2/FS con el cableTRS que se incluye con el Ampero Switch,y luego habilitarlo desde el menú de ediciónglobal de la pedalera.

De esta forma es posible cambiar debancos más rápidamente, usarlo como

informe

Si bien tienen diferente nombre, estas dos marcas forman parte de una mismaempresa dedicada a la producción de procesadores de efectos, mayormentepara guitarra eléctrica. En el siguiente informe presentamos algunos de los nue-vos productos lanzados recientemente.

Soul Press II » Ampero Press » Surge »Patch Kommander » Ampero Switch

HOTONE-VALETON

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selector de patches para tener mayor con-trol de los efectos, para habilitar o no losmódulos de los distintos efectos, para con-trolar el tap-tempo de los efectos de tiem-po, o para manejar el looper o la máquinade ritmos.

PATCH KOMMANDERSupongamos que tenemos una pedale-

ra con varios “cochecitos”, y no queremosconectarlos en serie como para que nosreste señal. Además quisiéramos la opciónde combinarlos, pero sin la necesidad deaprender a bailar tap para encenderlos yapagarlos mientras tocamos. Entra en esce-na el Patch Kommander de Hotone.

Se trata de un Loop Switcher programa-ble de cuatro canales. ¡A no confundir loopcon looper! Es como si multiplicásemos porcuatro el envío/retorno del loop de Fx denuestro ampli. De esta forma, el PatchKommander de Hotone trae en su parte tra-sera cuatro loops (send & return) marcadosdel L1 al L4, junto con otra entrada para unafinador, una salida para controlar el cambiode canales del ampli (SW A/B), además delas entradas y salidas habituales para ins-trumento y equipo.

En el frente vemos cuatro footswitchesque van del 1 al 4, uno llamado Mute/Tunerpara habilitar nuestro afinador, y otro másllamado Bank. Este footswitch funciona -en

el modo Direct- para cambiar los canales denuestro ampli, y en el modo Preset, paraseleccionar entre los bancos de sonido quehayamos programado.

¿Dijimos que este switcher era progra-mable? Existen dos formas de usarlo: enmodo directo para accesar cada uno de lospedales conectados al switcher, o sino paraseleccionar entre 12 presets programables,armados en 3 bancos de 4 presets porbanco, para lograr diferentes combinacio-nes de nuestros efectos.

SURGELa serie de pedales Surge de Valeton

incluye los modelos EP-1 y EP-2. Se trata deun pedal de volumen y wah (EP-1), y unopasivo de volumen y expresión (EP-2).Estos pedales traen un diseño compacto deunos 15 x 6 cm, aptos para las pedaleras dehoy en día.

El EP-1 incluye en su parte superior unLed indicador de on/off, y la conmutaciónentre sus dos funciones se realiza medianteel footswitch tradicional localizado debajodel pedal. El EP-2, al ser pasivo, no necesi-ta de una batería o de una fuente externa dealimentación. Su funcionalidad 2-en1 detec-ta al instante la fuente de entrada, seleccio-nando automáticamente si su función debeser de expresión o de volumen.

Importa y distribuye:Music Solutions S.A.

www.musicsolutions.com.ar

MMIDIPLUS

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informe

La marca Midiplus está comprometidacon la investigación y el desarrollo de pro-ductos relacionados con lo que es el Midi.Produce muchas series de controladoresde teclados y equipos Midi que exporta alos Estados Unidos, Europa y a otros paí-ses.

En lo que se refiere específicamente alas baterías electrónicas, Midiplus presen-ta en el mercado local tres modelos: ED-6,ED-8 y ED-9pro, cada uno con caracterís-ticas de construcción en común, perotambién con distintas prestaciones. Entodos los casos se trata de una batería quecuenta con platillos con doble zona comopara lograr diversos sonidos, soportes dealta calidad que son 100 x 100% regula-bles, y un pedal de bombo igual al que lle-van las baterías acústicas.

ED-6En el caso del modelo ED-6, esta batería

viene con tres toms de 9” (23 cm.) con par-ches de goma, un tambor de 10” (25 cm.)de doble malla, un crash y un ride de 12”(30 cm.) con malla de goma, junto con unhihat de 12” (30 cm.) también con malla de

Una batería electrónica tiene varias aplicaciones, sobre todo para los multi-instrumentistas que gustan de grabar y/o ensayar en la comodidad de suhogar. Repasamos aquí las características de los tres modelos de esta marcaque se encuentran disponibles en el mercado local.

Muchos se preguntarán ¿qué hace unabatería electrónica en las páginas de unarevista de guitarra y bajo? La realidad denuestros días es que existen muchosmúsicos que tocan más de un instrumen-to, que graban y hasta ensayan en su casa,y que necesitan de un elemento de percu-sión que suene bien y que no molestedemasiado a los vecinos. Una batería elec-trónica reune todos estos requisitos yalgunos más, ya que también se la puedellevar al vivo como instrumento principal ocomo un agregado a la batería acústica.

Veamos a continuación los detalles delos modelos de esta marca que se encuen-tran en el mercado local, y que reúnenprestaciones y costo muy acordes a lasnecesidades del músico principiante osemipro.

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goma, todo montado en un mismo sopor-te regulable. Este modelo incluye un pedalde bombo junto con un pad de 9” (23 cm.)que haría las veces de bombo, y un pedalcontrolador X1 remoto para el hihat.

La ED-6 de Midiplus tiene en su con-trolador Z10B 20 sonidos de kits de bateríapresetados, 10 grupos de usuario edita-bles, metrónomo, 10 canciones demo, fun-ciones de grabación y reproducción, que asu vez sirven en el aprendizaje del instru-mento. El módulo trae salidas tipo plugderecha e izquierda, Midi In & Midi Out,salida de auriculares y salida USB.

ED-8El modelo que le sigue es el ED-8.

Aquí tenemos un set con mayor versatili-dad en lo que se refiere a sus prestacio-nes. Su mayor diferencia en lo que es suconstrucción se encuentra en el hihat.Este modelo incluye un pedal de hihat concadena hecho de acero cromado con unsistema que ofrece las mismas funcionesque el de una batería acústica (platilloabierto y cerrado).

El set incluye tres toms de 8” (20 cm.)con doble malla, un pad de hihat de 12”(30 cm.) con malla de goma, un tambor de10” (25 cm.) de doble malla, y un crash yun ride de 12” (30 cm.) también con malla

de goma, y un pedal de bombo X1 paragolpear el pad de 9” (23 cm.) localizado alnivel del suelo que haría las veces debombo. El set ED-8 trae también un con-trolador Z10B con 20 kits de batería sam-pleados en un verdadero estudio, 10 gru-pos de usuario editables, y como en elmodelo anterior, metrónomo, 10 cancio-nes a modo de demo, y funciones de gra-bación. También trae reverb, opción paraedición del usuario, metrónomo, Eq de 4bandas, salida estéreo, salida para auricu-lares y salida USB.

ED-9 PROPor último, el set Midiplus ED-9pro es

el único que incluye un pad de bombo condoble malla, junto con tres pads de plati-llos: crash 1 y crash 2 de doble zona, y otropad de ride. El ride cuenta con triple zona,incluyendo el clásico sonido de campanacerca del centro del platillo. Estos pads sonde goma y tienen un diámetro de 12” (30cm.). Su controlador presenta 20 grupospreestablecidos de batería y 10 grupos deusuario editables, utilizando siempre sam-ples de batería real, junto con un metróno-mo incorporado.

El set trae también 10 canciones dedemostración y función de grabación rápi-da de aprendizaje. En cuanto a efectos, el

módulo de la ED-9pro trae reverb, Eq de 4bandas y salida USB que permite grabaren formato Midi. Cabe destacar que elmódulo cuenta también con la posibilidadde disparar los sonidos desde triggers,como para usar sin todos los cuerpos yplatillos de la batería.

Este set incluye un segundo crash(Crash2) de doble zona y un cuarto tam-bor Tom (Tom4). Como en el modelo ante-rior, se incluye un pedal de hihat con cade-na hecho de acero cromado con un siste-ma que ofrece las funciones de sonido deplatillo abierto, semiabierto y cerrado.

En síntesis, en el set ED-9pro se inclu-yen cuatro toms de 8” con doble malla,tambor de 10” de doble zona que ofrece laposibilidad de rim shots, y bombo de 10”,todo montado en un soporte de acero cro-mado de cuatro patas. En todos los mode-los se incluyen cables de conexión, llaveAllen para el armado del set, fuente de ali-mentación y palillos.

Como se dijo en un comienzo, una bate-ría electrónica puede ayudar al músico apracticar la batería en silencio, o en el casode su uso en vivo, ampliar la paleta tonalpara sumarle sonidos al set acústico.

Importa y distribuye: PC Midi www.pcmidicenter.com

JOYO Infinite Sustainer

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informe

Mientras se lo siga sosteniendo sobre lacuerda, ésta seguirá vibrando indefinida-mente …o hasta que se agote la batería.

El controlador de cuerda electromagné-tico monofónico de mano original fueinventado por Greg Heet en 1969. Utilizauna bobina de sensor, una bobina de con-trolador, y un amplificador. De esta forma,emplea electricidad para vibrar una cuerdaa la vez.

El dispositivo JGE-01 de Joyo es decolor blanco perla, y tiene dos modos desustain (Normal y Overtone) que se puedenalternar con un interruptor. También cuentacon un diseño ergonómico, y un contornoaerodinámico para un mejor manejo.

El EBow original ha existido duranteunos 40 años más o menos, y hasta hacemuy poco, ha tenido poca o ninguna com-petencia. Como dijimos, este efecto cuenta

Desde siempre, los guitarristas han buscado de una forma o de otra, lograrque las notas se sostengan indefinidamente. El Infinite Sustainer de Joyo lologra, adaptando un diseño original creado en los ‘70s.

JJoyo está presentando el InfiniteSustainer, su versión del clásico EBow, queal igual que el original, se basa en dos bobi-nas magnéticas que interactúan con lascuerdas de la guitarra eléctrica para obtenerefectos únicos de sustain. Veamos en deta-lle de qué se trata.

“With or Without You”, el clásico temade U2, presenta a The Edge tocando notascon un sustain que pareciera que no termi-na nunca, algo que los guitarristas sabenque es casi imposible de lograr con losmedios habituales (acople, compresión,etc.). Otro que solía usarlo era Robert Fripp,como se escucha en la versión en vivo deltema “Heroes” de David Bowie, o SteveHackett en “Carpet Crawlers” del disco “TheLamb Lies Down on Broadway” de Genesis.La lista de usuarios del EBow incluye tam-bién temas de Coldplay, Phil Collins, AdrianBelew, Def Leppard, Heart, Metallica, Oasis,y la lista sigue y sigue.

¿Cómo funciona? Al igual que el origi-nal, el Infinite Sustainer de Joyo es unapequeña unidad de mano que funciona conuna batería de 9V. El JGE-01 crea un campomagnético cuando se lo sostiene sobre unacuerda, haciendo que dicha cuerda vibre.

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con los modos Normal y Overtone, y aunquela diferencia es sutil, el dispositivo parececomportarse de manera diferente en cadauno de los seteos, creando mayor cantidadde armónicos en la segunda opción.

La clave aquí es sostener el JGE-01 a laaltura del pickup del mango, que es endonde mejor efecto causa su campo mag-nético, y que la cuerda elegida esté bajo laguía que se encuentra en la parte inferiordel aparatito. Al mover el Infinite Sustainer

más cerca de la cuerda, hará que ésta vibrecontinuamente. A medida que se lo va ale-jando de la cuerda, el sustain comenzará amorir. Un práctico Led azul localizado en elfrente, indica el correcto funcionamientodel efecto.

Vale la pena destacar que el Joyo puedeusarse con cualquier guitarra eléctrica,independientemente del tipo de pickups que

use. Algunas personas han mencionadoerróneamente que el tipo de micrófonos quetiene la guitarra es importante. No es así,debido a que el JGE-01 crea su propiocampo magnético que hace vibrar la cuerdacuando se lo acerca a ella. Lo único queimporta de verdad, es que la cuerda seamagnética. Esto significa que tambiénpuede usarse en una guitarra acústica concuerdas de acero, pero no en una acústicacon cuerdas de nylon.

Hay que tener en cuenta que el Joyo, aligual que el EBow original, es monofónico,por lo que sólo se lo puede usar de a unacuerda por vez, no para hacer acordes.

Con este tipo de efecto, es posiblelograr un sonido tipo cello o violín, y prac-ticando un poco, es posible simular los gol-pes del arco, apoyando y levantando elJGE-01 sobre la cuerda. En una grabación,

si no tenemos a mano un sinte y queremossimular un sonido orquestal haciendomelodías con terceras, quintas o sextas,podemos hacerlo grabando distintas tomasusando este aparato.

Lo llamativo del Infinite Sustainer esque invita a hacer melodías al momento enque uno lo apoya sobre una cuerda, sinimportar si el sonido es limpio, saturado odistorsionado. No se trata de un pedal que

pretende generar sustain. El Joyo realmen-te es un aparato que produce sustain infini-to. Claro que requiere que lo sostengamoscon la mano mientras lo hacemos sonar,pero el resultado final, tanto sonoro comocreativo, bien vale la pena.

Importa y distribuyeMusical La Fusa

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En este nuevo episodio veremos lasegunda parte de Triadas. En el númeroanterior vimos un par de digitaciones en 1ªy 2ª cuerda, más una digitación en trescuerdas, con un trabajo sobre el dedo índi-ce de la mano que va por el diapasón. Eneste nuevo número veremos triadasmenores y mayores con tónica en 6ª, 5ª,4ª, 3ª y 2ª cuerda. Todos los ejemplosestán tocados en el video muy lentamente(click en el ícono de YouTube).

Recuerden que las triadas menoresse forman con los siguientes intervalos:1ª, 3b, 5ª. De la tónica a la 3b hay un tonoy medio, y de la 3b a la 5ª hay dos tonos.Las triadas mayores se forman con los

intervalos: 1, 3, 5. De la tónica a la 3ª haydos tonos, y de la 3ª a la 5ª hay un tono ymedio

En los ejemplos de este mes vemostriadas de A menor (A, C, E) y de A mayor(A, C#, E) usando solamente dos cuerdas.En todos los ejemplos estamos viendodigitaciones comenzando desde la notatónica, y en la próxima cuerda agregué lasotras dos notas de la triada.

En el primero de los ejemplos (Nº 1)vemos triadas de A menor y A mayor contónica en 6ª cuerda. En el segundo ejem-plo (Nº 2) vemos las mismas triadas perocon tónica en 5ª cuerda. En el tercer ejem-plo (Nº 3), las mismas triadas pero tocadas

con tónica en 4ª cuerda. En el cuarto ejem-plo (Nº 4) vemos una triada menor y unamayor con tónica en 3ª cuerda. Como pue-den apreciar, en esta cuerda las dos digi-taciones son distintas a las que estábamosutilizando en las demás cuerdas. En elquinto ejemplo (Nº 5) le llegoó el turno alas triadas con tónica en 2ª cuerda.

Amigas y amigos, espero que estassimples ideas les resulten de utilidad.Intenten probarlas dentro de distintasarmonías y progresiones armónicas.

¡Abrazo de Rock!Miguel Sigales

www.sigales.com.arwww.facebook.com/miguel.sigales

Escribió en la revista “El Musiquero”. Perteneció al staff de la revista “MusicShop”. Escribió en la revista “Power Music” y en la revista “Guitarristas yBajistas.ar”. En la actualidad escribe su columna Planeta Gales en la revista“Todo Guitarra y Bajo”. Editó tres libros de guitarra: “Guitarra a mil” vol.1 y vol.2, y “Guitar Training”. Lleva grabados cuatro CDs de rock instrumental: “El lugarde los milagros”, “El día después”, “Rarezas” y “La involución del primate”. Esendorser de Aria Guitars, cables Aria, cuerdas Martín Blust y púas GHS.

TRÍADAS EN DOS CUERDAS

PLANETA GALESpor MIGUEL SIGALES

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Músico Profesional desde 1991, y se dedica a la docencia del bajo eléctrico ydel piano. Es Profesor Superior de Piano, y tomó clases de bajo con HugoClérici, Carlos Madariaga y Paul Dourge. Tocó con Fabiana Cantilo, AlbertoCortez, Nito Mestre, Jairo, Elena Roger, Ariel Leyra, La García López Band, JoséVélez, y muchos otros. Actualmente incursiona en la conducción radial con suprograma BAJO LA MÚSICA los martes a las 19hs por Radio Buena La Actitud.

ARPEGIOS INDISPENSABLES

ARPEGIOS BAJOSpor ANDRÉS DULCET

Hola estimados colegas bajistas. En mi debut comocolumnista de esta revista, me pareció oportuno hacer miaporte sobre una herramienta fundamental para el desem-peño de un bajista sesionista: el dominio de los arpegios entoda la extensión del diapasón.

En mis varios años de trayectoria acompañando a todotipo de artistas, he enfrentado en muchas ocasiones el tenerque tocar una pieza que siquiera jamás había escuchado, ypara lo cual sólo contaba con dos elementos: un cifrado conindicación de ritmo y una pasada de dicha pieza en la mismaprueba de sonido.

En estos casos, un conocimiento verda-dero de lo más que podamos referido aescalas, acordes, arpegios -me atrevo adecir arpegios antes que todo- nos garantizael poder “navegar” sore la interpretación conla seguridad de estar proveyendo al artistade un cimiento seguro y confiable, en el cualse apoyará toda la armonía de la canción,además de mantener feliz al intérprete. Estebackground me permite estar interpretandomi parte casi sin mirar a mi instrumento, porla seguridad que me da el conocer la ubica-ción de las notas en la zona que sea del dia-pasón.

La tarea que propongo es, simplemente,practicar los cuatro tipos de arpegios conte-nidos en el Modo Mayor: el arpegio MayorSéptima, contenido en el 1º grado y en el 4ºgrado de un Modo Mayor; el arpegioSéptima, también llamado Dominante, con-tenido en el 5º grado de un Modo Mayor; elarpegio Menor Séptima, contenido en losgrados 2º, 3º y 6º de un Modo Mayor; elarpegio Semidisminuído o Menor Séptimacon 5ª Bemol, contenido en el 7º grado deun Modo Mayor.

Considero que conocer bien a estosarpegios nos brindará un mapa más quebásico e ilustrativo de la ubicación de lasnotas en todo el diapasón. La idea es tocar-los a todos desde Do (C), como para apre-ciar mejor las diferencias entre sus grados.Cuando salgan bien en C, practíquenlossore las 12 tónicas siguiendo el orden delCírculo de Cuartas, o sea, practicarlos suce-sivamente sore C, F, Bb, Eb, Ab, Db/C#,Gb/F#m, B, E, A, D, G.

Siempre tómense un momento paraencontrar a la tónica de cada acorde en una

ubicación que permita digitar cómodamente a cada posición.Esto tamién es una manera de buscar a las notas por sunombre en diferentes áreas de nuestro instrumento. Losnúmeros entre paréntesis en la partitura/tablatura son ladigitación sugerida de mano izquierda.

Hasta la próxima, y no duden en consultar por cualquierduda que surgiera.

Andrés Dulcet@andresdulcet

+54911 5982-2062

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Fue guitarrista del grupo Nepal, con el que editó tres discos, desde el año1985 hasta el año 2000, fecha de su disolución. Participó en los discos deLarry Zavala y Beto Vázquez Infinity, con Ozzmosys del 2007 hasta el2009, y desde el 2010 desarrolla su carrera solista con su disco debutDHARMA. Fue columnista de las revistas Music Shop, Guitarristas yBajistas.ar y actualmente de Todo Guitarra y Bajo.

ARMONIZACIÓN A DOS GUITARRAS 2ª PARTE

IMPROVISANDO por JAVIER BAGALÁ

Hola amigos y colegas, espero se encuentren bien. Eneste nuevo número de Todo Guitarra y Bajo vamos a conti-nuar viendo la forma de armonizar dos guitarras lead. En estaoportunidad les traigo un ejemplo sencillo para sonar comonuestros ídolos: una armonización por terceras.

Las guitarras número 1 y 2 se centran sobre una secuen-cia de Am - F - G - Am, donde estoy tocando la triada del acor-de correspondiente. Por ejemplo, cuando toco Am, la guitarra2 está tocando absolutamente lo mismo, pero tres notas porencima de la original. Vale decir que si estoy tocando en laguitarra 1 un A, en la guitarra 2 voy a tocar un C; si la guita-rra 1 toca un D, la guitarra 2 debería tocar un F, y así sucesi-vamente con cada una de las notas.

Antes de pasar a la parte práctica, les sugiero repasar lo

que vimos en el némero anterior, donde desarrollé la armoni-zación a dos guitarras de la escala de C y de Am. En el videocorrespondiente (link en el ícono superior derecho) está toca-do primero a velocidad normal y después a velocidad lenta,como para poder observar todos los detalles.

Mi sugerencia es que lo toquen primeramente lento, y enforma gradual ir subiendo la velocidad, para poder lograr elefecto deseado.

Espero haber sido de utilidad, y cualquier duda me lahacen saber a través de las redes sociales o a mi mail, con lapromesa de seguir explorando este recurso muy usado y quetan bien suena.

Javier Bagalájavierbagala32@hotmail.com

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Guitarrista, compositor, productor musical. Técnico en Sonido y Grabación. Técnico enPostproducción Audiovisual egresado UNLa. Con su banda Cirse editó 4 discos de estudio y un DVDen vivo en el Teatro Vorterix. Compartió escenario con Metallica, Incubus, Dave Matthews Band,Duran Duran, Paramore y Bring Me The Horizon. Realizó giras por Argentina, Uruguay, Paraguay, yrecientemente México, en el Vive Latino. Desde el 2007 es instructor de guitarra enGuitarMasterClass.net. Actualmente es miembro de la banda Ramen (@ramenmusica), y además seencuentra escribiendo su tesis de Licenciatura en Audiovisión sobre composición y análisis musical.

LA LIMITACIÓN CREATIVA

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ROCK A FULLpor GABRIEL LEOPARDI

En esta edición vamos a hablar decómo podemos utilizar las limitacionescomo herramientas creativas. Hace algu-nos meses, el guitarrista y Youtuber MarioFreiría me invitó a participar de un videopara su canal, con la consigna de tocar unsolo utilizando solamente una cuerda,sobre un backing track de heavy metal.Mario me envió el backing track que esta-ba en Mi menor, y me pidió que elija unade las 6 cuerdas y para grabar el solo. Alprincipio pensé que era imposible crearalgo interesante, pero tomé el desafío yempecé a probar diferentes cosas.

Lo primero que hice fue elegir la 3ªcuerda, la cuál nos da la nota Sol al aire.Esta nota es la tercera de Mi menor. Mepareció interesante tenerla disponible, yaque eso iba a permitirme usarla de notapedal, combinando técnicas como el tap-

ping o los ligados. Lo siguiente que hicefue pensar qué diferentes técnicas podríacombinar para darle esa impronta demetal, y que se mantenga entretenido, nosólo desde lo melódico, sino tambiéndesde lo técnico. De esta manera, el planfue combinar el uso de Alternate Picking,Ligados, Tapping, Vibrato y Estiradas.

El solo comienza con una estirada enel traste 2 (parte 1), seguida de una melo-día en la siguiente octava de la guitarra(después del traste 12). La siguienteparte (2) está basada en ligados que com-binan trills con la nota Sol de la cuerda alaire, utilizada como nota pedal. Luego, enla parte 3, tenemos una melodía que haceunos saltos bastante grandes en los quevoy de una nota más grave a su respecti-va octava más aguda mediante el uso deslides. Seguido a esto, tenemos una sec-

ción tocada con tapping y ligados (parte4). Por último, y para hacer el solo algomás épico y memorable, armé unas melo-días bastante “maidenianas”, cuandocomienza lo que sería el estribillo del bac-king track. Hacía el cierre de esta partellega quizás el momento más difícil delsolo, ya que tenemos lo que sería unasubida rápida de tres notas por cuerda alo Petrucci o Gilbert, pero tocada toda enuna sola cuerda.

La verdad es que el resultado finalme sorprendió muchísimo. Creo que esuno de los solos que más me gustan delos que compuse, y la experiencia en símisma me hizo pensar y descubrir lopoderoso que puede ser ponerse limita-ciones al momento de crear música. Poresa razón los invito a que hagan suspropios experimentos, poniéndose toda

clase de limitaciones o consignas almomento de crear un solo, una melodíao una canción.

Estos son algunos ejemplos de limi-taciones que pueden probar: sar sólo 1dedo, usar únicamente 1 mano, utilizarsólo 2 cuerdas, mantenerse en una

única posición en la guitarra (preferente-mente no la que más usen), tocar sólo 1nota por cuerda.

Si se quieren descargar el backingtrack de forma gratuita, pueden hacerlodesde https://tinyurl.com/5fd2jh23

También, en este link pueden ver el

video final con todos los guitarristas con-vocados para grabar el solo en una solacuerda https://youtu.be/DjAMOQ82BA4

Gabriel Leopardigabrielleopardi@gmail.comwww.gabrielleopardi.com

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Hoy traigo un estudio donde vas aestar aplicando diferentes técnicas:ligados, tapping, economy pickingsobre Pentatónicas extendidas. El estu-dio está en la tonalidad de Em, y estoyusando nuestra gran aliada, la escalaPentatónica menor, organizándola con3 notas por cuerda.

Para esto es necesario cierto entre-namiento previo, tanto en elongacióncomo en fortificación de la musculaturade los dedos, para que la técnica estédisponible cuando decidamos usarla.Además agrego una nota más con tap-

ping en la mano derecha.Mi sugerencia es que para estudiar-

lo, dividas el ejercicio en dos partes, y lotoques con metrónomo, comenzandolento, manteniendo precisión rítmica, yluego vas incrementando la velocidadprogresivamente, manteniendo la lim-pieza en el sonido.

En la segunda parte del estudio, vasa encontrar una parte tocada con eco-nomy picking y tapping, por lo quesugiero uses la púa ubicada en el dia-pasón. Si, ya sé que no es frecuente,pero a veces para innovar es necesario

romper alguna vieja estructura. Es mi intención que disfruten tocar-

lo, y a su vez les represente un desafíopara seguir creciendo. Como siempre,me encanta recibir sus videos tocándo-lo, y compartirlos. ¡Recordá usar @ale-mesliuk!

¡Éxitos en tu práctica! ¡Paciencia,perseverancia y disfrute!

Alejandra Mesliukcontacto@alejandramesliuk.com

alejandramesliuk@gmail.comwww.alejandramesliuk.com

Guitarrista, compositora y docente, desarrolló un método de two hands tapping.Realiza clínicas y workshops en Bs. As, interior y exterior. Dicta clases particula-res en conservatorios y online. Realiza grabaciones y trabajos de sesión en pro-yectos nacionales e internacionales, integra AWKANYA (progresivo-fusión) y APersuasive Reason (USA). Grabó los CDs “Awen”, “Spire”, "Awkan", y un simple“Kundalini”. Endorser de Organic Pickups (Chile), Pedalboard DobleA.

www.alejandramesliuk.com

TÉCNICA SOBRE PENTATÓNICAS EXTENDIDAS

A DOS MANOS por ALEJANDRA MESLIUK

https://www.youtube.com/c/TodoGuitarrayBajoMag

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Amigos ¿qué tal? Yo feliz, ya que la presentación mi tercerlibro-CD interactivo “Bass Solo Covers Live” fue un éxito total.¡De mis mejores ejecuciones, con localidades agotadas, aligual que toda mi librería solista! A ésto se le suma la fechaconfirmada para festejar los 25 años con mi banda PrestoVivace a mediados de diciembre, y el comienzo de la graba-ción de bajos para del octavo disco.

Les cuento que uno de los temas más intensos y exigen-tes del show fue “The Clap” de Steve Howe/Yes, donde utilizoun bajo acústico de 5 cuerdas. Básicamente, mi adaptación escambiar el finger picking de la guitarra por el slap doble thumbdel bajo.

En esta columna les transcribo un ejemplo, con el rasgueooriginal y la variante con la citada técnica. En el compás de

4/4, la rítmica en la original es binaria, y la progresión armóni-ca es: C#mb5/E - G/D - A7/C# - G/B.

En la variante, donde utilizo un recurso de Victor Wooten,es ternaria, y sólo cambio el primer acorde por un A/E. El beates negra a 220. Las flechas en la tablatura/partitura indican ladirección del rasgueo: “T” tap con derecha, “S” thumb, y “P”poping. La afinación del bajo es: Bb F C G D. En YouTube lopueden ver a partir del minuto 1:59 al 2:07.

Cualquier inquietud, me la hacen llegar, que respondosiempre.

Marcelo Pérez Schneider11 5753 3809

@marceloperezschneiderperezschneider@yahoo.com.ar

Bajista, compositor y fundador del grupo heavy progresivo Presto Vivace. CDs: "9597","Utopías color esmeralda", "El enigma de la parábola, “Periferia vital”"; DVD en vivo "Asenciónprogresiva", y los tributos a Rata Blanca y Dream Theater. Teloneó a Yngwie Malmsteen,Symphony X, Angra, Stratovarius, etc. Individualmente grabó el DVD instructivo "Rutinas debajo avanzadas" y el disco interactivo sólo de bajo c/libro “Miniaturas”. Elegido Mejor Bajistaheavy progresivo por las revistas Epopeya, Rock Brigade, Bass Magazine, y por la FM Rock& Pop. Actualmente toca con su banda y dicta clases particulares.

APLAUSOS PARA EL ARREGLO

BAJO AVANZADOpor MARCELO

PÉREZ SCHNEIDER

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Hola guitarristas. Nuevamente aquí,en este nuevo número de TGyB, paratrabajar conceptos de jazz fusión eimprovisación.

En la columna de hoy veremos líne-as o licks para tocar sobre una progre-sión muy sólida, que encontramos eninfinidad de temas: II – V – I. Vamos atrabajar en la tonalidad de Do mayor,para que sea fácil reconocer los ele-mentos que utilizaremos, y luego como

siempre, ustedes los trasladaran a otrastonalidades.

Esta secuencia es tan fuerte sonora-mente por dos razones. La primera es elmovimiento de los acordes por 4ª justasascendentes, y la segunda porque res-peta el ritmo armónico de las áreas deacordes que forman parte de la escalamayor: Subdominante (II grado),Dominante (V grado) y Tónica (I grado).Las frases están sobre los dos acordes

que más nos interesan, el II y el V. Sobreel primer grado, o sea la resolución, lodejo a criterio creativo de ustedes.Pueden tocar una escala, arpegio,Pentatónica, etc. etc. Estoy seguro deque si trabajan las frases, la inspiraciónde qué tocar después sobre el I grado ycómo resolverla, les va a venir sola.

Como lo que buscamos siempredentro de esta columna es tener unvocabulario hibrido entre el jazz y el

Músico, compositor, guitarrista y docente. Ha editado tres discos comosolista: “BopCity” (2009), “Acuarela” (2012) y “Realidad Paralela” (2016),además de haber participador como sesionista en grabaciones y conciertoscon importantes músicos de Argentina. Realizó giras dando conciertos y clí-nicas en Argentina, América Latina y Europa. Es docente en el ITMC(Instituto Tecnológico de Música Contemporánea) desde el año 2008. Hapublicado libros de enseñanza musical como “Jazz Swing” y “Chord MelodySolos”, que distribuye la editorial Ellisound en todo el país.

II - V - I LICKS

JAZZ FUSIÓNpor GUILLERMO MARIGLIANO

cepto del Nº1, donde resuelvo todo fra-seando con la escala Menor Armónica,arpegios, cromatismos, etc. Lo que cam-bia ahora son los acordes y la duraciónde los mismos. Anteriormente tocába-mos sobre el II V I menor, pero ahorasustituí al 2º grado, primero por el IV(Bm7b5 por Dm7) y luego por el bVI dela escala Menor (Bm7b5 por F) por dosrazones.

Primero, que es más común encon-trar este tipo de cadencias en las can-ciones que solemos tocar, y segundo,

porque son acordes que se puedenreemplazar comúnmente entre sí, y asípodemos seguir utilizando para improvi-sar los mismos elementos. Si estudianlos grados de la escala Menor y las sus-tituciones tonales, se van a dar cuentade ésto que les digo.

El ejemplo N°4 es un poco máscomplejo. Me gusta siempre pasarlesalgo así. Aquí utilizo nuevamente -comoen el Nº 2- los Modos que correspondetocar sobre los grados, pero lo hago uti-lizando Pentatónicas y arpegios con

salto de cuerdas, digitación abierta, ymismas notas tocadas en diferente cuer-da, que le dan ese sabor más saxofonis-tico y de fusión. Para obtener resultado,miren el video en el canal de YouTubede la revista, porque deben prestarespecial atención a cómo digito las fra-ses y qué dedos utilizo. ¡Espero lesguste y les sirva y nos vemos en el pró-ximo número!!

Guillermo Mariglianowww.guillermomarigliano.com.ar

marigliano@gmail.com

Queridos colegas, a menudo me topocon bajistas que me plantean sus dudasa la hora de tocar algo más que la baseen contextos rockeros o blueseros. En eljazz y la fusión, se sobrentiende que elbajista puede tocar y aportar otros ele-mentos. En el rock, este aspecto es másdifuso, y va a depender de cómo interac-túe nuestro instrumento con los demás.Si tenemos la inquietud y el entornomusical lo permite, doblar melodías conel bajo es una excelente forma de apor-tar un color auditivo diferente, además deun gran desafío técnico.

Si existe un tema instrumental icóni-

co en nuestra música popular, ese es elque abre el tercver disco de Pappo’sBlues: Stratocaster Boogie. La trans-cripción corresponde a los primeros 12compases, con la melodía adaptadapara la digitación de un bajo de 4 cuer-das. Es una excelente composiciónpara agregar a nuestro repertorio y,solos de guitarra mediante, tambiénpodemos improvisar nosotros y el bate-rista de turno.

Les recomiendo dos cosas al encarareste tema. La primera es que luego desacarlo en La, lo modulen a otras tonali-dades. Inclusive en un contexto jazzero,

esta melodía es un muy buen “yeite” alque acudir. La segunda recomendaciónes que escuchen sólo el canal derecho,paneo del estéreo mediante.

Como en todo el disco, en este canalla guitarra está más atrás en la mezcla ynos permiten escuchar en detalle elexcelente laburo del gran Machi Rufinoen el bajo. Todas sus bases tienen ese“algo más” al que se hizo referencia alprincipio de la nota.

¡Los “veo” en la próxima edicióndigital de la revista!

Pablo Santoswww.pablosantosbass.com

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Toca con Alejandro Lerner y JAF, y ha sido músico de David Lebón y director musi-cal de Diego Torres y Soledad Pastorutti. Ha grabado discos o participado en pre-sentaciones en vivo de P. Aznar, Gloria Estefan, L. Gieco, H. Guarany, R. Juárez, ChicoNovarro, Pappo, L. Pereyra, Abel Pintos, Luis Salinas, Bebu Silvetti y Mercedes Sosaentre muchos otros. Compartió grabaciones con Alex Acuña, Michael Brecker, SteveFerrone, Robben Ford y Carlos Santana. Tiene dos libros editados: “Técnicas moder-nas aplicadas al bajo” y “Ritmos Folklóricos Argentino para Bajo y Bateria”.

STRATO-BASS BOOGIE

TODO BAJOpor PABLO SANTOS

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In te gró ban das co mo "Rou ge Band", "An gel", "He roínas", "Pay sa na" y “Lu naty -cas”. En 1997 edi tó su pri mer CD ins tru men tal: “Ais la mien to”, y to có por pri -me ra vez jun to a Ste ve Vai en su show en Bs. Ai res. En el 2000 edi tó “Mun doIn te rior” y par ti ci pó del CD tri bu to a Ja son Bec ker en USA. En 2001 gra bó en eles tu dio de Ste ve Vai su CD “Trans mis sion” (2004). Tam bién edi tó “Cuer das Vi -ta les”, “In tui ción”, “Electric Fuzz”, con Scott Henderson y Frank Gambale, y“The Light Side” con Claudio Marciello y Adrián Barilari y “Collage”.

SWEEP PICKING CON ARPEGIOS

ZONA POWER por CARINA ALFIE

Hola amigos guitarristas, ¿cómo están? Espero que muybien, y como siempre tocando la guitarra, componiendo ygrabando.

Para esta edición les traigo una de las ideas que perte-nece a mi “Curso intensivo a distancia de sweep-picking” edi-tado en 2020. Es una idea sobre una progresion en D Mayor.

Voy tocando cada arpegio de la tonalidad de D Mayor, esdecir, los arpegios sobre cada uno de los acordes, en gruposde 4 semiocorcheas, desde la 1ª cuerda hasta la 4ª cuerda.

La armonía está, como dije, en D Mayor.Espero que les guste. Recuerden que está disponible el

video, haciendo click en ícono de YouTube que está arriba ala derecha en esta página. Les recomiendo practicarlo conmetrónomo y también sobre la base.

¡Les mando un abrazo!

Carina Alfiealfiecds@yahoo.com.ar

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Tiene cuatro CD’s como solista, uno editado en México y un DVD instruc-cional lanzado en EE.UU. por el sello Chops From Hell. Junto aHumanimal editó un CD aquí y en España. Participó en los tres discos de“Beto Vázquez Infinity” y en 16 CD’s tributo y compilatorios. Junto al“South American Guitar Masters Tour” y el “Nocturnal Guitar Fest” giraanualmente a través de Latinoamérica y Europa. Actualmente integra labanda “Tren Loco” y dicta clases particulares.

ARPEGIOS PROGRESIVOS

SHRED!!por PABLO SOLER

Amigos, en este número vamos asubirnos a una progresión de arpegios,tratando de evitar los patterns conven-cionales de barridos.

En el DoM vamos a obtener unsonido de picking de escala de dosnotas por cuerda, quitando el Sol de la2ª cuerda, para ponerlo en la 3ª cuer-da. De esta manera, usando hybrid pic-king, logramos ese pattern muy Gilbert.En el Lam rebotamos también sobre la4ª cuerda, y combinamos distintos

patrones de recorrido del arpegio paralograr rebotar en sus diferentes interva-los. Atentos ¡que esto es una bomba!

En el disminuido agrupamos nueva-mente dos notas por cuerda, primeroentre cuerdas 1ª y 3ª, y luego entre la2ª y 4ª cuerda, repitiendo el patrón delDoM, para rematar con un tercer pat-tern.

En el MiM reubicamos las notas derebote que nos quedarían del lado delos dedos 1 y 2 de la mano izquierda,

subiéndolos a la cuerda de arriba, ypasándolos del lado de los dedos 3 y 4,para que sea posible tocarlo en semi-corcheas. Es un concepto que vimosen números anteriores.

Cada uno de estos acordes puedeser pracicado como ejercicios por sepa-rado, y les van a dar un sonido muchomás moderno que el neoclásico.

Pablo G. Solerwww.facebook.com/pablosoleroficial

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Colegas de las bajas frecuencias, eneste número les preparé un ejercicio lla-mado Chord Melody. El significado seríatocar una melodía armando a la vez conacordes un acompañamiento, dando esesonido tan característico. Sería algo asícomo tocar la guitarra y el bajo a la vez.

Vamos a darle vida a un estándar dejazz muy famoso llamado “Autumn lea-ves”. El mismo tiene dos partes A y B. Enesta ocasión veremos la parte A. Suarmonía es en Em7: E F# G A B C D).

La técnica consiste en tocar la melo-día en una octava aguda -en lo posible

cuerda Nº 1- y los bajos en una octavagrave, que por lo general se hace en 4ªcuerda. De este modo formamos losacordes con las otras cuerdas.

Es importante el trabajo previo.Primero, conocer muy bien la canción,para desarrollar la melodía original conlos bajos originales, dando el carácter demayor o menor a cada acorde.

La partitura/tablatura está anotadaen forma de guía, ya que disponen delvideo en el canal YouTube de la revista(link en el ícono superior derecho de estapágina), para observar los detalles de

cómo interpretarlo. Me refiero tanto a lasacentuaciones como a los dedos (digita-ción) de ambas manos, y por sobre todoal ritmo (intención) de swing que segenera en la canción.

Cualquier duda, como siempre, asus órdenes. En el próximo numeroveremos la parte B de este mismo tema,que es un poco más activa y muy copa-da también.

Abrazo grande per tutti.

Sergio Mayoranosergiomayorano@yahoo.com

Profesor de bajo con 27 años de experiencia. Músico profesional de numero-sas bandas y solistas de diferentes estilos. Ex integrante de "Cuero" (heavymetal). Participa como músico estable del programa de TV "Jam Session".Autor del "Método de tapping para bajo" (DVD/libro) yde “70 Bases para Bajo”(CD/Libro). Es músico de Diego Mizrahi, Roascio RCM, WC (Funk) y PrimaFacie, su proyecto solista. Se pueden ver avances por YouTube “sergio mayo-rano 3 ejemplos del metodo de tapping”. www.sergiomayorano.com.ar

AUTUMN LEAVES - PARTE A

TAP BASSpor SERGIO MAYORANO

www.youtube.com/todoguitarraybajo

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Por último, recuerda tomarte tu tiempo para asimilar estetipo de conceptos, y lograr la agilidad necesaria como paratocar los cambios de acordes con soltura. ¡Sin prisas!

Es la única forma de que ésto pase a ser parte de tu voca-bulario, y no sólo un 'fatito' que luego se queda en el olvido.

Como siempre, ante cualquier duda, no dudes en consul-

tarme, que para eso estamos.¡Que sea Blues!

Andrés Rexachandresrexachmusico@gmail.com

www.facebook.com/andresrexachartwww.instagram.com/andresrexach

Practica estas formas y los cambios entre ellas (ver explica-ción detallada en el video en el canal YouTube de la revista), y una

vez que logres los cambios con soltura, comienza a tocar la ruedacompleta como se ve a continuación.

Bienvenidos nuevamente a mi columna BluesBox.Continuaremos entrenándonos en el acompañamiento y los cam-bios entre diversas formas de acordes. Para esto, escribí estalinea de comping para un blues estándar de 12 compases, utili-

zando sólo tres formas de acordes para cada grado de la rueda.En el grado I7 -en este caso A7- vamos a utilizar las tres for-

mas de la Fig. Nº 1. Para los grados IV y V -en este caso D7 y E7respectivamente- vamos a utilizar las tres formas de la Fig. Nº 2.

Docente, guitarrista, compositor, productor y sesionista con más de 30años de experiencia en Argentina y Europa, donde trabajó con numerososartistas internacionales (Brian May, Achim Wierschem, Ricky Martin,Chayanne, Carlos Baute, y otros). Editó cinco discos solista (“Liberar losinstintos”, “2lives/1chance”, “Desiertos de la conciencia”, “Loneliness”,“Nuestra historia en común”) y “Saint-Smith & Rexach-BHS1” junto aBethany Saint-Smith (USA). Columnista para las revistas Cutaway yGuitarramania (España) y actualmente para Todo Guitarra yBajo.

ACOMPAÑANDO UN BLUES

BLUES BOXpor ANDRÉS REXACH